Mujeres artistas.

Las mujeres siempre han hecho arte, pero durante siglos lo tuvieron mucho más difícil que los hombres y, después, la historia del arte las olvidó. El currículo lo llama perspectiva de género: estudiar el papel que ha tenido la mujer como artista y la imagen que se ha dado de ella (competencia específica 8). Estas son las causas que tienes que saber explicar.

• Formación. Un chico entraba de aprendiz en un taller; una chica casi solo podía aprender en el taller de su padre (Lavinia Fontana, Artemisia Gentileschi, Luisa Roldán) o, si era noble, con un maestro, algo excepcional (Sofonisba Anguissola, enviada en 1546 al taller de Bernardino Campi: «hecho entonces inaudito», según la RAH).
• Gremios. Para abrir taller y vender había que ser maestro del gremio, y muy pocas lo consiguieron (Judith Leyster, en Haarlem, en 1633).
• Academias y desnudo. El género más prestigioso era la pintura de historia, que exigía estudiar el desnudo del natural, vetado a las mujeres. Nochlin recuerda que en 1893 las alumnas aún no podían dibujar del modelo vivo en la Royal Academy de Londres, y después solo con el modelo «parcialmente cubierto».
• Géneros «menores». Sin desnudo, se especializan en retrato, autorretrato, bodegón, flores, miniatura o copia, que las academias situaban por debajo de la historia.
• Leyes y costumbres. Una mujer casada no podía firmar contratos (los de la Roldana los firmaba su marido), el matrimonio y los hijos solían cortar la carrera y la crítica trataba a las «aficionadas» con condescendencia: «graciosas», «encantadoras» (Prado, Invitadas).
• Atribuciones a hombres. Obras suyas pasaron por ser de un pintor famoso: el Joven flautista de Leyster, por Frans Hals; el Felipe II de Sofonisba del Prado figuraba como de Pantoja de la Cruz en los inventarios de 1794 y 1857.
• Historiografía. La historia del arte se escribió como una sucesión de genios masculinos; Nochlin llama a ese mito la idea de que el genio es una «pepita de oro» innata que acaba saliendo siempre.
• Resultado en los museos: en el recuento de 2021 que usó la PAU de Navarra (2026), de las obras del Prado analizadas, 10 de 1.848 eran de mujeres (0,5 %), menos que las anónimas.

La recuperación empieza con la historia del arte feminista de los años setenta, pasa por el activismo de los ochenta y llega hoy a los grandes museos españoles y al currículo de Bachillerato.

En el Renacimiento y el Barroco las artistas conocidas son excepciones: hijas de artistas o nobles con educación humanista. Casi todas se autorretratan y cultivan el retrato y el bodegón. Sus fichas están en los temas 12 a 15.

• Sofonisba Anguissola (Cremona, h. 1535–Palermo, 1625): noble formada con Bernardino Campi, especialista en autorretratos y retratos de familia. En 1559 entra en la corte de Felipe II como dama de Isabel de Valois y retrata a la familia real (Temas 12 y 13).
• Lavinia Fontana (Bolonia, 1552–Roma, 1614): hija del pintor Prospero Fontana; para el Prado, «la primera en ser reconocida como una profesional». Triunfa como retratista en Bolonia, recibe encargos públicos de retablos (el primero en 1583) y pinta mitologías con desnudo (Minerva vistiéndose, 1613) (Tema 12).
• Artemisia Gentileschi (Roma, 1593–Nápoles, 1652/1653): formada con su padre, Orazio, en el caravaggismo; heroínas fuertes y activas. Fue la primera mujer admitida en la Academia del Dibujo de Florencia (Uffizi) (Tema 14).
• Clara Peeters (¿Amberes?, h. 1588/1590–después de 1621): pionera del bodegón flamenco; se pinta a sí misma en los reflejos de copas y jarras, en al menos ocho cuadros (Tema 14).
• Judith Leyster (Haarlem, 1609–Heemstede, 1660): maestra del gremio de San Lucas de Haarlem; escenas de género con músicos (Tema 14).
• Luisa Roldán, la Roldana (Sevilla, 1652–Madrid, 1706): aprende en el taller de su padre, Pedro Roldán; en 1692 es escultora de cámara de Carlos II, la primera mujer con ese título. Imaginería en madera y grupos de barro cocido (Tema 15).

Las academias admiten a muy pocas mujeres y sin acceso a las clases de desnudo. Aun así, algunas triunfan en el retrato, la pintura animalista o el Impresionismo, y una escultora se abre paso junto a Rodin. Fichas en los temas 17, 19 y 20.

• Angelica Kauffmann (Coira, 1741–Roma, 1807): neoclásica; en 1768 fue una de las fundadoras de la Real Academia de Londres (Royal Academy). Pintura de historia y retratos alegóricos (Tema 17).
• Élisabeth Vigée Le Brun (París, 1755–París, 1842): retratista de María Antonieta y académica en París desde 1783; tras la Revolución trabajó en Roma, Nápoles, Viena y San Petersburgo (Tema 17).
• Rosa Bonheur (Burdeos, 1822–Thomery, 1899): pintora animalista del Realismo, famosa y rica en vida: Arando en el Nivernais (1849, Orsay) (Tema 19).
• Berthe Morisot (Bourges, 1841–París, 1895): la primera mujer que expuso con los impresionistas (1874). Pincelada muy suelta, blancos luminosos, mujeres, niños e interiores: La cuna (1872) (Tema 20).
• Mary Cassatt (Allegheny City, 1844–Le Mesnil-Théribus, 1926): estadounidense en París; Degas la invita en 1877 a unirse a los impresionistas y expone con ellos desde 1879. Madres e hijos con planos de influencia japonesa: El baño del niño (1893) (Tema 20).
• Camille Claudel (Fère-en-Tardenois, 1864–Montfavet, 1943): escultora, alumna y colaboradora de Rodin, que se separa de él para buscar su estilo (Sakountala, La edad madura); internada en un psiquiátrico desde 1913 hasta su muerte (Tema 20).
• En España, la exposición Invitadas (Prado) muestra que, con la formación restringida, muchas pintoras del s. XIX trabajaron sobre todo como copistas de los maestros antiguos (en el registro del Prado firmaban «copianta») o como retratistas en miniatura, carreras que se tenían por menores; también se dedicaron a géneros de poco rango para la academia, como el bodegón de flores y frutas.

Con las vanguardias más mujeres estudian arte, viajan a París y firman manifiestos, pero la crítica las presenta a menudo como «la compañera de»: Sonia de Robert Delaunay, Sophie Taeuber de Hans Arp, Frida de Diego Rivera. Castilla y León pide expresamente «la mujer como artista en la pintura de vanguardia de los siglos XIX y XX». Fichas en los temas 22 y 23.

• Sonia Delaunay (Imperio ruso, hoy Ucrania —Odesa, según el Thyssen—, 1885–París, 1979): con Robert Delaunay desarrolla el simultaneísmo, contrastes de color en formas circulares que lleva a la pintura, la moda y los tejidos (Contrastes simultáneos, 1913, Thyssen). En 1964 fue la primera mujer viva con una exposición en el Louvre (Tema 22).
• María Blanchard (Santander, 1881–París, 1932): pintora cubista en París, del círculo de Juan Gris (Mujer con abanico, 1913–1915, Reina Sofía) (Temas 22 y 23).
• Liubov Popova (Ivanovskoie, 1889–Moscú, 1924), de la vanguardia rusa (Arquitectura pictórica); Sophie Taeuber-Arp, del dadá (Cabeza dadá); Hannah Höch (Gotha, 1889–Berlín, 1978), del dadá de Berlín, con fotomontajes de recortes de revistas; Georgia O'Keeffe (Sun Prairie, 1887–Santa Fe, 1986), abstracción en Estados Unidos (Tema 23).
• Frida Kahlo (Coyoacán, 1907–Ciudad de México, 1954): tras el accidente de 1925 empieza a pintar en la cama, con un espejo; autorretratos con su cuerpo herido y la cultura mexicana, que Breton vinculó al Surrealismo (Las dos Fridas, 1939; La columna rota, 1944) (Tema 23).
• El mercado: en noviembre de 2025, El sueño (La cama) de Kahlo se subastó por 54,7 millones de dólares, el cuadro más caro de una mujer artista (Cataluña, 2026 ordinaria).
• Maruja Mallo (Viveiro, 1902–Madrid, 1995): estudia en la Academia de San Fernando desde 1922, se relaciona con Dalí, Lorca y Alberti y forma parte de Las Sinsombrero de la Generación del 27. Sus Verbenas llenan el lienzo de fiesta popular (La verbena, 1927, Reina Sofía) (Tema 23).

Tras 1945 las artistas protagonizan los lenguajes nuevos —instalación, performance, fotografía— y muchas ponen en el centro el cuerpo, la memoria y la condición femenina. Fichas en los temas 24, 25 y 27.

• Louise Bourgeois (París, 1911–Nueva York, 2010): escultura e instalación sobre la infancia, el miedo y la madre: las Celdas y la araña gigante Mamá (Maman) del Guggenheim Bilbao.
• Arte feminista y cuerpo: Judy Chicago (The Dinner Party); Ana Mendieta (La Habana, 1948–Nueva York, 1985), que marca la silueta de su cuerpo en la tierra (Siluetas); Yayoi Kusama y sus Habitaciones de espejos infinitos.
• Marina Abramović (Belgrado, 1946): performance con su propio cuerpo como material (Art must be beautiful, artist must be beautiful, 1975; La artista está presente, MoMA, 2010).
• Cindy Sherman (Glen Ridge, Nueva Jersey, 1954): fotografía en la que ella misma posa como los estereotipos femeninos del cine (Untitled Film Stills, 1977–1980) (Tema 27).
• España: Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), performance y la serie fotográfica Autorretrato en el tiempo; Isabel Baquedano (Mendavia, 1936–Madrid, 2018). Las dos están en la lista de Navarra.
• Canarias: según los materiales de la Consejería de Educación, en el grupo grancanario Espacio (1961), el primero de las islas que practicó solo la abstracción, estaban Lola Massieu y Pino Ojeda; en Nuestro Arte (Santa Cruz de Tenerife; 1962 según la Consejería, 1963 según la Real Academia Canaria de Bellas Artes), Maribel Nazco y María Belén Morales.
• Arquitectura: Zaha Hadid (Bagdad, 1950–2016) fue en 2004 la primera mujer con el Premio Pritzker (Wangjing SOHO, Centro Heydar Aliyev) (Tema 24).
• Guerrilla Girls (Nueva York, 1985): colectivo anónimo de artistas feministas con máscaras de gorila; sus carteles usan estadísticas para denunciar la desigualdad en museos y galerías.

La otra mitad de la perspectiva de género es la imagen de la mujer en el arte, que piden Asturias, Castilla y León y Cataluña. Durante siglos la pintan hombres para clientes hombres: diosa, virgen, madre, pecadora o desnudo para ser mirado.

• De la fertilidad al ideal: de la Venus de Willendorf a la Afrodita de Cnido de Praxíteles, el primer gran desnudo femenino de la escultura griega.
• El desnudo mitológico del Renacimiento y el Barroco se ofrece a la contemplación del coleccionista: El nacimiento de Venus, Venus de Urbino, La Venus del espejo, Las tres Gracias.
• El s. XIX inventa harenes orientales (Mujeres de Argel, El baño turco) y Manet escandaliza con una prostituta que mira de frente al espectador (Olympia).
• El s. XX fragmenta el cuerpo (Las señoritas de Avignon) y lo convierte en producto de consumo (Marilyn de Warhol).
• La mirada masculina: el cuadro presupone un espectador hombre ante una mujer pasiva. Las artistas la contestan con mujeres que actúan (Artemisia), se miran a sí mismas (Kahlo) o desmontan el estereotipo (Sherman).
• Guerrilla Girls (1989): «¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el Met. Museum? Menos del 5 % de los artistas de las secciones de Arte Moderno son mujeres, pero el 85 % de los desnudos son femeninos» (cartel en el MACBA).