Renacimiento: el Cinquecento y el Manierismo.

El Cinquecento (s. XVI) es la etapa de plenitud del Renacimiento. El centro artístico pasa de Florencia a la Roma de los papas, sobre todo con Julio II (1503–1513) y León X (1513–1521), que quieren devolver a la ciudad la grandeza de la Roma imperial. Allí coinciden Bramante, Miguel Ángel y Rafael; Leonardo trabaja sobre todo en Milán y Florencia, y Venecia desarrolla una escuela propia basada en el color.

• Pleno Renacimiento o Clasicismo (c. 1500–1520): se alcanza el equilibrio. Los artistas ya dominan la perspectiva y la anatomía y buscan la síntesis: armonía, proporción, belleza ideal y monumentalidad.
• El artista genio: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael tratan con papas y príncipes como intelectuales, no como artesanos. En 1550 Vasari publica sus Vidas de artistas, que fijan esa imagen.
• Mecenazgo papal: el nuevo San Pedro, la Capilla Sixtina, las Estancias del Vaticano y la tumba de Julio II son los grandes encargos.
• Crisis: la Reforma de Lutero (1517) y el Saco de Roma (1527) por las tropas de Carlos V rompen la confianza humanista. Desde c. 1520 se extiende el Manierismo.
• Contrarreforma: el Concilio de Trento (1545–1563) defiende las imágenes, pero exige que sean claras y decorosas y que muevan a la devoción: en 1564 se cubren desnudos del Juicio Final y se levantan iglesias como Il Gesù.
• Venecia, república rica y abierta al comercio con Oriente, prefiere el color, la luz y el paisaje, y pinta al óleo sobre lienzo: Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronés.

Bramante lleva a Roma la arquitectura más pura del Renacimiento: la planta central, la cúpula y los órdenes usados con la gravedad de las ruinas romanas. Su gran proyecto, el nuevo San Pedro del Vaticano, tardará más de un siglo y pasará por manos de Rafael, Sangallo y Miguel Ángel, cuya arquitectura, cada vez más expresiva, abre el camino al Manierismo.

• Planta central (círculo, cuadrado, cruz griega): para los humanistas es la forma perfecta, imagen de Dios. Bramante y Miguel Ángel la eligen para San Pedro.
• Monumentalidad romana: muros con volumen, pilares macizos y cúpulas sobre tambor, inspirados en el Panteón y las termas.
• Órdenes clásicos usados primero con rigor (dórico en el Templete) y luego con libertad: Miguel Ángel usa el orden gigante y las columnas pareadas.
• Miguel Ángel arquitecto: en Florencia, la Sacristía Nueva y la Biblioteca Laurenciana; en Roma, la plaza del Capitolio y la cúpula de San Pedro. Rompe las reglas: columnas metidas en el muro, ménsulas sin función, tensión y contrastes de luz.
• Andalucía pregunta «La arquitectura renacentista en Italia: Brunelleschi y Miguel Ángel» (2026 extraordinaria); Galicia (con Bramante, Miguel Ángel, Vignola y Palladio) y La Rioja, su evolución del Quattrocento al Manierismo.

Leonardo (1452–1519) es pintor, ingeniero, anatomista e inventor. Para él la pintura es una ciencia basada en la observación: estudia la luz, el aire, el cuerpo humano y los «movimientos del alma». Pintó pocas obras y dejó muchas sin terminar, pero fijó el modelo del Pleno Renacimiento.

• Sfumato: contornos difuminados con capas finísimas de óleo; las figuras se funden con la atmósfera, sin líneas duras (La Gioconda).
• Perspectiva aérea: lo lejano se vuelve azulado y borroso. Leonardo la explica en sus apuntes, que su discípulo Francesco Melzi reunió tras su muerte en el Tratado de la pintura.
• Composición piramidal, cerrada y estable (La Virgen de las rocas, Santa Ana), y claroscuro suave que modela los volúmenes.
• Expresión: los gestos y los rostros muestran lo que sienten los personajes (La Última Cena).
• Experimentación técnica: en La Última Cena renuncia al fresco para poder corregir, y la pintura empezó a estropearse muy pronto.
• Etapas: formación con Verrocchio en Florencia (Tema 11); Milán, al servicio de Ludovico Sforza (c. 1482–1499); Florencia desde 1500, donde coincide con Miguel Ángel y el joven Rafael; de nuevo Milán, Roma y, desde 1516, Francia, con Francisco I.

Miguel Ángel Buonarroti (1475–1564) se consideraba ante todo escultor. Para él, esculpir era quitar mármol hasta liberar la figura que estaba dentro del bloque. Su obra, que ocupa casi todo el siglo, va del clasicismo juvenil a la tensión y la terribilità que anuncian el Manierismo.

• Se forma en Florencia con el pintor Ghirlandaio y en el jardín de esculturas antiguas de los Médici, en contacto con el humanismo neoplatónico.
• Anatomía poderosa, casi sobrehumana: estudia el cuerpo y la escultura helenística (el Laocoonte, hallado en Roma en 1506).
• Prefiere el mármol y la talla directa. Muchas obras quedan non finito, sin terminar, como los Prisioneros para la tumba de Julio II (Galleria dell'Accademia).
• Pinta como esculpe: figuras rotundas, escorzos atrevidos y colores intensos (Tondo Doni, Sixtina).
• Evolución: clasicismo (Piedad, David) → tensión y terribilità (Moisés) → Manierismo (Tumbas mediceas, Juicio Final) → espiritualidad final (la Piedad Rondanini, inacabada al morir).

Rafael Sanzio (1483–1520) es el pintor del equilibrio. Aprende con Perugino, asimila en Florencia la composición de Leonardo y la fuerza de Miguel Ángel y en Roma se convierte en el pintor favorito de Julio II y León X. Muere con solo 37 años.

• Belleza ideal y serena: figuras elegantes y naturales, sin tensión ni exageración.
• Composición clara y simétrica, a menudo piramidal en sus Vírgenes con el Niño (La Virgen del jilguero, La bella jardinera).
• Espacio amplio y ordenado con perspectiva lineal y arquitecturas monumentales al modo de Bramante.
• Estancias del Vaticano (desde 1508): en la de la Signatura pinta La disputa del Sacramento, La escuela de Atenas y El Parnaso.
• Dirige un gran taller (Giulio Romano, Giovanni da Udine, Perin del Vaga) para las Logias, los cartones de los tapices de la Sixtina y, desde 1514, la obra de San Pedro.
• Gran retratista: Baltasar de Castiglione (Louvre) y El cardenal (Museo del Prado).

Venecia, república de comerciantes abierta a Oriente, crea su propia escuela. Frente al dibujo (disegno) de Florencia y Roma, los venecianos construyen la forma con el color (colorito) y la luz, pintan al óleo sobre lienzo y dan protagonismo al paisaje y a la sensualidad.

• Giorgione (c. 1477–1510): paisajes poéticos y temas misteriosos para coleccionistas cultos (La tempestad).
• Tiziano (c. 1490–1576): el gran maestro. Retratos de aparato, cuadros religiosos, desnudos (Venus de Urbino) y mitologías, las poesie, para Felipe II. Su pincelada se vuelve cada vez más suelta, a base de manchas.
• Tintoretto (1518–1594): dramatismo, diagonales, perspectivas forzadas y luces violentas, ya manierista (El lavatorio; la Scuola Grande di San Rocco).
• Veronés (1528–1588): grandes banquetes con arquitecturas clásicas, colores claros y lujo (Las bodas de Caná).
• El lienzo es ligero y permite grandes formatos; en el clima húmedo de Venecia el fresco se conserva mal.
• España y Venecia: Carlos V y Felipe II fueron grandes clientes de Tiziano. El Prado guarda, entre otras, Carlos V en la batalla de Mühlberg, la Dánae y Venus y Adonis (1554), una de las poesie.

Desde c. 1520, y sobre todo tras el Saco de Roma (1527), muchos artistas abandonan el equilibrio clásico. Admiran a Rafael y a Miguel Ángel y trabajan «a la manera» de los grandes maestros (de ahí maniera y Manierismo), pero buscan lo artificioso, lo elegante y lo inquietante. Es un arte refinado para cortes y entendidos que, en arquitectura, convive con el clasicismo riguroso de Palladio.

• Figuras alargadas, de proporciones irreales (cuellos, dedos), en posturas forzadas y retorcidas: la línea serpentinata.
• Espacio irracional o ambiguo: escalas que no encajan, figuras amontonadas junto a vacíos inesperados.
• Colores fríos, ácidos o tornasolados e iluminación artificial.
• Temas complejos y alegorías para entendidos; gusto por lo extraño y por el virtuosismo.
• Pintores: Pontormo, Rosso Fiorentino, Bronzino y Parmigianino; escultores: Benvenuto Cellini (Perseo, en la Loggia dei Lanzi) y Giambologna. En España, El Greco (Tema 13).
• Arquitectura: el Miguel Ángel de la Laurenciana, Giulio Romano (Palacio del Te, Mantua) y Vignola (Il Gesù). Palladio vuelve a un clasicismo riguroso, basado en Vitruvio y en las ruinas romanas, que será modelo durante siglos.

En el s. XVI una mujer no podía formarse en un taller como un aprendiz ni estudiar el desnudo del natural. Aun así, dos italianas alcanzan fama europea: Sofonisba Anguissola, noble de Cremona que llega a la corte de Felipe II, y Lavinia Fontana, hija de pintor, que abre taller propio en Bolonia. El Prado les dedicó la exposición Historia de dos pintoras (2019–2020).

• Sofonisba (Cremona, c. 1535–Palermo, 1625): en 1546 su padre la envía con su hermana Elena al taller de Bernardino Campi, «hecho entonces inaudito» según la Real Academia de la Historia; después aprende con Bernardino Gatti.
• Se especializa en el retrato, cercano e íntimo: escenas familiares como La partida de ajedrez (1555, Poznań) y numerosos autorretratos, tocando la espineta o pintando.
• Miguel Ángel se interesa por su talento: en 1557 le envía dibujos suyos para que los copie.
• En 1559 Felipe II la llama como dama y maestra de pintura de la reina Isabel de Valois. Retrata a la familia real, pero sus retratos de corte no van firmados y se le paga con telas y joyas, no como pintora (Prado). Sus retratos de Felipe II e Isabel de Valois están en el Tema 13.
• Lavinia Fontana (Bolonia, 1552–Roma, 1614), hija del pintor Prospero Fontana: retratista preferida de las damas de Bolonia, autora de cuadros religiosos y de mitologías con desnudos; acaba su carrera en Roma.
• La mujer artista es contenido del currículo y sale en Cataluña, Andalucía, Madrid, La Rioja, Navarra y el País Vasco. Lo amplías en el Tema 26.