Impresionismo, Postimpresionismo y escultura del XIX: apuntes PAU

Cronología

1863Rechazado por el jurado, El almuerzo sobre la hierba de Manet se expone en el Salón de los Rechazados
1865Olympia escandaliza en el Salón oficial
1874Primera exposición del grupo en el antiguo estudio de Nadar: Impresión, sol naciente da nombre al Impresionismo
1877Renoir presenta el Baile en el Moulin de la Galette (1876) en la exposición impresionista
1886Octava y última exposición impresionista: Seurat muestra la Grande Jatte y nace el Neoimpresionismo
1888Gauguin pinta La visión después del sermón en Pont-Aven (Bretaña)
1889Van Gogh pinta La noche estrellada en Saint-Rémy; Rodin termina Los burgueses de Calais
1892–1894Monet pinta la serie de La catedral de Ruan; Blay gana en Madrid con Los primeros fríos (1892)
1904–1906Se funde el Pensador monumental de Rodin (1904), que en 1906 se coloca ante el Panteón de París; muere Cézanne (1906)
1908–1909Klimt expone El beso en Viena (1908); Sorolla triunfa en Nueva York y pinta Paseo a la orilla del mar (1909)

1París, capital del arte: la ruptura con la Academia

En la segunda mitad del s. XIX, París se transforma: el barón Haussmann abre bulevares, llegan el ferrocarril, la luz de gas y la eléctrica, los cafés-concierto y los espectáculos, y la burguesía descubre el ocio. Es también la época del pensamiento positivista y de los avances técnicos (Galicia y Cataluña piden este contexto en sus criterios). Pero el arte oficial lo controla la Academia de Bellas Artes, que decide qué se expone en el Salón anual.

La Academia premia la pintura de historia y de mitología, el dibujo preciso y el acabado liso. Quien no entraba en el Salón apenas vendía.
En 1863 el jurado rechazó tantas obras que Napoleón III autorizó un Salón de los Rechazados: allí colgó Manet El almuerzo sobre la hierba.
La fotografía libera a la pintura de copiar la realidad y le enseña encuadres nuevos: figuras cortadas, vistas desde arriba, instantes congelados.
Llegan a París las estampas japonesas (ukiyo-e): colores planos, sin sombras, composiciones asimétricas. Es el japonismo de Degas, Cassatt o Van Gogh.
Los tubos de pintura y los caballetes portátiles permiten pintar al aire libre, como ya hacían los paisajistas de Barbizon (Tema 19).
La teoría del color de Chevreul (contraste simultáneo) explica que dos complementarios juntos se intensifican.
Nace un mercado del arte moderno: los artistas exponen por su cuenta y venden a través de marchantes como Paul Durand-Ruel.

El Salón

Exposición oficial y anual, con jurado académico. Da medallas, encargos y fama. Gusto conservador: historia, mitología y desnudos idealizados.

El Salón de los Rechazados (1863)

Muestra de las obras rechazadas ese año. El público fue a reírse, pero se convirtió en el símbolo de la pintura moderna.

Las exposiciones impresionistas (1874–1886)

Ocho muestras independientes, sin jurado, organizadas por los propios artistas. La primera, en 1874, en el antiguo estudio del fotógrafo Nadar; la última, en 1886.

Marchantes y críticos

Durand-Ruel compra y expone a los impresionistas; escritores como Émile Zola defienden a Manet y a sus amigos en la prensa.

¿Manet es impresionista?

Manet nunca expuso con los impresionistas y casi todos los manuales lo tratan como precursor. Pero los criterios de Asturias clasifican el Almuerzo y Un bar del Folies-Bergère como Impresionismo, y País Vasco pide «Edouard Manet y la Escuela de Barbizón como referencia» en su tema. Escribe que es el puente entre el Realismo y el Impresionismo y no fallarás.

2Manet, el precursor

Édouard Manet (1832–1883) quería triunfar en el Salón, pero se convirtió en el gran escándalo de su época. Toma temas de los maestros antiguos (Tiziano, Rafael, Velázquez, Goya) y los convierte en escenas de su tiempo. Su pintura es plana, de contrastes bruscos entre luz y sombra, sin medias tintas, con unos negros intensos que los impresionistas eliminarán.

Admira la pintura española: viajó a Madrid en 1865 y llamó a Velázquez «el pintor de los pintores».
Sus temas son modernos: parisinos vestidos a la moda, desnudos que no son diosas, cafés y cabarés.
Su técnica escandaliza: manchas planas de color, sin degradados, fondos abocetados y poca profundidad; la crítica le reprochaba que pintara a manchas, sin acabar.
En los años setenta aclara la paleta y pinta junto a Monet en Argenteuil, pero no expuso nunca en las muestras del grupo.

El almuerzo sobre la hierba

Édouard Manet · 1863

Estilo: Realismo; precursor del Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 207 × 265 cm
Dónde está: Museo de Orsay, París

Análisis formal: gran formato, el de la pintura de historia. Grupo central piramidal en primer plano, una bañista al fondo y un bodegón de ropa, fruta y pan abajo a la izquierda. Luz frontal y cruda sobre el desnudo, sin transición entre luces y sombras; fondo de bosque abocetado, sin perspectiva ni profundidad.
Tema e iconografía: toma el asunto del Concierto campestre de Tiziano (entonces atribuido a Giorgione) y el grupo central de un grabado de Marcantonio Raimondi sobre El juicio de Paris de Rafael. Pero quita la excusa mitológica: una mujer desnuda entre hombres vestidos a la moda, que mira al espectador.
Contexto: el jurado del Salón la rechazó y Manet la colgó, como El baño, en el Salón de los Rechazados de 1863: burlas y escándalo. Asturias (2025) pidió comentar «la presencia de la mujer»: ellas son desnudo u objeto decorativo, ajenas a la charla de los caballeros.
Para reconocerla: merienda en un bosque, dos hombres con levita y una mujer desnuda sentada que te mira.

En la lista oficial de obras de Cantabria, Castilla y León, Cataluña y Galicia y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Asturias (2025).

Ficha oficial de la obra

Olympia

Édouard Manet · 1863 (expuesta en el Salón de 1865)

Estilo: Realismo; precursor del Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 130,5 × 191 cm
Dónde está: Museo de Orsay, París

Análisis formal: desnudo tendido sobre sábanas blancas, con una criada negra que trae un ramo de flores y un gato negro a los pies. Luz plana y frontal que aplana el cuerpo, contorno marcado, fondo oscuro casi sin profundidad y fuerte contraste de blancos y negros.
Tema e iconografía: reinterpreta la Venus de Urbino de Tiziano y La maja desnuda de Goya, y el tema de la odalisca con su esclava. Pero la diosa es ahora una prostituta parisina, con lazo al cuello, pulsera y chinela, que mira al espectador con frialdad.
Contexto: se expuso en el Salón de 1865 y escandalizó más que el Almuerzo: profanaba el desnudo idealizado, base de la Academia. Zola la defendió y en 1890 Monet abrió una suscripción para regalarla al Estado. Cataluña (2026 extraordinaria) la comparó con la Venus de Cnido y la Venus de Urbino para hablar de la mirada masculina sobre el desnudo.
Para reconocerla: mujer desnuda tumbada que te mira, criada negra con flores y gato negro.

Ha salido en el examen de Cataluña (2026).

Ficha oficial de la obra

La ejecución del emperador Maximiliano

Édouard Manet · 1868–1869 (versión definitiva; la serie, 1867–1869)

Estilo: Realismo; precursor del Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 252 × 305 cm (la mayor de sus versiones)
Dónde está: Kunsthalle de Mannheim (Alemania)

Tema: el fusilamiento de Maximiliano de Austria, emperador de México sostenido por Napoleón III, y de sus generales Miramón y Mejía en Querétaro, el 19 de junio de 1867. Manet pintó varias versiones (1867–1869); la definitiva está en Mannheim.
Análisis formal: cita El 3 de mayo de Goya: víctimas a la izquierda, pelotón a la derecha y, detrás, un muro desde el que miran unos curiosos. Pero el tono es frío: el humo de los fusiles tapa el disparo, los verdugos no muestran el rostro y un soldado carga su arma con indiferencia. El muro gris cierra el fondo como un escenario.
Significado: es una crítica velada a Napoleón III, que había abandonado a Maximiliano. Cataluña (2025 ordinaria) la comparó con Goya (Tema 18) y con Masacre en Corea de Picasso: víctimas a un lado y verdugos al otro, protagonismo de los fusiles.
Para reconocerla: pelotón de perfil a la derecha entre humo blanco, tres condenados a la izquierda y cabezas asomadas a una tapia.

Ha salido en el examen de Cataluña (2025).

Un bar del Folies-Bergère

Édouard Manet · 1882

Estilo: Realismo; precursor del Impresionismo (última etapa de Manet)
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dónde está: Courtauld Gallery, Londres

Análisis formal: una camarera, Suzon, de pie tras la barra, frontal y centrada, entre botellas, flores y una frutera que forman un bodegón brillante. Detrás, un gran espejo refleja la sala, las lámparas, el público del palco y, a la derecha, a la propia camarera hablando con un cliente con sombrero de copa.
El juego del espejo: el reflejo no coincide con la escena real: Manet altera la perspectiva a propósito y crea una imagen desconcertante del local. Pincelada suelta en el fondo, precisa en el bodegón.
Contexto y significado: es su última gran obra, presentada en el Salón de 1882, un año antes de morir. El Folies-Bergère era un café-concierto de moda. La expresión ausente de Suzon y su lugar entre las mercancías se han leído como la cosificación de la mujer y la soledad en medio de la multitud (así lo explican los criterios de Asturias, 2026 extraordinaria).
Para reconocerla: camarera rubia de frente, botellas en la barra y un espejo lleno de gente detrás.

Ha salido en el examen de Asturias (2026).

Ficha oficial de la obra

3El Impresionismo: Monet, Renoir y Degas

El nombre nació como una burla: en 1874 el crítico Louis Leroy tituló su artículo «La exposición de los impresionistas» a partir de Impresión, sol naciente. Lo que une al grupo (Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Morisot y más tarde Cassatt) es pintar lo que el ojo percibe en un instante: la luz que cambia, el aire, el movimiento de la ciudad.

Pintura al aire libre (plein air): se pinta ante el motivo y deprisa, antes de que cambie la luz.
La luz es el tema: importan los efectos de luz y atmósfera más que los objetos. De ahí las series: el mismo motivo a distintas horas.
Pincelada suelta y rápida, en toques o «comas» que se ven de cerca y se funden de lejos: el cuadro parece un boceto.
Colores puros y claros, que a menudo no se mezclan en la paleta: la fusión se produce en la retina del espectador (así lo dicen los criterios de Asturias).
Sombras coloreadas (azules y violetas) y desaparición del negro; el dibujo y los contornos se disuelven.
Temas modernos: paisajes, ríos, estaciones, bulevares, bailes y cafés, la vida y el ocio de la burguesía; nada de historia ni de mitología.
Encuadres tomados de la fotografía y de la estampa japonesa: figuras cortadas, vistas desde arriba, composiciones descentradas.

Impresión, sol naciente

Claude Monet · 1872

Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 50 × 65 cm
Dónde está: Museo Marmottan Monet, París

Análisis formal: vista del puerto de Le Havre al amanecer, pintada desde la ventana de un hotel. Grúas, chimeneas y mástiles se disuelven en la bruma azul y gris; destaca el disco naranja del sol y su reflejo en el agua, hecho con toques horizontales. Las barcas oscuras del primer plano dan profundidad. Pincelada rapidísima, sin dibujo ni detalles.
Tema: no es una vista descriptiva de Le Havre, sino una impresión: el efecto fugaz de la luz y la niebla en un momento concreto. Monet la pintó en unas pocas horas.
Contexto: la presentó en la primera exposición del grupo (1874), en el antiguo estudio del fotógrafo Nadar. El crítico Louis Leroy se burló del título en su artículo «La exposición de los impresionistas»: la obra dio nombre al movimiento.
Para reconocerla: puerto azul neblinoso, sol naranja y barcas oscuras. Está en el Marmottan, no en el Orsay. Es la obra del tema que más sale: Aragón, Castilla-La Mancha, Extremadura, Galicia, La Rioja, País Vasco…

En la lista oficial de obras de Cantabria, Castilla y León, Cataluña, Galicia y País Vasco y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Aragón (2025, 2026), Castilla-La Mancha (2024, 2026), Extremadura (2025, 2026), Galicia (2025), La Rioja (2025), Murcia (2024) y País Vasco (2026).

Ficha oficial de la obra

La catedral de Ruan (serie)

Claude Monet · 1892–1894 (serie); versión del Orsay *Pleno sol*, 1893

Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo (versión Pleno sol. Armonía azul y oro: 107 × 73,5 cm)
Dónde está: Varias versiones: cinco en el Museo de Orsay (París), otra en el Museo Marmottan Monet y otras en museos de todo el mundo

Análisis formal: la portada gótica de la catedral, vista de cerca, llena el cuadro; casi no hay cielo ni plaza. La piedra se convierte en una superficie vibrante de empastes gruesos que imitan la textura del muro. En la versión Pleno sol dominan el azul y el oro; en otras, los grises, los rosas o los pardos.
Tema: el verdadero tema es la luz. Monet pintó la misma fachada a distintas horas y con distinto tiempo (mañana, pleno sol, tiempo gris, atardecer), desde tres puntos de la plaza (dos pisos y una tienda) frente a la catedral, entre febrero y abril de 1892 y de 1893, y retocó los lienzos en su taller.
Contexto: la serie se expuso en la galería Durand-Ruel en 1895 y la crítica celebró su audacia. La forma casi desaparece: es un paso hacia la abstracción.
Para reconocerla: portada gótica que ocupa todo el lienzo, sin perfiles nítidos, como hecha de luz coloreada. Galicia la pone en su lista y la ha sacado en 2025 y 2026; Madrid y Navarra también la piden.

En la lista oficial de obras de Galicia y Navarra y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Galicia (2025, 2026).

Ficha oficial de la obra

Baile en el Moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir · 1876

Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 131,5 × 176,5 cm
Dónde está: Museo de Orsay, París

Análisis formal: una multitud baila y charla en el jardín del Moulin de la Galette, un local popular de Montmartre. La luz se filtra entre los árboles y cae en manchas sobre ropas y caras; se mezcla con la de los faroles. Composición organizada por una diagonal: el grupo sentado del primer plano y las parejas que bailan detrás. Colores vivos con predominio de azules y rosas; contornos disueltos.
Tema: la alegría del domingo parisino: jóvenes, artistas y amigos del pintor que posaron para él. Es una escena de vida moderna y de ocio, sin anécdota ni drama.
Contexto: se expuso en la exposición impresionista de 1877. La crítica censuró sus formas borrosas. Perteneció al pintor Caillebotte, que la legó al Estado (entró en las colecciones en 1896). Es una obra maestra del primer Impresionismo.
Para reconocerla: muchedumbre feliz bajo los árboles con luz moteada. Castilla-La Mancha la comparó (modelo 2027) con La persistencia de la memoria de Dalí (Tema 23).

En la lista oficial de obras de Cantabria y Castilla y León y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Asturias (2025) y Castilla-La Mancha (2027).

Ficha oficial de la obra

La clase de baile

Edgar Degas · 1873–1876

Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 85,5 × 75 cm
Dónde está: Museo de Orsay, París

Final de una clase en la antigua Ópera de la calle Le Peletier: el maestro Jules Perrot, apoyado en su bastón, marca el ritmo mientras las bailarinas, cansadas, se estiran o se arreglan. Vista desde arriba, en diagonal, con el suelo como protagonista y figuras cortadas, como en una fotografía. Degas pinta en el taller, con dibujo firme.

La nombra el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

Monet

El paisaje y la luz

Pinta al aire libre, ante el motivo.
Paisajes, agua, niebla, fachadas: la luz cambiante.
Color puro en toques sueltos; las formas se disuelven.
Series del mismo motivo (Ruan, Nenúfares).

Degas

La figura y el movimiento

Pinta en el taller, a partir de apuntes.
Bailarinas, carreras de caballos, planchadoras: la figura humana.
Dibujo firme heredado de Ingres; maestro del pastel.
Encuadres fotográficos y japoneses: figuras cortadas, vistas desde arriba.

Por qué los impresionistas pintan series

Cantabria lo pregunta casi así. Porque el verdadero tema es la luz, que cambia con la hora, el tiempo y la estación: pintar el mismo motivo muchas veces demuestra que lo que vemos nunca es igual. Monet lo hace con la estación de Saint-Lazare, los almiares, los álamos, la catedral de Ruan y los nenúfares de su jardín de Giverny (Museo de la Orangerie, París).

4Las impresionistas: Berthe Morisot y Mary Cassatt

Las mujeres no podían estudiar en la Escuela de Bellas Artes ni dibujar desnudos del natural, y no era bien visto que salieran solas a pintar cafés o cabarés. Aun así, dos pintoras fueron miembros de pleno derecho del grupo: la francesa Berthe Morisot y la estadounidense Mary Cassatt. Pintan lo que conocen, la vida doméstica, las mujeres y los niños, con una mirada propia.

Morisot (1841–1895) expuso en casi todas las muestras del grupo, desde la primera (1874), en la que fue la primera mujer en exponer con ellos. Se casó con Eugène Manet, hermano del pintor.
Su pincelada es de las más sueltas del grupo: trazos largos y rápidos, blancos luminosos, escenas de su familia y de mujeres en interiores y jardines.
Cassatt (1844–1926) se instaló en París en 1874, se unió a los impresionistas en 1877 y fue la única estadounidense que expuso con ellos. Ayudó a que los coleccionistas de su país los compraran.
Su gran tema es la maternidad; en los años noventa adopta los planos y estampados de la estampa japonesa y hace grabados en color.
Hoy son clave en la perspectiva de género: Madrid las nombra en su currículo y Cataluña, La Rioja, Navarra y País Vasco las han sacado en 2024–2026.

La cuna

Berthe Morisot · 1872

Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 56 × 46,5 cm
Dónde está: Museo de Orsay, París

Análisis formal: formato vertical e íntimo. La madre, sentada, contempla al bebé dormido. Una diagonal une su mirada, su brazo doblado (que repite el del niño) y la cara del bebé; la cortina del fondo la prolonga. El velo transparente de la cuna está hecho con toques blancos y rosados muy ligeros.
Tema: su hermana Edma vela el sueño de su hija Blanche. Es la primera maternidad de Morisot, un tema que repetirá mucho. El gesto de correr el velo entre el espectador y la niña expresa intimidad y amor protector.
Contexto: la presentó en la primera exposición impresionista (1874), donde fue la primera mujer que expuso con el grupo. No se vendió y quedó en la familia hasta que la compró el Louvre en 1930.
Para reconocerla: madre vestida de oscuro junto a una cuna con tul blanco. La piden Madrid, Navarra y País Vasco, que la ha sacado en 2024, 2025 y 2026.

En la lista oficial de obras de Navarra y País Vasco y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Navarra (2025) y País Vasco (2025, 2026).

Ficha oficial de la obra

Un día de verano

Berthe Morisot · c. 1879

Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 45,7 × 75,2 cm
Dónde está: National Gallery, Londres (legado Lane, compartido con la Hugh Lane Gallery de Dublín, donde está en depósito en 2026–2031)

Análisis formal: dos jóvenes elegantes en una barca sobre un lago tranquilo, vistas de cerca, con la orilla de árboles empujada al borde superior. Pincelada rapidísima, en trazos sueltos y cruzados que deshacen el agua, los vestidos y la vegetación; un coche de caballos diminuto en la otra orilla sugiere un instante captado al vuelo. Colores claros, blancos y azules.
Tema y contexto: es casi seguro el cuadro que expuso como El lago del Bois de Boulogne en la quinta exposición impresionista (1880). El Bois de Boulogne, transformado en tiempos de Napoleón III en un bosque «natural» para los parisinos, era lugar de paseo de la burguesía: ocio moderno en una naturaleza domesticada. Las dos mujeres quizá eran modelos profesionales.
En los exámenes: la identificación es nuestra. La Rioja (2025 y 2026) pone una obra firmada por Morisot con dos mujeres en una barca, y Cataluña (2026 ordinaria) la usó para reconocer el Impresionismo y explicar uno de sus rasgos.
Para reconocerla: dos mujeres en una barca y agua hecha con trazos sueltos.

Ha salido en el examen de Cataluña (2026) y La Rioja (2025, 2026).

Ficha oficial de la obra

Delante del espejo

Berthe Morisot · 1876 (*El espejo psiqué*; el Decreto de Madrid no precisa la versión)

Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 65 × 54 cm (El espejo psiqué)
Dónde está: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid (versión de referencia)

El Decreto de Madrid no dice qué cuadro es, y Morisot pintó varias mujeres ante el espejo. El de referencia en España es El espejo psiqué del Thyssen: una joven en camisón blanco se lo ciñe con las manos ante un espejo de cuerpo entero; la luz de dos ventanas crea una rica gama de blancos. Se expuso en la tercera exposición impresionista (1877).

La nombra el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

El baño del niño

Mary Cassatt · 1893

Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 101,3 × 67,3 cm
Dónde está: Art Institute of Chicago

Análisis formal: una mujer sostiene en su regazo a una niña y le lava los pies en una palangana. Punto de vista alto, casi desde arriba, que aplana el espacio: la alfombra parece levantarse sobre el lienzo. Hay estampados por todas partes (vestido a rayas, alfombra, papel pintado). Dibujo firme y colores claros.
Tema: el asunto preferido de Cassatt, la maternidad y el cuidado de los niños, sin sentimentalismo: un gesto cotidiano y concentrado en el que las dos miran el agua.
Contexto: refleja su intensa relación con la estética japonesa en los años noventa: planos, motivos decorativos, encuadre alto. Se expuso mucho desde 1893 y fue la primera obra de Cassatt que compró el Art Institute (1910).
Para reconocerla: mujer y niña vistas desde arriba, palangana blanca y estampados. Navarra la tiene en su lista como The Child’s Bath y la sacó en 2025; Madrid pide una «Maternidad» de Cassatt sin precisar: esta es la más conocida.

En la lista oficial de obras de Navarra y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Navarra (2025).

Ficha oficial de la obra

Sin imagen libre de derechos.

Niño jugando con gato

Mary Cassatt · Sin precisar (la lista de Murcia no dice qué cuadro es)

Estilo: Impresionismo
Técnica: Sin precisar (Cassatt trabajó al óleo y al pastel)
Dónde está: Sin precisar

Murcia la incluye en su tema 7 sin decir qué obra es y no la hemos podido identificar con seguridad. Si te sale, reconoce a Cassatt por el mundo infantil y doméstico, el dibujo firme, los colores claros y los encuadres cercanos; clasifícala como Impresionismo (finales del s. XIX-principios del XX) y relaciónala con El baño del niño.

En la lista oficial de obras de Murcia.

Cuál es cuál

Morisot: escenas de su familia y de mujeres burguesas, pincelada muy deshecha, tonos claros y blancos. Cassatt: dibujo más firme, figuras sólidas, puntos de vista altos y planos de color de influencia japonesa. Si Madrid te pide a Morisot en la pregunta 3, cuenta su época, estos rasgos y tres obras.

5El Postimpresionismo (I): Seurat y Cézanne

Hacia 1886, el año de la última exposición impresionista, varios pintores que habían pasado por el Impresionismo lo encuentran insuficiente: demasiado espontáneo, sin solidez ni contenido. No forman un grupo ni comparten un estilo; por eso los llamamos postimpresionistas (el término lo acuñó el crítico inglés Roger Fry en 1910). Unos buscan orden y estructura (Seurat, Cézanne); otros, expresión y símbolo (Van Gogh, Gauguin).

Seurat convierte la pincelada en método: pequeños puntos de color puro, colocados según la teoría de los complementarios, que se mezclan en el ojo (mezcla óptica). Es el puntillismo o divisionismo; con Signac forma el Neoimpresionismo.
Sus figuras son rígidas y geométricas: quería pintar la vida moderna con la quietud de un friso griego.
Cézanne quiso hacer del Impresionismo «algo sólido y duradero, como el arte de los museos»: construye la forma con el color, por planos y pinceladas paralelas.
Reduce la naturaleza a volúmenes simples: «tratar la naturaleza por el cilindro, la esfera y el cono» (carta a Émile Bernard, 1904).
Rompe la perspectiva única: en sus bodegones la mesa se inclina y cada objeto se ve desde un punto distinto. Por eso es el gran precursor del Cubismo (Tema 22).
Sus temas: la montaña Sainte-Victoire, bodegones de manzanas, jugadores de cartas y bañistas.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

Georges Seurat · 1884–1886 (borde pintado en 1888–1889)

Estilo: Neoimpresionismo (puntillismo)
Técnica: Óleo sobre lienzo, 207,5 × 308,1 cm
Dónde está: Art Institute of Chicago

Análisis formal: paseantes en una isla del Sena, a las afueras de París. Todo está hecho con pequeños toques y puntos de colores complementarios que, de lejos, se funden en formas luminosas (mezcla óptica). Figuras rígidas e inmóviles, de perfil o de frente, como recortadas; composición muy calculada de horizontales, verticales y sombras alargadas.
Tema: gente de todas las edades y clases sociales en su día libre: una pareja elegante con un mono atado, soldados, niñas, remeros. La quietud contrasta con lo que debería ser un domingo animado.
Contexto: Seurat trabajó dos años, con decenas de bocetos, y la presentó en la octava y última exposición impresionista (1886): fue el manifiesto del Neoimpresionismo. Quería pintar la vida moderna con la solemnidad de un friso griego. Después le añadió un borde de puntos azules, naranjas y rojos.
Para reconocerla: lienzo enorme de puntitos, con sombrillas y figuras quietas junto al río. La tienen Galicia y Madrid.

En la lista oficial de obras de Galicia y en el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

Los jugadores de cartas

Paul Cézanne · 1890–1896 (serie de cinco lienzos); versión del Orsay, 1893–1896

Estilo: Postimpresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo (versión del Orsay: 47 × 56,5 cm)
Dónde está: Varias versiones; de dos jugadores, la del Museo de Orsay (París) y otra en la Courtauld (Londres)

Análisis formal: dos campesinos juegan a las cartas frente a frente, en silencio y concentrados. Una botella iluminada de lado marca el eje central y divide el cuadro en dos mitades casi simétricas. Las figuras son masas sólidas, casi geométricas; el color, aplicado en pinceladas paralelas, construye los volúmenes.
Tema: un asunto de pintura de género (Cézanne pudo ver en el museo de Aix unos Jugadores de cartas atribuidos a los hermanos Le Nain), pero sin anécdota: solo gravedad y quietud. Los modelos eran campesinos de la finca familiar del Jas de Bouffan; el que fuma en pipa sería el jardinero, «père Alexandre».
Contexto: Cézanne pintó cinco lienzos del tema en los años noventa, cada vez con menos figuras; el del Orsay es de los más depurados y monumentales. Así da al Impresionismo la solidez que le faltaba.
Para reconocerla: dos hombres con sombrero frente a frente y una botella en medio; ocres, azules y tierras. Asturias y Cantabria la sacaron en 2024 (los criterios de Asturias la fechan en 1890–1892, la fecha de la serie); la piden Cantabria, Castilla y León, Galicia y Madrid.

En la lista oficial de obras de Cantabria, Castilla y León y Galicia y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Cantabria (2024).

Ficha oficial de la obra

Manzanas y naranjas

Paul Cézanne · c. 1899

Estilo: Postimpresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 74 × 93 cm
Dónde está: Museo de Orsay, París

Análisis formal: manzanas y naranjas sobre una mesa cubierta por un mantel blanco de pliegues duros, con un frutero, un plato de loza y una jarra de flores; al fondo, un tapiz cierra el espacio. La mesa se inclina hacia nosotros y cada objeto parece visto desde un punto distinto: varias perspectivas a la vez. El color (rojos, amarillos y naranjas sobre blancos y azules) modela los volúmenes.
Tema y contexto: es una de las seis naturalezas muertas que pintó en su taller de París en 1899 con los mismos objetos y telas; el Orsay la considera su bodegón más importante de finales de los años noventa. El bodegón es su laboratorio de la forma.
En los exámenes: Navarra (2025 extraordinaria) la comparó con un bodegón de Clara Peeters de 1611 (Prado): frente al detalle ilusionista barroco, Cézanne construye con el color y renuncia a la perspectiva única.
Para reconocerla: mantel blanco que cae en pliegues, montón de frutas redondas y jarra de flores. La tienen Madrid, Murcia y Navarra.

En la lista oficial de obras de Murcia y Navarra y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Navarra (2025).

Ficha oficial de la obra

Naturaleza muerta con frutero

Paul Cézanne · 1879–1880

Estilo: Postimpresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 46,4 × 54,6 cm
Dónde está: Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York

Frutero, copa y manzanas sobre una mesa: espacio poco profundo y objetos compactos, modelados con pinceladas paralelas. Fue de Gauguin, que la llamaba «la niña de mis ojos» y solo la vendió cuando necesitó dinero. Galicia pide una «Naturaleza muerta» de Cézanne sin decir cuál; su imagen orientativa parece esta.

En la lista oficial de obras de Galicia.

Ficha oficial de la obra

Las grandes bañistas

Paul Cézanne · 1900–1906

Estilo: Postimpresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 210,5 × 250,8 cm
Dónde está: Museo de Arte de Filadelfia (EE. UU.)

Análisis formal: desnudos femeninos en un paisaje, en dos grupos a los lados, unidos por árboles inclinados que forman un gran triángulo, como el arco de una nave; al fondo, el río y la otra orilla. Cuerpos simplificados, casi geométricos, sin detalle ni rostro definido; azules, ocres y verdes; zonas sin terminar.
Tema: el desnudo en el paisaje, tema clásico (ninfas, Arcadia) que Cézanne estudió toda la vida. Es el mayor y el último de sus bañistas, inacabado a su muerte: una visión serena e intemporal, «como el arte de los museos».
Contexto e influencia: su construcción geométrica y su desnudo nada idealizado inspiraron a los jóvenes pintores; por eso Canarias lo empareja con Las señoritas de Avignon de Picasso (1907, Tema 22). La pareja 7 ha salido en el modelo 2025, en 2025 extraordinaria, en el modelo 2026 y en 2026 ordinaria.
Para reconocerla: gran lienzo azulado con bañistas bajo árboles que se cierran en triángulo. Fecha: el museo da 1900–1906; algunos manuales, 1898–1905.

En la lista oficial de obras de Canarias. Ha salido en el examen de Canarias (2025, 2026).

Ficha oficial de la obra

Precursores del s. XX (Cantabria)

Cantabria pide las aportaciones de Cézanne y Van Gogh como precursores. Resúmelo así: Cézanne → geometría, planos y varios puntos de vista → Cubismo. Van Gogh → color y pincelada expresivos → Expresionismo y Fauvismo. Gauguin → color plano y simbólico → Fauvismo. Seurat → el color como sistema → la abstracción geométrica.

6El Postimpresionismo (II): Van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec

Para Van Gogh y Gauguin el color ya no tiene que ser el de la naturaleza: sirve para expresar emociones o ideas. Son el origen del Expresionismo y del Fauvismo (Tema 22). Toulouse-Lautrec, en cambio, retrata con dibujo incisivo la noche de Montmartre.

Van Gogh (1853–1890) pintó apenas diez años. En París (1886–1888) descubre el Impresionismo y la estampa japonesa; en Arlés (1888–1889) encuentra el color del sur; tras su crisis pinta en el sanatorio de Saint-Rémy (1889–1890) y muere en Auvers-sur-Oise.
Su pincelada es gruesa (empastes) y rítmica, ondulada o en remolino; usa complementarios intensos (azul y naranja, amarillo y violeta) con valor emocional.
Gauguin (1848–1903) huye de la civilización: primero a Pont-Aven (Bretaña), luego a Tahití (1891) y a las islas Marquesas, donde muere. Busca un arte primitivo y espiritual.
Su estilo, el sintetismo: colores planos y arbitrarios, contornos marcados (como las vidrieras), sin perspectiva ni modelado. Pinta ideas, no lo que ve.
Toulouse-Lautrec (1864–1901) pinta cabarés, cafés-concierto y burdeles con línea nerviosa y colores ácidos; sus carteles litográficos renuevan la publicidad (Tema 27).
En España puedes ver a varios de ellos en el Museo Thyssen-Bornemisza: Les Vessenots en Auvers de Van Gogh o Mata Mua de Gauguin.

La noche estrellada

Vincent van Gogh · 1889 (junio)

Estilo: Postimpresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 73,7 × 92,1 cm
Dónde está: Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York

Análisis formal: un cielo nocturno en movimiento ocupa casi todo el cuadro: remolinos, estrellas con halos, Venus y una luna creciente, en pinceladas gruesas y curvas. A la izquierda, un ciprés oscuro sube como una llama y une la tierra con el cielo; abajo, un pueblo tranquilo con su campanario, de líneas rectas. Dominan los azules frente a los amarillos.
Tema: la vista desde la ventana del sanatorio de Saint-Rémy, donde se internó en 1889–1890, pero transformada: el pueblo no se veía desde allí y el ciprés aparece mucho más cerca de lo que estaba. La pintó de día, uniendo observación e imaginación.
Significado: no copia la noche, le da un lenguaje emocional. El ciprés y el cielo agitado se leen como angustia. Los criterios de Asturias hablan de un «sentido marcadamente expresivista, anticipo del expresionismo».
Para reconocerla: cielo en espiral, ciprés negro como una llama, pueblo dormido. Ha salido en Aragón, Asturias, Baleares, Castilla y León, Extremadura, La Rioja, Murcia y País Vasco.

En la lista oficial de obras de Baleares, Cantabria, Castilla y León, Galicia, Murcia, Navarra y País Vasco y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Aragón (2025), Asturias (2026), Baleares (2025), Castilla y León (2024), Comunidad Valenciana (2024), Extremadura (2025), La Rioja (2026), Murcia (2024, 2026) y País Vasco (2025, 2026).

Ficha oficial de la obra

Autorretrato (1889)

Vincent van Gogh · 1889 (Saint-Rémy)

Estilo: Postimpresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 65 × 54,2 cm
Dónde está: Museo de Orsay, París

Análisis formal: busto de tres cuartos, con chaqueta en lugar de su blusa de trabajo, para que toda la atención vaya a la cara: rasgos duros y demacrados, ojos fijos e inquietos. El fondo azul verdoso se llena de arabescos ondulantes, que se repiten en el pelo y la barba. El naranja de la barba y el pelo es el complementario del azul dominante.
Tema: Van Gogh se retrató más de cuarenta veces en diez años, como Rembrandt o Goya, mirándose en un espejo; buscaba un parecido «más profundo que el del fotógrafo». Es una introspección en plena crisis.
En los exámenes: Canarias lo empareja (pareja 8) con el autorretrato caricaturesco de Gauguin, del mismo año; su acta aclara que es el del Orsay, con fondo azul. País Vasco lo puso sin título en el modelo 2025, y Cataluña (2025 ordinaria) usó un autorretrato de Van Gogh como ejemplo de óleo.
Para reconocerla: cara de tres cuartos, barba naranja y fondo azul en remolinos.

En la lista oficial de obras de Canarias y País Vasco. Ha salido en el examen de Cataluña (2025) y País Vasco (2025).

Ficha oficial de la obra

El segador

Vincent van Gogh · 1889 (septiembre)

Estilo: Postimpresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 73,2 × 92,7 cm
Dónde está: Museo Van Gogh, Ámsterdam

También llamado Campo de trigo con segador: un campo amarillo cercado por un muro, visto desde su habitación del sanatorio de Saint-Rémy, con un segador pequeño. Van Gogh escribió que el segador era la imagen de la muerte y la humanidad, el trigo segado, pero una muerte «casi sonriente», bañada de luz. Madrid lo tiene en su lista.

La nombra el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

La visión después del sermón

Paul Gauguin · 1888

Estilo: Postimpresionismo (sintetismo, escuela de Pont-Aven)
Técnica: Óleo sobre lienzo, 72,2 × 91 cm
Dónde está: Galería Nacional de Escocia (National Galleries of Scotland), Edimburgo

Análisis formal: en primer plano, campesinas bretonas con cofias blancas, de espaldas y de perfil; arriba, a la derecha, Jacob lucha con el ángel. El tronco de un árbol cruza en diagonal y separa la realidad de la visión. Fondo rojo plano, sin perspectiva ni sombras; formas simplificadas con contornos marcados.
Tema: tras el sermón, las mujeres «ven» el episodio del Génesis que acaban de oír. Gauguin escribió a Van Gogh que el paisaje y la lucha solo existen en la imaginación de las que rezan: el rojo no es real, es simbólico.
Contexto: la pintó en Pont-Aven (Bretaña) en el verano de 1888, cuando se alejaba del Impresionismo hacia un estilo más simple y expresivo: es el manifiesto del sintetismo. La ofreció dos veces a iglesias de la zona, que no la aceptaron.
Para reconocerla: cofias blancas sobre fondo rojo y dos figuras que luchan. Ha salido en Aragón (2026 ordinaria) y en Andalucía (2025, examen suplente).

En la lista oficial de obras de Castilla y León y Galicia y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Andalucía (2025), Aragón (2026) y Comunidad Valenciana (2024).

Ficha oficial de la obra

Autorretrato con halo y serpiente

Paul Gauguin · 1889

Estilo: Postimpresionismo (sintetismo)
Técnica: Óleo sobre tabla, 79,2 × 51,3 cm
Dónde está: National Gallery of Art, Washington

Canarias lo llama autorretrato caricaturesco y lo empareja con el de Van Gogh (1889). Pintado sobre la puerta de un armario de la posada de Le Pouldu (Bretaña): su cabeza con halo y una mano con una serpiente entre los dedos flotan sobre zonas planas amarillas y rojas. Entre santo y diablo, Gauguin se presenta con ironía como el héroe de su nuevo arte.

En la lista oficial de obras de Canarias.

Ficha oficial de la obra

Ta matete (El mercado)

Paul Gauguin · 1892

Estilo: Postimpresionismo (etapa de Tahití)
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dónde está: Kunstmuseum Basel (Basilea, Suiza)

De su primera estancia en Tahití: mujeres tahitianas sentadas en un banco forman un friso, de perfil y con gestos rígidos que recuerdan la pintura egipcia. Colores planos y vivos, sin sombras ni perspectiva; el título está en tahitiano. Gauguin busca un mundo primitivo lejos de Europa. Madrid lo tiene en su lista.

La nombra el currículo de Madrid.

En el salón de la rue des Moulins

Henri de Toulouse-Lautrec · 1894

Estilo: Postimpresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo, 111 × 132 cm
Dónde está: Museo Toulouse-Lautrec, Albi (Francia)

Síntesis de su serie sobre la prostitución, compuesta como un gran cuadro de historia: mujeres sentadas en un diván rojo esperan, pasivas, sin mirarse; otra, de pie, se ve de espaldas. Lautrec individualiza las caras como retratos. Rosas, malvas y verdes apagados crean un ambiente pesado de aburrimiento. Madrid lo tiene en su lista.

La nombra el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

Cézanne

La forma

Construye volúmenes con el color, por planos.
Varios puntos de vista a la vez.
Bodegones, Sainte-Victoire, bañistas.
→ Cubismo.

Van Gogh

La emoción

Pincelada gruesa y rítmica, en remolino.
Complementarios intensos con valor emocional.
Autorretratos, campos, noches, girasoles.
→ Expresionismo y Fauvismo.

Gauguin

El símbolo

Colores planos y arbitrarios, contornos marcados.
Sin perspectiva ni modelado.
Bretaña, Tahití, lo primitivo y lo sagrado.
→ Fauvismo y Simbolismo.

7El Simbolismo: de Rossetti a Klimt y Néstor

Frente al Realismo y al Impresionismo, que pintan lo que se ve, el Simbolismo (finales del s. XIX-principios del XX) quiere expresar lo invisible: los sueños, el misterio, el amor y la muerte, lo espiritual. Usa símbolos, temas literarios y mitológicos y una belleza refinada, a menudo decadente. Murcia lo tiene en su vocabulario y Madrid pone en su lista La Ghirlandata de Rossetti.

Antecedente: la Hermandad Prerrafaelita inglesa (1848: Rossetti, Millais, Hunt), que mira a la pintura anterior a Rafael: color brillante, detalle minucioso, temas medievales y literarios, mujeres de belleza ideal.
En Francia, Gustave Moreau (La aparición, 1876) pinta mitos y escenas bíblicas cargadas de joyas y misterio; también Puvis de Chavannes y Odilon Redon.
En Viena, Gustav Klimt (1862–1918) preside la Secesión (1897), que rompe con el arte oficial: figuras sensuales, oro y ornamento geométrico, cerca del Art Nouveau.
En Canarias, Néstor Martín-Fernández de la Torre (Las Palmas de Gran Canaria, 1887–1938) une prerrafaelitas, Whistler, Moreau y Klimt con la naturaleza canaria en sus grandes series, los Poemas.
Gauguin y Van Gogh comparten con el Simbolismo la idea de que el color y la forma expresan ideas y sentimientos.

La Ghirlandata

Dante Gabriel Rossetti · 1873

Estilo: Prerrafaelismo; Simbolismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dónde está: Guildhall Art Gallery, Londres

Una mujer de larga melena toca un arpa entre flores, con dos ángeles asomados detrás: es una de las mujeres músicas que Rossetti pintó entre 1871 y 1874. Las flores tienen sentido simbólico (madreselva y rosas, la atracción amorosa) y la música es metáfora del amor. Madrid la pone como ejemplo de Simbolismo.

La nombra el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

El beso

Gustav Klimt · 1908, terminado en 1909 (empezado probablemente en 1907)

Estilo: Simbolismo; Secesión vienesa (período dorado)
Técnica: Óleo, pan de oro, plata y platino sobre lienzo, 180 × 180 cm
Dónde está: Belvedere, Viena

Análisis formal: formato cuadrado. Una pareja abrazada, fundida en una sola forma, al borde de un prado de flores, sobre un fondo dorado. Solo los motivos de los vestidos los distinguen: rectángulos negros y blancos para él, círculos y flores de colores para ella. Rostros y manos naturalistas frente a ropas planas y ornamentales; usa pan de oro, plata y platino auténticos.
Tema: el amor como unión total. La pareja, envuelta en un halo dorado, parece un icono; el oro recuerda los mosaicos bizantinos de Rávena (Tema 5).
Contexto: cumbre del período dorado de Klimt. Lo expuso como Pareja de enamorados en la Kunstschau de Viena (1908) y el Estado lo compró enseguida para la Galería Moderna, hoy Belvedere; el título El beso aparece en 1909.
Para reconocerla: pareja dorada abrazada sobre un prado de flores. No lo confundas con El beso de Rodin.

Ficha oficial de la obra

Poema de la Tierra (serie)

Néstor Martín-Fernández de la Torre · 1928/1930–1938, inacabada (bocetos desde 1928 según la DB~e; el Reina Sofía fecha los lienzos en 1934–1938)

Estilo: Simbolismo (modernismo simbolista canario)
Técnica: Serie de ocho óleos: Orto, Mediodía, Véspero y Noche; Primavera, Verano, Otoño e Invierno (tres sin terminar)
Dónde está: Museo Néstor (Fundación Museo Néstor), Las Palmas de Gran Canaria

Parte de su gran proyecto inacabado, el Poema de los Elementos, tras el Poema del Atlántico (1913–1923). Parejas de cuerpos andróginos, musculosos y en posturas acrobáticas, entre la flora canaria (cardones, drago): erotismo, simbolismo masónico y exaltación de lo canario. Murió en 1938 sin terminarla. Canarias no precisa ninguna obra de la serie.

En la lista oficial de obras de Canarias.

Canarias: estudia a Néstor

La pareja 10 de Canarias es El Poema de la Tierra de Néstor con Retrato de Roma de Óscar Domínguez (Tema 23), y en el tema de mujeres artistas se exige una canaria. El acta de 2026 aclara que del Poema «no se especifica ninguna» obra: aprende la serie (ocho óleos: cuatro momentos del día y cuatro estaciones) y sus rasgos (cuerpos andróginos, flora canaria, erotismo, simbolismo).

8La escultura: Rodin y Camille Claudel

La escultura del s. XIX era sobre todo monumento público y academicismo. Auguste Rodin (1840–1917) la renueva: modela la emoción y el movimiento en superficies que atrapan la luz, deja partes sin acabar y trata figuras sueltas como obras completas. Camille Claudel (1864–1943), su alumna, colaboradora y amante, crea una obra propia de gran intensidad.

Rodin modela en barro o yeso; otros funden el bronce o tallan el mármol. Hace muchas versiones y ampliaciones de una misma figura.
Superficies irregulares, con huellas del modelado, que crean juegos de luz y sombra: por eso se le llama escultor impresionista (Cataluña admite «impresionista, simbolista» como estilo de El pensador).
El non finito: figuras que emergen de un bloque sin desbastar, como los Esclavos de Miguel Ángel, al que estudió en su viaje a Italia de 1875.
Su gran proyecto, La puerta del Infierno, encargado en 1880 para un futuro Museo de Artes Decorativas e inspirado en el Infierno de Dante, quedó inacabado; de él salen El pensador y El beso.
Camille Claudel trabajó en el taller de Rodin desde mediados de los años ochenta; desde 1893 se aleja de él y busca un camino propio. En 1913 fue internada en un psiquiátrico, donde murió en 1943: hoy es un símbolo de las artistas olvidadas.

El pensador

Auguste Rodin · 1880 (modelo para *La puerta del Infierno*); versión monumental, 1903–1904

Estilo: Escultura del s. XIX (Rodin: realismo expresivo, entre Impresionismo y Simbolismo)
Técnica: Bronce (fundición de 1904, Alexis Rudier), 189 × 98 × 140 cm
Dónde está: Museo Rodin, París (jardín)

Análisis formal: escultura exenta de bronce: un hombre desnudo, sentado en una roca, inclinado hacia delante, con la barbilla en la mano derecha y el codo derecho apoyado en la rodilla izquierda. Anatomía poderosa y exagerada (manos y pies enormes), músculos en tensión: «acción sin movimiento». La superficie rugosa atrapa la luz y potencia los volúmenes.
Iconografía: al principio se llamó El poeta: era Dante meditando sobre su obra en lo alto de La puerta del Infierno, el gran encargo de 1880 inspirado en la Divina comedia. Separado de la puerta, se convirtió en un símbolo universal del pensamiento.
Contexto: se expuso suelto en 1888 y en 1904 Rodin lo amplió a tamaño monumental. Ese bronce se instaló ante el Panteón de París en 1906 y hoy está en el jardín del Museo Rodin.
Para reconocerla: hombre desnudo sentado con la barbilla en la mano. Madrid la puso en la P4 de sus modelos 2026 y 2027; Cataluña (2026, reserva) pidió compararla con Los primeros fríos de Blay.

En la lista oficial de obras de Cataluña y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Cataluña (2026) y Madrid (2026).

Ficha oficial de la obra

El beso

Auguste Rodin · Modelo c. 1882; mármol tallado en 1888–1898

Estilo: Escultura del s. XIX (Rodin)
Técnica: Mármol, 181,5 × 112,5 × 117 cm
Dónde está: Museo Rodin, París

Análisis formal: grupo escultórico de mármol blanco: una pareja desnuda, sentada sobre una roca, se abraza a punto de besarse. Los cuerpos, pulidos y suaves, se entrelazan en un movimiento envolvente y contrastan con la roca sin desbastar (non finito) de la que parecen nacer. Admite muchos puntos de vista.
Iconografía: son Paolo y Francesca, amantes del Infierno de Dante: el marido de ella los mató al sorprenderlos en su primer beso. Rodin los hizo para La puerta del Infierno, pero los retiró en 1886 porque su felicidad sensual no encajaba allí; el público lo bautizó El beso.
Contexto: el Estado francés encargó el mármol en 1888 y Rodin tardó casi diez años; lo expuso en 1898 junto a su polémico Balzac y lo llamaba con ironía su «gran bibelot».
Para reconocerla: pareja desnuda abrazada en mármol blanco sobre una roca tosca. País Vasco la sacó en 2025 (extraordinaria). No la confundas con El beso de Klimt.

En la lista oficial de obras de País Vasco. Ha salido en el examen de País Vasco (2025).

Ficha oficial de la obra

Los burgueses de Calais

Auguste Rodin · 1884–1889 (instalado en Calais en 1895)

Estilo: Escultura del s. XIX (Rodin)
Técnica: Grupo escultórico en bronce de seis figuras
Dónde está: Plaza del Ayuntamiento de Calais (Francia); otro bronce en el Museo Rodin, París

Encargo de la ciudad de Calais (1884): seis burgueses que en 1347, en la guerra de los Cien Años, se entregaron al rey de Inglaterra para salvar la ciudad, descalzos y con la soga al cuello. Cada uno expresa una emoción, de la desesperación a la resignación. Rodin quería un pedestal muy alto o ponerlos a ras del suelo, «como una cadena viva de sufrimiento».

La nombra el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

Sakountala

Camille Claudel · 1886–1888 (yeso); mármol *Vertumno y Pomona*, 1905

Estilo: Escultura del s. XIX (Camille Claudel)
Técnica: Yeso; versiones en mármol y en bronce (El abandono, 1905)
Dónde está: Yeso: museo Bertrand de Châteauroux (Francia); mármol: Museo Rodin, París

Inspirada en un drama indio de Kalidasa: Sakuntala se reencuentra con su esposo tras una larga separación. Él, arrodillado, la abraza; ella se abandona sobre él. Grupo monumental; el yeso obtuvo una mención de honor en el Salón de 1888. Dialoga con El beso de Rodin, pero es más tierna y contenida.

La nombra el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

La edad madura

Camille Claudel · 1899 (yeso expuesto); bronce, c. 1902

Estilo: Escultura del s. XIX (Camille Claudel)
Técnica: Grupo de bronce en tres partes, 114 × 163 × 72 cm
Dónde está: Museo de Orsay, París

Un hombre maduro se aleja arrastrado por una vieja que lo envuelve (la vejez, el destino) mientras tiende la mano a una joven arrodillada, La implorante, que intenta retenerlo. Se lee como la ruptura de Claudel con Rodin. Diagonales y paños agitados dan movimiento. Galicia la pide en lugar de Rodin.

En la lista oficial de obras de Galicia.

Ficha oficial de la obra

Rodin

Energía y monumento

Grandes encargos públicos (Calais, Balzac, La puerta del Infierno).
Anatomías poderosas y superficies rugosas.
Non finito: la figura nace de la piedra.
Temas de Dante, la historia y el pensamiento.

Camille Claudel

Intimidad y drama

Grupos de escala más íntima.
Diagonales y paños agitados.
Temas de la pareja, la edad, el abandono.
Obra muy autobiográfica (La edad madura).

9España y Cataluña: Sorolla y el arte de fin de siglo

En España la renovación llega con matices. Más que un Impresionismo puro, hay pintores de la luz y del aire libre: Darío de Regoyos, el más cercano a impresionistas y puntillistas, y sobre todo Joaquín Sorolla, con su luminismo mediterráneo. En Barcelona, el Modernismo une pintura, escultura y artes gráficas: Casas, Rusiñol, Blay, Gual (la arquitectura modernista la ves en el Tema 21).

Sorolla (Valencia, 1863–Cercedilla, 1923) empieza con temas sociales (¡… y aún dicen que el pescado es caro!, 1894, primera medalla en la Nacional de 1895) y gana el Grand Prix de la Exposición Universal de París de 1900.
Su luminismo: pincelada amplia y rápida, blancos llenos de reflejos y sombras violetas, escenas de playa pintadas al aire libre en Valencia y Jávea.
En 1909 expone en la Hispanic Society de Nueva York con un éxito enorme (casi 160.000 visitantes); su fundador le encargará después una gran decoración sobre las regiones de España.
Su casa-taller de Madrid es hoy el Museo Sorolla (Ministerio de Cultura), que su viuda, Clotilde García del Castillo, donó al Estado.
Darío de Regoyos (Ribadesella, 1857–Barcelona, 1913) se formó en Bruselas y fue miembro del grupo Les XX; practicó un tiempo el puntillismo y escribió e ilustró La España negra (1899) a partir de su viaje por España con el poeta Verhaeren.
En Cataluña, Ramon Casas y Santiago Rusiñol traen de Montmartre la pintura moderna; en 1897 abre Els Quatre Gats, imitado del Chat Noir parisino. El Modernismo: inspiración en la naturaleza, línea curva, decorativismo, ideal de arte total y arte de la burguesía industrial (criterios de Cataluña 2026).

Chicos en la playa

Joaquín Sorolla · 1909 (firmado en 1910)

Estilo: Luminismo (pintura española de fin de siglo)
Técnica: Óleo sobre lienzo, 118 × 185 cm
Dónde está: Museo Nacional del Prado, Madrid

El Decreto de Madrid lo llama Niños en la playa; el Prado, Chicos en la playa, firmado en 1910 y pintado en el verano de 1909 en Valencia. Tres muchachos desnudos tumbados en la orilla, sin horizonte; el sol arranca brillos de la piel mojada y proyecta sombras violetas, y el agua se hace con pinceladas anchas turquesa y malva.

La nombra el currículo de Madrid.

Ficha oficial de la obra

Paseo a la orilla del mar

Joaquín Sorolla · 1909

Estilo: Luminismo (pintura española de fin de siglo)
Técnica: Óleo sobre lienzo, 205 × 200 cm
Dónde está: Museo Sorolla, Madrid

Análisis formal: su esposa Clotilde y su hija María, vestidas de blanco, pasean por la orilla. El agua y la arena, en largas pinceladas azules, malvas y turquesa, son un fondo casi abstracto. La brisa agita vestidos y velos; los blancos se llenan de reflejos de color.
Encuadre fotográfico: el borde corta la pamela de Clotilde y deja abajo una franja vacía de arena: sensación de instante fugaz, como en una instantánea.
Contexto: pintado en el verano de 1909 en la playa de Valencia, tras su triunfo en Estados Unidos. Pertenece al género del «paseo elegante», con burgueses bien vestidos junto al mar, muy distinto de sus escenas de pescadores. Es una de las obras más representativas del pintor y de su museo.
Para reconocerla: dos damas de blanco en la orilla, cortadas por el borde, y mar azul y violeta.

Ficha oficial de la obra

Ramon Casas y Pere Romeu en un automóvil

Ramon Casas · 1901

Estilo: Modernismo catalán
Técnica: Óleo sobre lienzo, 208 × 291 cm
Dónde está: Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), Barcelona

Análisis formal: el propio Casas conduce un automóvil y Pere Romeu va a su lado. Gran formato horizontal; figuras silueteadas con contorno grueso, tintas planas, esquematismo y fondo casi vacío, como en un cartel publicitario: Casas fue uno de los grandes cartelistas modernistas. Las ruedas, sin radios visibles, transmiten velocidad.
Tema y función: decoraba la cervecería Els Quatre Gats de Barcelona; en 1901 sustituyó a otro cuadro de los dos amigos en tándem (1897). Pasar de la bicicleta al coche es un elogio de la modernidad del nuevo siglo y de la afición de Casas al automovilismo.
Contexto: Els Quatre Gats (1897), regentado por Romeu a imitación del Chat Noir de París, fue el gran centro del Modernismo: exposiciones, tertulias, sombras chinescas. Casas había vivido en Montmartre con Rusiñol.
Para reconocerla: dos hombres en un coche descubierto, colores planos y fondo liso. Cataluña la llamó El automóvil (2026 ordinaria).

Ha salido en el examen de Cataluña (2026).

Ficha oficial de la obra

Los primeros fríos

Miquel Blay · 1892

Estilo: Escultura de fin de siglo (realismo social; Modernismo catalán)
Técnica: Mármol tallado, 136,7 × 98 × 71,8 cm
Dónde está: Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), Barcelona

Análisis formal: grupo escultórico exento: un anciano desnudo, sentado, abraza y protege a una niña desnuda que se encoge de frío contra él. Composición cerrada y compacta; anatomía muy realista que contrapone el cuerpo envejecido del viejo y el cuerpo tierno de la niña.
Tema: la vejez y la infancia frente al frío: una alegoría (así la cataloga el MNAC) de la fragilidad y de la protección, con el tono de realismo social que gustaba a Blay.
Contexto: Blay, pensionado en París y en Roma, la modeló en Roma con 26 años y con ella ganó el primer premio de la Exposición Internacional de Bellas Artes de Madrid de 1892; el museo de Barcelona compró el mármol en 1894. Después haría La canción popular del Palau de la Música Catalana.
Similitudes con El pensador (Cataluña 2026, reserva): escultura exenta, hombre de edad avanzada sentado, figura cerrada en sí misma, desnudo realista y representación de una sensación más que de una anécdota.

Ha salido en el examen de Cataluña (2026).

Ficha oficial de la obra

Libro de horas (Llibre d’horas)

Adrià Gual · 1899

Estilo: Modernismo catalán (de tendencia simbolista)
Técnica: Cartel: litografía en color sobre papel, 54,5 × 42,6 cm
Dónde está: Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), Barcelona

Análisis formal: una mujer de perfil, con manto y capucha, sostiene un reloj de arena entre rosas de tallos espinosos; detrás, un bosque verde. Todo se resuelve con línea de contorno y tintas planas, sin sombras; un ancho marco de rosas estilizadas y las letras del título forman parte del diseño.
Iconografía: alegoría (así la clasifica el MNAC) del paso del tiempo: el reloj de arena, las rosas (belleza efímera) y la figura recogida, casi religiosa, evocan los libros de horas medievales, los de las oraciones de cada hora del día.
Contexto: Adrià Gual (Barcelona, 1872–1943), pintor y sobre todo renovador del teatro catalán (en 1898 inauguró su Teatre Íntim), representa el Modernismo simbolista. El cartel litográfico es un arte nuevo que lleva la imagen a la calle.
Para reconocerla: perfil de mujer con capucha y reloj de arena entre rosas, marco decorativo y el título en grandes letras. Salió en Cataluña (2026 ordinaria) en la propuesta de exposición del MNAC sobre el Modernismo.

Ha salido en el examen de Cataluña (2026).

Ficha oficial de la obra

Cataluña 2026: el Modernismo en el MNAC

En el ejercicio 4 se pidió justificar una exposición del MNAC con cuatro obras: muebles de Gaspar Homar para la Casa Lleó Morera, El automóvil de Casas, Los primeros fríos de Blay y Libro de horas de Gual. Los criterios valoran: naturaleza, decorativismo, arte total, voluntad de modernidad, línea curva, simbolismo lírico, arte y vida cotidiana y arte burgués; y por qué triunfa en Cataluña (burguesía, industria, ocio).

10Qué te piden según tu comunidad y cómo se responde

Comunidad	Qué entra	Cómo ha salido (2024–2027)
Andalucía	Orientaciones: Impresionismo (Monet, Renoir, Degas, Morisot), escultura de Rodin y Camille Claudel, Postimpresionismo (Cézanne, Gauguin, Van Gogh)	La visión después del sermón como imagen (2025, examen suplente)
Aragón	Sin lista; la lámina 4 va de Goya al Postimpresionismo	Impresión, sol naciente (2025 ord., modelo 2026, 2026 ext.), La noche estrellada (2025 ext.), Visión después del sermón (2026 ord.)
Asturias	Sin lista; comentario de imagen con preguntas concretas	Los jugadores de cartas (2024), Almuerzo y Moulin de la Galette (2025), La noche estrellada y Un bar del Folies-Bergère (2026)
Baleares	La noche estrellada; tema 15 (impresionismo y postimpresionismo)	La noche estrellada (2025 ext.)
Canarias	Tema «El impresionismo»; parejas 7 (Grandes bañistas/Señoritas de Avignon), 8 (autorretratos de Van Gogh y Gauguin) y 10 (Poema de la Tierra); concepto «pintura al aire libre»	Precursores de las vanguardias (2025 ord.), «El impresionismo» (2026 ext.); pareja 7 cuatro veces; «Pintura al aire libre» (2026 ord.)
Cantabria	Manet, Monet, Renoir, Cézanne y Van Gogh; preguntas cortas del banco oficial	Los jugadores de cartas (2024); obra que da nombre al Impresionismo y por qué series (modelo 2025); tres rasgos del Postimpresionismo (2025 y 2026 ord.)
Castilla-La Mancha	Tema del Impresionismo; test con «puntillismo»	Tema (modelo 2026); Impresión, sol naciente (2026 ord.); Moulin frente a Dalí (modelo 2027); puntillismo (2026 ext. y modelo 2027)
Castilla y León	Impresionismo y su ruptura con la tradición; Posimpresionismo; Manet, Monet, Renoir, Cézanne, Van Gogh, Gauguin	Postimpresionismo: Cézanne y Van Gogh como precursores (2024 ord.); tema (2025 ord.); La noche estrellada (2024)
Cataluña	Lista: Almuerzo, Impresión, sol naciente, El pensador; Modernismo catalán en el ejercicio 4	Fusilamientos de Goya, Manet y Picasso (2025 ord.); Morisot y exposición modernista del MNAC (2026 ord.); El pensador y Blay (2026 reserva); Olympia (2026 ext.)
C. Valenciana	Bloque 5: impresionismo y postimpresionismo	Pintura impresionista (2025 ord.), postimpresionista (modelo 2026), Van Gogh y la sociedad de fin de siglo (2026 ext.)
Extremadura	Sin lista publicada	Impresión, sol naciente (modelos 2025 y 2026, 2026 ord.); La noche estrellada (2025 ext.); tema «Impresionismo y Postimpresionismo: Monet, Cézanne y Van Gogh» (2024 ord. y 2026 ext.)
Galicia	Almuerzo, Impresión, Catedral de Rouen, Naturaleza muerta y Jugadores de Cézanne, La noche estrellada, Grande Jatte, Visión, La edad madura	Impresión, sol naciente (2025 ord.); Catedral de Rouen (2025 ext. y 2026 ord.)
La Rioja	Sin lista cerrada; imágenes que se repiten	Morisot para identificar (2025) y comentar (2026 ord.); La noche estrellada y la función del arte (2026 ord.)
Madrid	21 obras del Decreto: Impresionismo (con Morisot, Cassatt y Sorolla), Neoimpresionismo, Postimpresionismo, Rodin, Claudel y La Ghirlandata	P2 «La Pintura Impresionista» (2026 ord.); P3 Toulouse-Lautrec, Manet, Morisot y Rodin; P4 El pensador (modelos 2026 y 2027)
Murcia	Tema 7 con Niño jugando con gato (Cassatt); láminas Manzanas y naranjas y La noche estrellada; vocabulario: puntillismo y simbolismo	Tema 7 (2025 ord.); puntillismo (2025 ext.); La noche estrellada (2026 ext.)
Navarra	Tema 12; Catedral de Rouen, Manzanas y naranjas, La noche estrellada, La cuna, The Child’s Bath	La cuna (2025 ord.); Manzanas y naranjas frente a Clara Peeters y The Child’s Bath (2025 ext.); tema (2026 ord.)
País Vasco	Sin lista; temas e imágenes que se repiten	Tema impresionista (2025 ext. y 2026 ord.) y postimpresionista (2026 ext.); La cuna (2024, 2025 y 2026), autorretrato de Van Gogh (modelo 2025), La noche estrellada (2025 y 2026), El beso de Rodin (2025), Impresión (2026)

Resumen de las listas oficiales y de los exámenes de 2024 a 2026 y los modelos para 2027. Mira siempre la lista de tu comunidad.

Comentario resuelto: Impresión, sol naciente (Galicia)

Galicia (2025 ordinaria), pregunta 4 (3 puntos): «Analice una de estas dos obras, atendiendo a: 1. Identificación: título, autor, cronología, estilo, movimiento. (0,75 puntos) 2. Encuadramiento en el contexto histórico-artístico. (0,75 puntos) 3. Tratamiento formal, iconológico y estilístico. (1,5 puntos)». Una de las imágenes es Impresión, sol naciente.

Respuesta modelo

1. Identificación. Impresión, sol naciente, de Claude Monet, pintada en 1872 (último cuarto del s. XIX). Óleo sobre lienzo (50 × 65 cm) conservado en el Museo Marmottan Monet de París. Estilo: Impresionismo, del que es la obra fundacional.

2. Contexto. Es la Francia de la Tercera República, recién salida de la guerra franco-prusiana y de la Comuna (1870–1871). La burguesía domina una sociedad industrial; París se ha modernizado con Haussmann; el positivismo confía en la ciencia y la observación; el ferrocarril permite pintar fuera de la ciudad y la fotografía obliga a la pintura a buscar otro camino. El arte oficial lo controlan la Academia y el Salón. En 1874 Monet y sus amigos organizan una exposición independiente en el antiguo estudio de Nadar; el crítico Louis Leroy, burlándose del título de este cuadro, los llamó «impresionistas».

3. Tratamiento formal, iconológico y estilístico. Es una marina: el puerto de Le Havre al amanecer, visto desde la ventana de un hotel. La composición es muy sencilla: el agua ocupa la mitad inferior; grúas, chimeneas y mástiles se insinúan al fondo entre la bruma; unas barcas oscuras en primer plano dan profundidad y el sol naranja con su reflejo vertical en el agua es el centro visual. No hay dibujo ni contornos: la pincelada es rapidísima, a toques horizontales que construyen el agua. El color se reduce a azules y grises fríos frente al naranja, su complementario, que vibra con más intensidad. La luz y la atmósfera húmeda son el verdadero tema: no le interesa describir el puerto, sino la impresión de un instante que cambia en minutos. Por eso se pintó en pocas horas, ante el motivo, desde la ventana del hotel. Pertenece a la primera etapa del Impresionismo; Monet seguiría por ese camino en las series (la estación de Saint-Lazare, la Catedral de Ruan, los Nenúfares). Valoración: rompe con el acabado académico y abre la pintura moderna; su libertad lleva, al final, hacia la abstracción.

Por qué puntúa. Sigue los criterios de la CiUG: en la identificación cuentan autor, título, estilo y cronología (Galicia escribe «Século XIX, último cuarto. 1872»); en el contexto, burguesía, cambios en las ciudades, positivismo, conflictos de 1870–1914 y avances técnicos (fotografía, ferrocarril); en el análisis, composición y paisaje, color, luz y expresividad, pincelada, etapa, otras obras asociadas y valoración. Desde 2026 (y en el modelo 2027) la CiUG da 1 punto a la identificación y 2 al contexto y el análisis juntos.

Comentario resuelto: La cuna (País Vasco)

País Vasco (2025 ordinaria), pregunta 3 (2,5 puntos por imagen): «EL ARTE Y SUS FUNCIONES A LO LARGO DE LA HISTORIA. Análisis de imágenes. Son cuatro imágenes y se deben analizar dos.» Una de ellas es «Berthe Morisot. La cuna».

Respuesta modelo

Movimiento y periodo. La cuna (1872), de Berthe Morisot, Museo de Orsay. Es Impresionismo, el movimiento que en el último tercio del s. XIX renueva la pintura francesa con la pintura al aire libre, la pincelada suelta y los temas de la vida moderna. Morisot es una de sus figuras centrales: fue la primera mujer que expuso con el grupo, precisamente con este cuadro, en la exposición de 1874.

Análisis técnico y formal. Óleo sobre lienzo de formato pequeño y vertical. Una mujer vestida de oscuro, sentada, contempla a un bebé dormido en su cuna. Una diagonal une la mirada de la madre, su brazo doblado (que repite el del niño) y la cara del bebé. El velo transparente de la cuna, en toques blancos y rosados muy ligeros, ocupa casi la mitad del cuadro y contrasta con el vestido negro. La pincelada es suelta pero el dibujo de las figuras es todavía firme; la luz es suave, de interior.

Contexto. En la Francia de la Tercera República, la mujer burguesa vive en el ámbito doméstico; no podía estudiar en la Escuela de Bellas Artes ni pintar con libertad los cafés y bulevares que pintaban sus compañeros. Morisot convierte esa limitación en tema: la intimidad familiar. Las modelos son su hermana Edma y la hija de esta, Blanche.

Antecedentes e influencia. Frente a las Vírgenes con el Niño de la tradición, es una maternidad laica y cotidiana, sin alegoría. Abre el camino a otras pintoras del tema, como Mary Cassatt (El baño del niño, 1893).

Por qué puntúa. Reparto de la UPV/EHU: 0,75 por reconocer el movimiento y el periodo y valorar a la artista; 0,75 por los aspectos técnicos y formales; 0,50 por el contexto cultural y social; 0,25 por antecedentes e influencias; 0,25 por la expresión y el vocabulario.

Comentario resuelto: El pensador (Cataluña)

Cataluña (2026, reserva), ejercicio 2, opción B: «François-Auguste Rodin, El pensador (París, Museo Rodin). a) Date la obra y sitúela en el contexto histórico y cultural correspondiente. [1 punto] b) Exponga, como mínimo, cinco características técnicas o formales de la obra e indique a qué estilo artístico pertenece. [1,5 puntos] c) Analice brevemente la iconografía de la escultura y explique su función y su significado. [1 punto] d) Mencione dos similitudes entre la obra de Rodin y Los primeros fríos, del escultor catalán del modernismo Miquel Blay. [0,5 puntos]»

Respuesta modelo

a) Modelado en 1880 como parte del encargo de La puerta del Infierno y ampliado a tamaño monumental en 1903–1904: últimas décadas del s. XIX. Francia vive la caída del Segundo Imperio y la llegada de la Tercera República (1870); Europa conoce las unificaciones de Italia y Alemania, la industrialización, el crecimiento de las ciudades y el ferrocarril. París es la capital artística: el Salón oficial y los rechazados, las exposiciones universales, el nacimiento del mercado del arte con marchantes y galerías y el paso del Realismo al Impresionismo.

b) 1) Escultura exenta, con múltiples puntos de vista. 2) Bronce fundido. 3) Una sola figura, un hombre adulto desnudo sentado en una roca. 4) Postura cerrada en sí misma: la barbilla sobre el puño derecho y el codo en la rodilla izquierda. 5) Anatomía muy estudiada y exagerada (manos y pies enormes), con tensión muscular: acción sin movimiento. 6) Superficie irregular y rugosa que capta la luz y potencia los volúmenes. 7) Monumentalidad. Antecedentes: el non finito de los Esclavos de Miguel Ángel y Donatello, que Rodin estudió en Italia en 1875. Estilo: escultura del s. XIX de Rodin, que se ha llamado impresionista por la luz en la superficie y simbolista por su contenido.

c) Un hombre que piensa. Representaba a un poeta, Dante, autor de la Divina comedia, meditando en lo alto de La puerta del Infierno, un encargo para el Museo de Artes Decorativas de París que quedó inacabado. Separado del conjunto, funciona como obra independiente y se convirtió en el símbolo del pensamiento y de la subjetividad propia del fin de siglo.

d) Las dos son esculturas exentas con un hombre de edad avanzada sentado, en una figura cerrada en sí misma y de anatomía realista, y las dos representan más una sensación (el pensamiento, el frío) que una historia.

Por qué puntúa. Sigue los criterios de corrección: en a), 0,20 por la fecha (vale «últimas décadas del s. XIX») y 0,80 por cuatro rasgos del contexto; en b), 0,25 por cada característica (hasta cinco) y 0,25 por el estilo; en c), 0,50 por el tema y 0,50 por la función dentro de La puerta del Infierno; en d), 0,25 por cada similitud.

Tema resuelto en esquema: la pintura impresionista

Madrid (2026 ordinaria), pregunta 2: «Selecciona uno de estos dos temas y explica sus principales características, artistas y obras más representativas: La Pintura Impresionista o El Arte Hispanomusulmán». Sirve también para País Vasco, Castilla-La Mancha, C. Valenciana, Canarias y Navarra.

Respuesta modelo

1. Definición y cronología. Movimiento pictórico nacido en Francia; ocho exposiciones independientes entre 1874 y 1886. El nombre procede de Impresión, sol naciente de Monet y del artículo burlón de Louis Leroy.

2. Contexto. París de Haussmann, burguesía y ocio, positivismo, ferrocarril y fotografía; crisis del sistema académico (Salón, Salón de los Rechazados de 1863) y nuevo mercado de marchantes (Durand-Ruel).

3. Precedentes. La pintura al aire libre de la escuela de Barbizon y de Corot; el Realismo de Courbet; Manet, que rompe con la Academia (El almuerzo sobre la hierba, Olympia); la estampa japonesa; la teoría del color de Chevreul.

4. Características. Pintura al aire libre; la luz y la atmósfera como tema; pincelada suelta; colores puros que se mezclan en el ojo; sombras coloreadas y desaparición del negro; temas de la vida moderna y del paisaje; encuadres fotográficos; series.

5. Artistas y obras. Monet: Impresión, sol naciente (1872), La catedral de Ruan (1892–1894), Nenúfares. Renoir: Baile en el Moulin de la Galette (1876). Degas: La clase de baile (1873–1876), bailarinas al pastel. Pissarro y Sisley: paisajes. Morisot: La cuna (1872). Cassatt: El baño del niño (1893). En España, el luminismo de Sorolla (Chicos en la playa, 1909).

6. Trascendencia. Libera el color y la pincelada y abre la puerta al Postimpresionismo y a las vanguardias; su convivencia con la fotografía define el papel de la pintura moderna: no copiar, sino ver.

Por qué puntúa. Un buen tema de desarrollo combina definición, contexto, características y obras con autor y fecha. País Vasco pide además, con esas palabras, a Manet y la escuela de Barbizon como referencia y la relación con la fotografía: trátalos en apartados propios.

Artistas clave

Édouard Manet

París, 1832-París, 1883. Puente entre el Realismo y el Impresionismo; admirador de Velázquez y Goya. Escandalizó con temas modernos y una pintura plana de contrastes bruscos. El almuerzo sobre la hierba (1863), Olympia (1863), La ejecución del emperador Maximiliano (1868–1869), Un bar del Folies-Bergère (1882). Nunca expuso con los impresionistas.

Claude Monet

París, 1840-Giverny, 1926. El impresionista por excelencia: pintura al aire libre, luz cambiante y series. Impresión, sol naciente (1872), La estación de Saint-Lazare (1877), La catedral de Ruan (1892–1894), los Nenúfares de su jardín de Giverny.

Pierre-Auguste Renoir

Limoges, 1841-Cagnes-sur-Mer, 1919. Pintor de la alegría y de la figura humana bajo la luz: bailes, fiestas, retratos y desnudos. Baile en el Moulin de la Galette (1876), El almuerzo de los remeros (1880–1881). Desde los años ochenta vuelve a un dibujo más firme.

Edgar Degas

París, 1834-París, 1917. Expuso con los impresionistas pero pintaba en el taller, con dibujo firme; le interesan el movimiento y los encuadres de la fotografía y la estampa japonesa. Bailarinas, carreras de caballos, planchadoras; maestro del pastel. La clase de baile (1873–1876); Bailarina basculando (Thyssen).

Berthe Morisot

Bourges, 1841-París, 1895. Primera mujer que expuso con los impresionistas (1874) y una de las más constantes del grupo. Pincelada muy suelta y blancos luminosos; mujeres, niños e interiores. La cuna (1872), El espejo psiqué (1876, Thyssen), Un día de verano (c. 1879).

Mary Cassatt

Allegheny City (hoy Pittsburgh, EE. UU.), 1844-Le Mesnil-Théribus (Francia), 1926. Se unió a los impresionistas en 1877, única estadounidense del grupo. Pinta la maternidad y la infancia con dibujo firme y, en los noventa, composiciones planas de influencia japonesa. El baño del niño (1893).

Georges Seurat

París, 1859-París, 1891. Creador del puntillismo o divisionismo (Neoimpresionismo): puntos de color puro según la teoría de los complementarios. Bañistas en Asnières (1884), Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1884–1886). Murió con 31 años.

Paul Cézanne

Aix-en-Provence, 1839-Aix-en-Provence, 1906. Expuso con los impresionistas en 1874 y 1877, pero buscó la solidez de la forma: volúmenes geométricos, varios puntos de vista, color que construye. Precursor del Cubismo. Los jugadores de cartas (1890–1896), Manzanas y naranjas (c. 1899), La montaña Sainte-Victoire, Las grandes bañistas (1900–1906).

Vincent van Gogh

Zundert (Países Bajos), 1853-Auvers-sur-Oise (Francia), 1890. Pintó unos diez años: de los tonos oscuros de Los comedores de patatas (1885) al color puro de Arlés y Saint-Rémy. Pincelada empastada y rítmica, color expresivo: precursor del Expresionismo y del Fauvismo. Los girasoles (1888), La noche estrellada (1889), Autorretrato (1889).

Paul Gauguin

París, 1848-Atuona (islas Marquesas), 1903. Agente de bolsa convertido en pintor; en Pont-Aven (Bretaña) crea el sintetismo: colores planos, contornos marcados, sentido simbólico. Desde 1891 vive en Tahití y las Marquesas buscando lo primitivo. La visión después del sermón (1888), Ta matete (1892), Mata Mua (1892, Thyssen).

Henri de Toulouse-Lautrec

Albi, 1864-Saint-André-du-Bois (Gironda), 1901. Aristócrata de salud frágil, retrató la noche de Montmartre (Moulin Rouge, cafés-concierto, burdeles) con línea incisiva y color ácido. Renovó el cartel litográfico. En el salón de la rue des Moulins (1894).

Auguste Rodin

París, 1840-Meudon, 1917. El gran renovador de la escultura: modelado expresivo, superficies rugosas que atrapan la luz, non finito, fragmentos tratados como obras completas. La puerta del Infierno (desde 1880), El pensador, El beso, Los burgueses de Calais (1884–1889), Balzac.

Camille Claudel

Fère-en-Tardenois, 1864-Montfavet, 1943. Alumna, colaboradora y compañera de Rodin, se alejó de él desde 1893 para buscar su propio estilo. Internada en un psiquiátrico desde 1913 hasta su muerte. Sakountala (1886–1888), El vals, La edad madura (1899; bronce de c. 1902).

Joaquín Sorolla

Valencia, 1863-Cercedilla (Madrid), 1923. Maestro del luminismo: luz mediterránea, blancos, sombras coloreadas, escenas de playa pintadas al aire libre. Grand Prix en París (1900) y triunfo en la Hispanic Society de Nueva York (1909). ¡… y aún dicen que el pescado es caro! (1894), Chicos en la playa (1909), Paseo a la orilla del mar (1909); su casa es el Museo Sorolla.

Conceptos clave

Pintura al aire libre: Práctica pictórica que consiste en trabajar directamente ante el motivo para captar la luz, la atmósfera y el color del momento (así la define el examen de Canarias de 2026). La hicieron posible los tubos de pintura y los caballetes portátiles; la generalizan los impresionistas (plein air).
Puntillismo: Técnica pictórica a base de muchos pequeños puntos de colores puros yuxtapuestos (definición del test de Castilla-La Mancha), que se mezclan en el ojo del espectador. La crea Seurat (Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte); también se llama divisionismo.
Simbolismo: Movimiento artístico y literario de finales del s. XIX que rechaza la copia de la realidad y expresa ideas, sueños y emociones mediante símbolos, mitos y alegorías. Moreau, Redon, Klimt; en Canarias, Néstor (Poema de la Tierra).
Color complementario: El que resulta de mezclar los otros dos primarios: el verde es complementario del rojo; el naranja, del azul; el violeta, del amarillo. Juntos se intensifican (contraste simultáneo): los usan los impresionistas en las sombras, Seurat en sus puntos y Van Gogh para expresar emociones.
Pastel: Barrita de pigmento en polvo con muy poco aglutinante (Tesauros del Patrimonio Cultural de España) que se aplica en seco sobre papel; da colores luminosos y aterciopelados. Popular en el s. XVIII para retratos, Degas lo convirtió en una técnica principal.
Impresionismo: Movimiento pictórico francés (exposiciones de 1874 a 1886) que pinta la impresión visual de un instante: luz y atmósfera cambiantes, pintura al aire libre, pincelada suelta, colores puros y temas de la vida moderna. Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley, Morisot, Cassatt.
Postimpresionismo: Nombre (también posimpresionismo) de los pintores que desde c. 1886 parten del Impresionismo para superarlo, cada uno por su camino: la forma (Cézanne), el método (Seurat), la expresión (Van Gogh), el símbolo (Gauguin). No es un estilo unitario y abre las vanguardias.
Neoimpresionismo: Corriente de Seurat y Signac (desde 1886) que aplica al Impresionismo la teoría científica del color: el divisionismo o puntillismo.
Mezcla óptica: Mezcla de colores que no se hace en la paleta sino en el ojo del espectador al ver juntos toques de colores puros. Base del Impresionismo y, de forma sistemática, del puntillismo.
Serie: Conjunto de cuadros del mismo motivo pintado a distintas horas, estaciones o condiciones de luz para mostrar cómo cambia lo que vemos. La catedral de Ruan y los Nenúfares de Monet.
Japonismo: Influencia del arte japonés, sobre todo de las estampas ukiyo-e (Hokusai, Hiroshige), en el arte europeo desde los años sesenta del s. XIX: colores planos, contornos, puntos de vista altos, encuadres cortados, asimetría. Degas, Cassatt, Van Gogh, Toulouse-Lautrec.
Sintetismo: Estilo de Gauguin y la escuela de Pont-Aven (1888): sintetiza la forma con colores planos y arbitrarios rodeados de contornos oscuros (cloisonismo, como en las vidrieras o los esmaltes) para expresar ideas y sentimientos. La visión después del sermón.
Salón de los Rechazados: Exposición organizada en 1863 por orden de Napoleón III con las obras rechazadas por el jurado del Salón oficial. Allí se expuso El almuerzo sobre la hierba de Manet.
Prerrafaelismo: Hermandad de pintores ingleses fundada en 1848 (Rossetti, Millais, Hunt) que quería volver a la pintura anterior a Rafael: color brillante, detalle minucioso, temas medievales, literarios y religiosos. Antecedente del Simbolismo (La Ghirlandata).
Luminismo: Pintura centrada en los efectos de la luz intensa, sobre todo la mediterránea: blancos, reflejos y sombras coloreadas. En España, Sorolla y la escuela valenciana.
Non finito: Recurso escultórico que deja partes sin terminar o la piedra sin desbastar, de modo que la figura parece surgir del bloque. Viene de Miguel Ángel y lo retoma Rodin (El beso).
Grupo escultórico: Representación escultórica de dos o más figuras en bulto redondo sobre un mismo soporte, que concurren en una misma acción o están unidas por una situación común (Tesauros del Patrimonio Cultural de España). Los burgueses de Calais, Los primeros fríos.
Cartel: Medio de publicidad e información visual, normalmente impreso en gran formato para verse a distancia (Tesauros del Patrimonio Cultural de España). A finales del s. XIX se convierte en arte: Toulouse-Lautrec, Casas, Gual (Libro de horas).
Litografía: Procedimiento de estampación en el que se dibuja con lápiz o tinta grasa sobre una piedra caliza; la tinta de imprimir solo se fija en lo dibujado (Tesauros del Patrimonio Cultural de España). Con la litografía en color se imprimen los carteles de fin de siglo.
Modernismo: Versión catalana del Art Nouveau (finales del s. XIX-principios del XX): inspiración en la naturaleza, línea curva, decorativismo e ideal de arte total, al servicio de la burguesía industrial (criterios de Cataluña 2026). Casas, Rusiñol, Blay, Gual; en arquitectura, Gaudí y Domènech (Tema 21).
Secesión: Asociación de artistas que se separan del arte oficial y de sus exposiciones. La de Viena (1897), presidida por Klimt, une Simbolismo y Art Nouveau.

Modo PAU

Ocho claves para reconocerlo en una lámina

ManetEscena moderna con figuras planas, contrastes bruscos de luz y negros intensos; a menudo un desnudo que te mira (Almuerzo, Olympia).

MonetPaisaje disuelto en luz, toques en «coma», sin contornos ni negro: agua, niebla o una fachada gótica que vibra (Impresión, sol naciente, Catedral de Ruan).

Renoir y DegasRenoir: multitud feliz con luz moteada entre los árboles. Degas: bailarinas vistas desde arriba, figuras cortadas como en una foto, a menudo al pastel.

Morisot y CassattMujeres y niños en la intimidad. Morisot: pincelada muy suelta y blancos (La cuna). Cassatt: dibujo firme y estampados japoneses (El baño del niño).

Seurat y CézannePuntitos de color y figuras rígidas: Seurat. Volúmenes geométricos, mesa inclinada, varias perspectivas y pinceladas paralelas: Cézanne.

Van Gogh y GauguinRemolinos y empastes, azul contra amarillo o naranja: Van Gogh. Colores planos e irreales (fondo rojo), contornos marcados, bretonas o tahitianas: Gauguin.

Rodin y ClaudelBronce o mármol de superficie rugosa, figuras que nacen de la piedra (non finito): Rodin. Grupos en diagonal, paños agitados y temas íntimos: Claudel.

Simbolismo y EspañaOro y ornamento (Klimt), mujeres misteriosas entre flores (Rossetti), cuerpos andróginos en la flora canaria (Néstor); luz mediterránea y sombras violetas en la playa (Sorolla).

Cómo te lo pueden preguntar

Madrid (2026 ordinaria): «Selecciona uno de estos dos temas y explica sus principales características, artistas y obras más representativas: La Pintura Impresionista o El Arte Hispanomusulmán»
País Vasco (2025 extraordinaria y 2026 ordinaria): «La pintura impresionista: características principales y aportaciones fundamentales. Edouard Manet y la Escuela de Barbizón como referencia. Su convivencia con la difusión de la fotografía.»
País Vasco (2026 extraordinaria): «El Postimpresionismo y las nuevas vías de investigación pictórica: el valor de los elementos esenciales de la pintura. El color como transmisor de emociones y sentimientos y la consolidación de la forma. El neoimpresionismo y su visión analítica y científica de la pintura.»
Comunitat Valenciana (2026 extraordinaria): «Explica la relación entre la pintura postimpresionista y la sociedad fin de siglo a partir de la obra y la personalidad del pintor Vincent van Gogh.»
Castilla-La Mancha (modelo 2026): «Explica las características generales del Impresionismo y valora su innovación pictórica.»
Cantabria (modelo 2025): «Es muy común que los artistas impresionistas hagan series de cuadros con un mismo tema u objeto artístico. ¿Sabe por qué?»; y en 2025 y 2026 ordinarias: «Indique tres características del Postimpresionismo en la pintura.»
Asturias (2025 ordinaria), pregunta 7: imagen sin título de El almuerzo sobre la hierba: «a) Clasificación de la obra: Título. Autor. Estilo. Cronología. b) Explica sus componentes formales. c) Comenta la presencia de la mujer en la obra y el tratamiento de lo femenino en la producción de este autor.»
Cataluña (2026, reserva): «OPCIÓN B. François-Auguste Rodin, El pensador (París, Museo Rodin). […] d) Mencione dos similitudes entre la obra de Rodin y Los primeros fríos, del escultor catalán del modernismo Miquel Blay.»

No lo confundas

Manet (El almuerzo sobre la hierba, Olympia) no es Monet (Impresión, sol naciente): Manet es el precursor, de figuras y negros; Monet, el paisajista de la luz.
Impresión, sol naciente está en el Museo Marmottan Monet, no en el Orsay (el examen de Aragón de 2026 extraordinaria se equivocó). Se pintó en 1872 y se expuso en 1874.
El beso de Rodin (mármol; modelo de c. 1882, tallado en 1888–1898; Museo Rodin) no es El beso de Klimt (óleo y pan de oro, 1908–1909; Belvedere de Viena).
Impresionismo frente a puntillismo: el impresionista mezcla los colores en el ojo de forma intuitiva y rápida; Seurat lo hace con puntos sistemáticos y teoría científica, en un trabajo lento y calculado.
El Postimpresionismo no es un estilo: es una etiqueta para pintores muy distintos (Cézanne, Seurat, Van Gogh, Gauguin, Toulouse-Lautrec) que superan el Impresionismo.
Los jugadores de cartas es una serie de cinco lienzos: la versión del Orsay (como la de la Courtauld) tiene dos jugadores y una botella en el centro; las mayores (Fundación Barnes, Metropolitan) tienen más figuras.
Sorolla: el Prado lo llama Chicos en la playa (1909, firmado en 1910) y el Decreto de Madrid, Niños en la playa. No lo confundas con Paseo a la orilla del mar (1909, Museo Sorolla), con dos damas de blanco.
La edad madura y Sakountala son de Camille Claudel, no de Rodin. Sakountala es una pareja que se reencuentra (Kalidasa); El beso de Rodin, Paolo y Francesca (Dante).

Ponte a prueba

Completa (Murcia, 2025 extraordinaria): «La técnica artística que consiste en hacer una obra de arte mediante el uso de puntos recibe el nombre de…»

Ver solución

Puntillismo (o divisionismo), creado por Seurat hacia 1884–1886: puntos de colores puros que se mezclan en el ojo del espectador.

Canarias (2026 ordinaria), concepto «Pintura al aire libre». Elige la definición: A) Técnica de taller basada en la reconstrucción posterior de la percepción visual. B) Práctica pictórica que consiste en trabajar directamente ante el motivo para captar luz, atmósfera y color. C) Método académico de copia de modelos establecidos. D) Procedimiento que prioriza la composición teórica frente a la observación.

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B. La A describe lo contrario (pintar en el taller), la C es el método académico que los impresionistas rechazan y la D prima la teoría sobre la observación directa.

Cantabria (2025 y 2026 ordinarias): «Indique tres características del Postimpresionismo en la pintura.»

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1) Parte del Impresionismo pero busca superarlo: más solidez de la forma y más contenido. 2) Cada pintor abre un camino propio: la estructura geométrica (Cézanne), el color científico en puntos (Seurat), la expresión emocional con pincelada y color (Van Gogh) y el color plano y simbólico (Gauguin). 3) El color se libera de la imitación de la naturaleza y la pintura se vuelve personal, por lo que anuncia las vanguardias del s. XX (Cubismo, Fauvismo, Expresionismo).

Identifica la obra: óleo de 1888. En primer plano, campesinas con cofias blancas, de espaldas; arriba, sobre un fondo rojo plano, dos figuras luchan; el tronco de un árbol cruza en diagonal.

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La visión después del sermón (Jacob luchando con el ángel), de Paul Gauguin, 1888, Galería Nacional de Escocia (Edimburgo). Postimpresionismo, sintetismo de la escuela de Pont-Aven: colores planos y simbólicos, contornos marcados y separación entre la realidad y la visión imaginada por las bretonas.

Ordena cronológicamente: La noche estrellada, Olympia, Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, El beso de Klimt, Impresión, sol naciente, Baile en el Moulin de la Galette.

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Olympia (1863) → Impresión, sol naciente (1872) → Baile en el Moulin de la Galette (1876) → Grande Jatte (1884–1886) → La noche estrellada (1889) → El beso de Klimt (1908–1909).

Madrid (modelo 2027), pregunta 3: «De los 5 artistas que se proponen, elija 3, explicando su época, características y obras más significativas (se recomienda no más de diez líneas para cada uno)». Escribe la de Berthe Morisot.

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Berthe Morisot (Bourges, 1841-París, 1895), pintora francesa del Impresionismo, en el último tercio del s. XIX. Fue la primera mujer que expuso con el grupo, en 1874, y participó en casi todas sus exposiciones; estaba casada con Eugène Manet, hermano del pintor. Pinta la vida de las mujeres burguesas y de los niños, en interiores y jardines, porque no podía moverse con libertad por cafés y cabarés. Su pincelada es de las más sueltas del grupo, con trazos largos y rápidos y una paleta clara llena de blancos. Obras: La cuna (1872, Orsay), El espejo psiqué (1876, Thyssen), Un día de verano (c. 1879, National Gallery de Londres). Hoy es una figura clave de la recuperación de las mujeres artistas.

Compara Impresión, sol naciente (Monet) y La noche estrellada (Van Gogh).

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Semejanzas: dos paisajes con el cielo y la luz como protagonistas, pincelada visible y contraste de complementarios (naranja y azul en Monet; amarillo y azul en Van Gogh). Diferencias: Monet (1872, Impresionismo) pinta ante el motivo, en pocas horas, para captar un instante de luz y bruma con toques ligeros; Van Gogh (1889, Postimpresionismo) pinta de día y de memoria una noche transformada, con empastes y remolinos que expresan su emoción. El primero da nombre al Impresionismo; el segundo anuncia el Expresionismo.

Fuentes

Imágenes: El almuerzo sobre la hierba: Édouard Manet (dominio público, Wikimedia Commons) · Olympia: Édouard Manet (dominio público, Wikimedia Commons) · La ejecución del emperador Maximiliano: Édouard Manet (dominio público, Wikimedia Commons) · Un bar del Folies-Bergère: Édouard Manet (CC BY 2.0, Wikimedia Commons) · Impresión, sol naciente: Claude Monet (dominio público, Wikimedia Commons) · La catedral de Ruan (serie): Claude Monet (dominio público, Wikimedia Commons) · Baile en el Moulin de la Galette: Pierre-Auguste Renoir (dominio público, Wikimedia Commons) · La clase de baile: Edgar Degas (dominio público, Wikimedia Commons) · La cuna: Berthe Morisot (dominio público, Wikimedia Commons) · Un día de verano: Berthe Morisot (dominio público, Wikimedia Commons) · Delante del espejo: Berthe Morisot (dominio público, Wikimedia Commons) · El baño del niño: Mary Cassatt (dominio público, Wikimedia Commons) · Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte: Georges Seurat (dominio público, Wikimedia Commons) · Los jugadores de cartas: Paul Cézanne (dominio público, Wikimedia Commons) · Manzanas y naranjas: Paul Cézanne (CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commons) · Naturaleza muerta con frutero: Paul Cézanne (dominio público, Wikimedia Commons) · Las grandes bañistas: Paul Cézanne (dominio público, Wikimedia Commons) · La noche estrellada: Vincent van Gogh (dominio público, Wikimedia Commons) · Autorretrato (1889): Vincent van Gogh (dominio público, Wikimedia Commons) · El segador: Vincent van Gogh (dominio público, Wikimedia Commons) · La visión después del sermón: Paul Gauguin (dominio público, Wikimedia Commons) · Autorretrato con halo y serpiente: Paul Gauguin (dominio público, Wikimedia Commons) · Ta matete (El mercado): Paul Gauguin (dominio público, Wikimedia Commons) · En el salón de la rue des Moulins: Didier Descouens (dominio público, Wikimedia Commons) · La Ghirlandata: Dante Gabriel Rossetti (dominio público, Wikimedia Commons) · El beso: Gustav Klimt (dominio público, Wikimedia Commons) · Poema de la Tierra (serie): Néstor Martín-Fernández de la Torre (dominio público, Wikimedia Commons) · El pensador: AndrewHorne (talk) (dominio público, Wikimedia Commons) · El beso: Auguste Rodin (dominio público, Wikimedia Commons) · Los burgueses de Calais: Auguste Rodin (CC0 (dominio público), Wikimedia Commons) · Sakountala: photographed by uploader. Sculpture is by Camille Claudel (dominio público, Wikimedia Commons) · La edad madura: Pierre André (CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commons) · Chicos en la playa: Joaquín Sorolla (dominio público, Wikimedia Commons) · Paseo a la orilla del mar: Joaquín Sorolla (dominio público, Wikimedia Commons) · Ramon Casas y Pere Romeu en un automóvil: Ramon Casas (dominio público, Wikimedia Commons) · Los primeros fríos: Primitivojumento (dominio público, Wikimedia Commons) · Libro de horas (Llibre d’horas): Adrià Gual (1872 - 1943) Born in Barcelona. Died in Barcelona. Details on Google Art Proje (dominio público, Wikimedia Commons)

Licencia: el texto es de Farmeando PAU, con licencia CC BY-NC-ND 4.0: puedes imprimirlo, fotocopiarlo y compartirlo con tus alumnos citando «Farmeando PAU · farmeandopau.com», sin uso comercial y sin modificarlo. Las imágenes de terceros mantienen su propia licencia.

Impresionismo, Postimpresionismo y escultura del XIX.

Lo que vas a aprender.

Los apuntes del tema.

Cronología

1París, capital del arte: la ruptura con la Academia

2Manet, el precursor

El almuerzo sobre la hierba

Olympia

La ejecución del emperador Maximiliano

Un bar del Folies-Bergère

3El Impresionismo: Monet, Renoir y Degas

Impresión, sol naciente

La catedral de Ruan (serie)

Baile en el Moulin de la Galette

La clase de baile

4Las impresionistas: Berthe Morisot y Mary Cassatt

La cuna

Un día de verano

Delante del espejo

El baño del niño

Niño jugando con gato

5El Postimpresionismo (I): Seurat y Cézanne

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

Los jugadores de cartas

Manzanas y naranjas

Naturaleza muerta con frutero

Las grandes bañistas

6El Postimpresionismo (II): Van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec

La noche estrellada

Autorretrato (1889)

El segador

La visión después del sermón

Autorretrato con halo y serpiente

Ta matete (El mercado)

En el salón de la rue des Moulins

7El Simbolismo: de Rossetti a Klimt y Néstor

La Ghirlandata

El beso

Poema de la Tierra (serie)

8La escultura: Rodin y Camille Claudel

El pensador

El beso

Los burgueses de Calais

Sakountala

La edad madura

9España y Cataluña: Sorolla y el arte de fin de siglo

Chicos en la playa

Paseo a la orilla del mar

Ramon Casas y Pere Romeu en un automóvil

Los primeros fríos

Libro de horas (Llibre d’horas)

10Qué te piden según tu comunidad y cómo se responde

Artistas clave

Conceptos clave

Ocho claves para reconocerlo en una lámina

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