Cronología
- 1945Fin de la Segunda Guerra Mundial: Nueva York se convierte en el nuevo centro del arte occidental
- 1950Pollock pinta Uno: número 31, 1950 y Número 1, 1950 (Niebla de lavanda): plenitud del dripping
- 1957Nace en Madrid el grupo informalista El Paso (Saura, Millares, Feito, Canogar…); Oteiza gana el Gran Premio de Escultura de la Bienal de São Paulo
- 1958Chillida obtiene el Gran Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, donde también expone Tàpies
- 1962Warhol expone las Latas de sopa Campbell y pinta el Díptico de Marilyn: triunfa el Pop Art
- 1965Kosuth, Una y tres sillas: nace el arte conceptual
- 1970Smithson construye Spiral Jetty en el Gran Lago Salado (Utah): land art
- 1974–1981Antonio López pinta del natural la Gran Vía de Madrid
- 1999Louise Bourgeois crea Mamá; el ejemplar del Guggenheim Bilbao se funde en 2001
- 2010Marina Abramović, La artista está presente: más de 700 horas de performance en el MoMA
1El arte después de 1945: contexto y claves
Después de 1945 el mundo queda dividido por la Guerra Fría y Europa está en ruinas. Muchos artistas europeos se habían refugiado en Estados Unidos durante la guerra, y Nueva York pasa a ser el centro del arte. Desde entonces los estilos ya no se suceden uno tras otro: conviven y se cruzan, y cada vez importa más la idea que el objeto.
- Años cuarenta y cincuenta, abstracción: en EE. UU., el expresionismo abstracto (Pollock, Rothko, De Kooning); en Europa, el informalismo (Tàpies, Saura, Millares), que da todo el protagonismo al gesto y a la materia.
- Años sesenta, vuelve la imagen: el Pop Art (Warhol, Lichtenstein) toma la publicidad, el cómic y las estrellas de la sociedad de consumo; en España, el Equipo Crónica lo usa para la crítica política.
- El objeto se reduce o desaparece: el Minimalismo (Carl Andre) usa formas simples y materiales industriales; el arte conceptual (Kosuth) valora más la idea que su realización; el arte povera (Merz) emplea materiales pobres.
- El arte sale del museo: el land art interviene en la naturaleza (Spiral Jetty) y el happening y la performance convierten la acción y el cuerpo del artista en la obra (Abramović, Esther Ferrer).
- Nuevos medios: la instalación (Bourgeois, Kusama), el videoarte (Nam June Paik, Bill Viola), el arte urbano (Banksy) y el arte digital.
- La figura no desaparece: la nueva figuración de Francis Bacon y el hiperrealismo, con Antonio López en España.
- Muchas obras son efímeras: una acción dura minutos o semanas y queda solo su registro en foto o vídeo. Conservarlas es un reto (lo ves en el Tema 28).
Sus fichas, en los temas de su época
La arquitectura de estos años (Seagram, Pompidou, Guggenheim Bilbao) está en el Tema 24; la fotografía, el cine y el cómic (Cindy Sherman), en el Tema 27; el recorrido por las mujeres artistas, en el Tema 26, y la conservación del arte efímero, en el Tema 28. Duchamp y el ready-made, origen de mucho de lo que verás aquí, están en el Tema 23.
2El expresionismo abstracto: Pollock y Rothko
La Escuela de Nueva York reúne a pintores muy distintos (Pollock, De Kooning, Franz Kline, Rothko, Barnett Newman) que pintan grandes lienzos abstractos para expresar emociones. Como explica el Guggenheim Bilbao, no siguen una fórmula fija: es una celebración de la libertad individual de cada artista. Hay dos grandes tendencias.
- Pintura de acción (action painting): importa el gesto y el proceso. Pollock extiende la tela en el suelo, sin caballete, y deja caer la pintura (dripping o goteo) con palos, pinceles o desde el bote, moviéndose alrededor y dentro del cuadro.
- El resultado es una composición all-over: una red de líneas sin centro, sin figura ni fondo, que cubre toda la superficie y parece continuar fuera del lienzo.
- De Kooning combina el gesto violento con la figura humana (serie de Mujeres).
- Pintura de campos de color (color field): Rothko y Newman pintan grandes superficies de color. Rothko quería expresar «emociones humanas fundamentales: la tragedia, el éxtasis, la funesta fatalidad».
- El formato gigante envuelve al espectador: «si pintas cuadros grandes, tú estás dentro», decía Rothko.
- En plena Guerra Fría, esta pintura se presentó en Europa como símbolo de la libertad del mundo occidental, un aspecto que el Guggenheim Bilbao explicó en su exposición sobre el movimiento.
Uno: número 31, 1950 (One: Number 31, 1950)
Jackson Pollock · 1950
- Estilo
- Expresionismo abstracto (pintura de acción)
- Técnica
- Óleo y esmalte sobre lienzo, 269,5 × 530,8 cm
- Dónde está
- Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York
- Análisis formal: lienzo gigantesco cubierto por una maraña de líneas entrelazadas, charcos y salpicaduras de pintura. No hay figura ni fondo, ni centro ni jerarquía: es una composición all-over que parece continuar fuera del cuadro. El ritmo de las líneas transmite velocidad y energía.
- Técnica: Pollock pintó con la tela en el suelo, vertiendo, goteando y lanzando la pintura con palos o pinceles (dripping) mientras se movía a su alrededor. El MoMA lo relaciona con el azar de los surrealistas y con el efecto de la gravedad sobre la pintura que cae.
- Contexto: es uno de los tres grandes cuadros murales que pintó en el verano y el otoño de 1950, en su plenitud; obra cumbre del expresionismo abstracto y de la pintura de acción.
- Para la PAU: salió en Aragón en 2024 y 2025 (extraordinarias). Madrid y Navarra la tienen en sus listas.
En la lista oficial de obras de Navarra y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Aragón (2025).
Número 1, 1950 (Niebla de lavanda)
Jackson Pollock · 1950
- Estilo
- Expresionismo abstracto (pintura de acción)
- Técnica
- Óleo, esmalte y pintura de aluminio sobre lienzo, 221 × 299,7 cm
- Dónde está
- National Gallery of Art, Washington
- Análisis formal: red de líneas y manchas negras, blancas, azules, plateadas, rojizas y naranjas que cubre todo el lienzo (all-over). No hay nada lavanda: un crítico sugirió el título por el brillo malva que producen las capas superpuestas, según la National Gallery of Art.
- Técnica: goteo y vertido de óleo, esmalte y pintura de aluminio sobre la tela extendida en el suelo de su estudio, un granero de Long Island. Pollock dejó las huellas de sus manos en las esquinas superiores.
- Significado: el espectador no mira un objeto, sino que se sumerge en la pintura, que es un registro del gesto y del cuerpo del pintor.
- Para la PAU: Cataluña la tiene en su lista y en 2026 (reserva) pidió relacionarla con el dripping. Galicia («Número 1») y Murcia («Composición 1») no precisan cuál: la imagen orientativa de Galicia, más apaisada y con manchas amarillas, no parece esta, y en Murcia la imagen de examen es una pintura de goteo sin identificar.
En la lista oficial de obras de Cataluña, Galicia y Murcia. Ha salido en el examen de Cataluña (2026) y Murcia (2025, 2026).
Blue Poles (Número 11, 1952)
Jackson Pollock · 1952
- Estilo
- Expresionismo abstracto (pintura de acción)
- Técnica
- Esmalte y pintura de aluminio con vidrio sobre lienzo
- Dónde está
- National Gallery of Australia, Canberra
- Uno de los últimos grandes cuadros de goteo de Pollock. Sobre una maraña de esmalte y pintura de aluminio, con trozos de vidrio incrustados, destacan ocho postes azul oscuro inclinados que dan ritmo a la superficie y anuncian el regreso a cierta estructura. La pide Castilla y León.
En la lista oficial de obras de Castilla y León.
Sin título
Mark Rothko · 1952–1953
- Estilo
- Expresionismo abstracto (pintura de campos de color)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 299,5 × 442,5 cm
- Dónde está
- Museo Guggenheim Bilbao
- Análisis formal: enorme lienzo horizontal ocupado por grandes campos rectangulares de color de bordes difusos que parecen flotar y vibrar. No hay líneas ni figuras ni gesto visible: el color, en capas finas, es el único protagonista.
- Intención: Rothko rechazaba que se mirase solo como forma y color; quería expresar «emociones humanas fundamentales» y que el espectador tuviera una experiencia casi religiosa ante el cuadro.
- Escala: pintaba en grande «precisamente porque quiero ser íntimo y humano». Visto de cerca, como él quería, el cuadro desborda el campo de visión. Es algo excepcional en Rothko por ser horizontal y puede considerarse uno de sus primeros murales (Guggenheim Bilbao).
- Para reconocerla: bloques de color sin dibujo. Es la otra cara del expresionismo abstracto, frente al gesto de Pollock. El Reina Sofía conserva otro Rothko, Sin título (naranja, ciruela, amarillo), de 1950.
- Gesto, energía y movimiento del cuerpo
- Tela en el suelo, dripping
- Líneas entrelazadas all-over, sin centro
- La obra es el registro de una acción
- Calma, contemplación, emoción profunda
- Tela en el bastidor, capas finas de óleo
- Grandes rectángulos de color de bordes difusos
- El color envuelve al espectador
Aragón, Madrid y Navarra: Uno: número 31, 1950 (MoMA); Cataluña: Número 1 (1950, Washington); Castilla y León: Blue Poles; Galicia («Número 1») y Murcia («Composición 1») no precisan. Si dudas del título exacto, escribe «obra de goteo de Jackson Pollock, h. 1950, expresionismo abstracto (pintura de acción)»: es lo que más puntúa.
3El informalismo: Tàpies, Saura y el grupo El Paso
En Europa la abstracción de posguerra se llama informalismo (arte informal): rechaza la forma y la geometría y da el protagonismo a la materia y al gesto. En la España de los años cincuenta fue la gran renovación del arte, con reconocimiento internacional: Tàpies y Chillida estuvieron en la Bienal de Venecia de 1958.
- Informalismo matérico: Antoni Tàpies mezcla la pintura con materiales que dan relieve y textura y trata el cuadro como un muro: superficies rugosas con incisiones, huellas, cruces, letras (como la T, inicial de su apellido) y objetos pobres.
- Tàpies venía del grupo surrealista barcelonés Dau al Set; a mediados de los cincuenta definió su pintura matérica, en contacto con Dubuffet, Fautrier y el crítico Michel Tapié, defensor de un «arte otro» (DB~e).
- Informalismo gestual: el grupo El Paso (Madrid, 1957–1960), con Antonio Saura, Manolo Millares, Luis Feito y Rafael Canogar, entre otros, pinta con gestos rápidos y violentos y una paleta reducida, a menudo blanco y negro.
- Millares rasga, cose y pinta arpilleras (tela de saco); sus series de Homúnculos y Antropofaunas evocan cuerpos rotos (DB~e).
- Saura aplica el gesto informalista a la figura y a temas de la tradición española: crucifixiones, multitudes y retratos imaginarios de Goya o Felipe II (Guggenheim Bilbao).
- Estos pintores reinterpretan la tradición española (Velázquez, Goya) para una mirada crítica sobre su tiempo, a la vez que el Estado los envió a las bienales internacionales como imagen de modernidad.
Pintura
Antoni Tàpies · 1955
- Estilo
- Informalismo (pintura matérica)
- Técnica
- Técnica mixta sobre lienzo, 96 × 145 cm
- Dónde está
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
- Galicia pide «Pintura» de Tàpies sin decir cuál (tituló así muchas obras), pero su imagen orientativa es esta del Reina Sofía, de 1955, sus años de pintura matérica: mezcla el pigmento con materias que dan textura y trabaja la superficie como un muro, rascando, haciendo incisiones y dejando huellas.
En la lista oficial de obras de Galicia.
Cartón con forma de T
Antoni Tàpies · Sin verificar (el Decreto de Madrid no la da)
- Estilo
- Informalismo europeo
- Técnica
- Cartón, según el título (sin verificar)
- Dónde está
- Sin verificar
- Obra que el Decreto de Madrid pone como ejemplo de informalismo europeo; no figura con ese título en la colección del Reina Sofía y no hemos podido identificarla ni verificar su fecha ni dónde está. Reconócela por lo típico de Tàpies: materiales pobres (cartón, papel, tela) y signos sencillos, como la T de su apellido, sobre superficies que parecen muros. El Reina Sofía conserva sus Improntas sobre cartón (1978).
La nombra el currículo de Madrid.
Crucifixión
Antonio Saura · 1959–1963
- Estilo
- Informalismo (grupo El Paso)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 133 × 164,6 cm
- Dónde está
- Museo Guggenheim Bilbao (versión de referencia)
- Madrid no precisa cuál de sus Crucifixiones; esta del Guggenheim Bilbao sirve de referencia. Una figura de brazos abiertos hecha con garabatos frenéticos en blanco y negro. Saura responde al Cristo crucificado de Velázquez, pero sin sentido religioso: es una imagen laica de la tragedia humana, un «viento de protesta» contra su tiempo.
La nombra el currículo de Madrid.
Sus fichas, en los temas de su época
Andalucía cita el «Informalismo europeo (Antoni Tàpies)» en el epígrafe 5.3.3; Madrid pide Cartón con forma de T y la Crucifixión de Saura; Galicia, Pintura de Tàpies; Cataluña incluye a Tàpies como arte catalán y en 2025 (reserva) pidió ordenar cronológicamente el informalismo con otros movimientos; País Vasco lo tiene en su currículo.
4La escultura: Moore, Chillida y Oteiza
La escultura de posguerra abandona la estatua tradicional: trabaja el vacío, el hueco y la relación con el espacio y el paisaje. Dos vascos, Eduardo Chillida y Jorge Oteiza, son los escultores españoles más importantes de la segunda mitad del siglo.
- Henry Moore (Reino Unido) simplifica la figura humana, sobre todo la mujer reclinada, y la perfora: los huecos son tan importantes como la masa y el cuerpo recuerda colinas y rocas.
- Chillida forja el hierro con la técnica de los herreros vascos y después trabaja la madera, el acero, el hormigón y el alabastro. Su tema es el límite entre la materia y el espacio: «el límite es el verdadero protagonista del espacio».
- Oteiza investiga la desocupación del espacio: abre los volúmenes hasta hacer esculturas vacías (Cajas metafísicas). Tras ganar el Gran Premio de la Bienal de São Paulo (1957), en 1959 dejó la escultura al dar por concluida su investigación (DB~e).
- Oteiza esculpió los apóstoles de la basílica de Aránzazu (terminados en 1968–1969) e impulsó la Escuela Vasca; muchas de sus obras públicas están en el País Vasco y Navarra.
- La escultura pública y monumental en el paisaje es otra gran aportación: el Peine del Viento de San Sebastián o el Elogio del horizonte de Gijón (Chillida, 1990).
Figura reclinada (serie)
Henry Moore · Desde 1929 (tema repetido toda su vida)
- Estilo
- Escultura moderna (abstracción orgánica)
- Técnica
- Piedra, madera, plomo o bronce según el ejemplar
- Dónde está
- Varios museos y espacios públicos (la Tate conserva varias)
- Moore repitió el tema de la mujer reclinada en piedra, madera y bronce. Simplifica el cuerpo en formas redondeadas y lo perfora: los huecos dejan pasar el aire y la luz, y la figura parece un paisaje de colinas y cuevas. Madrid no precisa cuál; la Tate tiene, por ejemplo, la Figura reclinada de 1951.
La nombra el currículo de Madrid.
Coreano
Jorge Oteiza · Primera mitad de los años cincuenta (la familia Huarte la compró en 1954)
- Estilo
- Escultura de vanguardia (etapa experimental de Oteiza)
- Técnica
- Escultura de bulto redondo; el ejemplar de Pamplona es una versión metálica de gran formato
- Dónde está
- Plaza de la Libertad, Pamplona (ejemplar en espacio público)
- Qué es: escultura de la primera etapa de Oteiza tras su regreso de América. Según el Museo Universidad de Navarra, la familia Huarte, sus mecenas, la compró poco después de conocerle en 1954. Una versión metálica de gran formato está en la plaza de la Libertad de Pamplona (Museo Oteiza).
- Análisis formal: según la imagen del examen navarro de 2025, figura vertical muy simplificada, casi abstracta, con los brazos alzados sobre la cabeza; la masa se abre en huecos para que el vacío y la luz formen parte de la obra.
- Contexto: en esos años Oteiza investigaba el tratamiento cóncavo de los volúmenes y la unidad liviana (el hiperboloide), antes de sus esculturas vacías y Cajas metafísicas de 1957–1959 (DB~e).
- Para la PAU: está en la lista de comparaciones de Navarra; en 2025 (ordinaria) salió, con identificación probable, junto al David de Miguel Ángel: compara la figura clásica, maciza e idealizada, con la escultura moderna que trabaja el vacío.
En la lista oficial de obras de Navarra. Ha salido en el examen de Navarra (2025).
El Peine del Viento
Eduardo Chillida · 1972–1977
- Estilo
- Escultura abstracta
- Técnica
- Tres esculturas de acero corten de casi 10 toneladas cada una, ancladas en las rocas; plaza de granito de Luis Peña Ganchegui
- Dónde está
- Al pie del monte Igueldo, San Sebastián
- Análisis formal: tres esculturas de acero corten clavadas en las rocas, al final de la bahía de La Concha, donde rompen las olas: brazos de metal curvados que parecen peinar el viento y el mar y que se abren hacia el horizonte. La plaza escalonada de granito rosa es obra del arquitecto Luis Peña Ganchegui (Ayuntamiento de San Sebastián).
- Concepto: Chillida trabaja el límite entre la materia y el espacio. Como en su Peine del viento I (1952, hierro forjado, Reina Sofía), los planos de metal definen un vacío que antes de la escultura era inaprensible.
- Contexto: culmina una serie que empezó en los años cincuenta (en 1969 instaló el Peine del viento IV ante la sede de la UNESCO en París) y es una de sus grandes obras públicas, junto al Elogio del horizonte de Gijón (DB~e).
- Para reconocerla: metal oxidado entre rocas y olas. Útil para el arte vasco del currículo del País Vasco y para comparar la escultura clásica con la moderna.
Sus fichas, en los temas de su época
El currículo del País Vasco incluye el arte vasco del siglo XX (Oteiza, Chillida y otros) en la función social del arte. Navarra pone obras cercanas al alumnado en las comparaciones: Coreano de Oteiza, Isabel Baquedano o Esther Ferrer.
5Vuelve la figura: Pop Art, nueva figuración e hiperrealismo
Frente a la abstracción, varios artistas vuelven a la imagen reconocible por caminos muy distintos: la publicidad y el consumo (Pop Art), el cuerpo deformado por la angustia (nueva figuración) y la representación minuciosa de la realidad (hiperrealismo).
- El Pop Art nace en Gran Bretaña (Richard Hamilton, ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?, 1956) y triunfa en EE. UU. en los sesenta.
- Toma imágenes de los medios de masas (productos, estrellas de cine, cómics, noticias), las repite con técnicas industriales como la serigrafía y usa colores planos y vivos, sin huella personal.
- Andy Warhol convierte su taller, The Factory, en una fábrica de imágenes: «Creo que alguien debería ser capaz de pintar todos mis cuadros por mí» (1963).
- Roy Lichtenstein amplía viñetas de cómic con sus tramas de puntos (Whaam!, 1963, Tate).
- Pop español: el Equipo Crónica (Valencia, 1964: Rafael Solbes y Manolo Valdés) usa tintas planas e imágenes de los medios de masas, pero con crítica social y política a la España franquista (DB~e).
- Nueva figuración: Francis Bacon deforma el cuerpo para expresar la violencia, el aislamiento y la angustia de su época (Reina Sofía).
- Hiperrealismo: reproduce la realidad con precisión casi fotográfica. En EE. UU. se pinta a partir de fotos (fotorrealismo); Antonio López pinta del natural, durante años, la ciudad, los interiores y la figura.
Díptico de Marilyn (serie Marilyn Monroe)
Andy Warhol · 1962
- Estilo
- Pop Art
- Técnica
- Tinta serigráfica, pintura acrílica, imprimación al óleo y grafito sobre dos lienzos, cada uno de 205,4 × 144,8 cm
- Dónde está
- Tate, Londres
- Análisis formal: dos lienzos con 50 imágenes iguales del rostro de Marilyn Monroe, 25 en cada uno: a la izquierda, en colores planos y chillones (pelo amarillo, sombra turquesa, labios rojos); a la derecha, en blanco y negro, con la tinta desigual que borra y emborrona la cara.
- Técnica: serigrafía sobre lienzo pintado a partir de una foto publicitaria de la película Niágara (1953). La repetición imita la producción en serie y los medios de masas.
- Significado: Warhol empezó a serigrafiar a Marilyn en agosto de 1962, recién muerta la actriz. La estrella se vuelve un producto y una máscara repetida; el contraste opone su imagen pública brillante y la cara que se va borrando (Tate).
- Para la PAU: ninguna lista precisa versión. Galicia muestra este díptico; en País Vasco (2025) salió una Marilyn de fondo turquesa; el Guggenheim Bilbao tiene Ciento cincuenta Marilyns multicolores (1979). Castilla y León la usa también para «la figura femenina como tema».
En la lista oficial de obras de Castilla y León, Galicia, Murcia y País Vasco y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Cataluña (2025) y País Vasco (2025).
Latas de sopa Campbell (Tomato soup)
Andy Warhol · 1962
- Estilo
- Pop Art
- Técnica
- Acrílico con pintura de esmalte metálico sobre lienzo; 32 lienzos de 50,8 × 40,6 cm
- Dónde está
- Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (versión de referencia)
- Navarra pide Tomato soup sin precisar versión; la de referencia es el conjunto del MoMA: 32 lienzos, uno por cada variedad que vendía la marca, iguales salvo la etiqueta. Ojo: están pintados a mano, no serigrafiados (solo la orla de flores de lis va estampada), aunque imitan la publicidad impresa. Warhol los expuso en 1962 en Los Ángeles sobre estantes, como en un supermercado: el arte como producto de consumo en serie (MoMA).
En la lista oficial de obras de Navarra.
Mao
Andy Warhol · 1972 (serie de 1972–1973)
- Estilo
- Pop Art
- Técnica
- Acrílico, tinta serigráfica y lápiz sobre lino, 448,3 × 346,7 cm
- Dónde está
- Art Institute of Chicago (versión de referencia; la serie tiene muchas)
- Análisis formal: retrato frontal gigantesco, de casi 4,5 m de alto, de Mao Zedong a partir de una fotografía oficial. Sobre la imagen serigrafiada, Warhol aplica colores chillones como si fueran maquillaje y pinceladas sueltas.
- Técnica: serigrafía y acrílico sobre lino: mezcla la reproducción mecánica de la foto con la pincelada; es el Warhol «más pictórico», según el Art Institute of Chicago.
- Significado: imita la escala de la propaganda totalitaria y el culto a la personalidad que llenaba China de imágenes de Mao, pero lo trata como a una estrella o un producto más, con la misma ironía que a Marilyn.
- Para la PAU: salió en Cataluña (2025, reserva) junto a un Augusto y un Stalin: era la imagen no propagandística, porque reproduce al personaje como un icono de consumo y, según los criterios, «no enaltece el personaje».
Ha salido en el examen de Cataluña (2025).
Estudio según el retrato del papa Inocencio X de Velázquez
Francis Bacon · 1953
- Estilo
- Nueva figuración
- Técnica
- Óleo sobre lienzo
- Dónde está
- Des Moines Art Center (Iowa, EE. UU.)
- Bacon parte del Retrato del papa Inocencio X de Velázquez, que conocía por reproducciones, y lo transforma: el papa grita, encerrado en una estructura como una jaula, y unas pinceladas verticales, como una cortina, desdibujan la figura. Es la nueva figuración: el cuerpo deformado expresa la angustia de la posguerra. Lo pide Navarra.
En la lista oficial de obras de Navarra.
Gran Vía (La Gran Vía madrileña)
Antonio López · 1974–1981
- Estilo
- Hiperrealismo (realismo madrileño)
- Técnica
- Óleo sobre tabla, 93,5 × 90,5 cm
- Dónde está
- Colección particular
- Análisis formal: vista de la Gran Vía de Madrid sin personas ni coches, a primera hora de la mañana, con una perspectiva central que lleva la mirada hasta el fondo. Edificios, rótulos y ventanas están descritos con detalle minucioso, bajo la luz fría y homogénea del amanecer.
- Proceso: la pintó del natural, en la calle, durante siete años, siempre a primera hora, para conservar la misma luz. No copia fotografías: su realismo es lento y meditado (el Museo Thyssen habla de «elaboración lenta y meditada»).
- Significado: convierte una calle cotidiana y bulliciosa en una imagen silenciosa e intemporal; la ciudad vacía invita a pensar en el paso del tiempo.
- Para la PAU: es el ejemplo de hiperrealismo en Andalucía, Castilla y León, Madrid y Navarra. Ojo con la fecha: el Decreto de Madrid escribe «en 1964» por error, y Castilla y León la llama La Gran Vía madrileña en 1974.
En la lista oficial de obras de Castilla y León y Navarra y en el currículo de Madrid.
Recién nacido
Ron Mueck · Sin precisar (el Decreto de Madrid no indica la obra)
- Estilo
- Hiperrealismo (escultura)
- Técnica
- Escultura de materiales sintéticos (sin precisar)
- Dónde está
- Sin precisar
- Ron Mueck hace esculturas hiperrealistas del cuerpo humano, con piel, venas y pelo, pero cambia su escala: bebés y personas gigantes o diminutas. Un recién nacido enorme o minúsculo nos obliga a mirar de nuevo la fragilidad del cuerpo. Madrid no precisa la obra; puede referirse a su recién nacida gigante A Girl (2006, National Galleries of Scotland, Edimburgo), de unos 5 m.
La nombra el currículo de Madrid.
Sin título
Isabel Baquedano · c. 1968 (según la guía de Navarra)
- Estilo
- Pintura española de los años sesenta
- Técnica
- Sin verificar
- Dónde está
- Sin verificar
- Obra de la pintora navarra Isabel Baquedano (Mendavia, 1929-Madrid, 2018, según su retrospectiva del Museo Universidad de Navarra; el Reina Sofía da 1936) que Navarra incluye en su lista de comparaciones (pregunta 3), dentro de su apuesta por las mujeres artistas (doce en su lista) y por el arte del entorno del alumnado. La guía de la UPNA no trae imagen y no hemos podido identificar la obra: el Reina Sofía conserva de ella un Sin título (h. 1965) y Lavavajillas (1968), de su etapa figurativa cercana al Pop.
En la lista oficial de obras de Navarra.
Sus fichas, en los temas de su época
- Imágenes de la publicidad, el cine y el cómic
- Serigrafía, tintas planas, repetición
- Actitud fría, irónica y ambigua ante el consumo
- Celebra y a la vez vacía los iconos
- Mismo lenguaje: tintas planas, imágenes reconocibles
- Cita a Velázquez, Picasso o el cómic
- Crítica social y política a la dictadura
- Trabajo colectivo y por series
Cantabria preguntó en 2025 la «temática predominante en el Hiperrealismo»: la realidad cotidiana y urbana (calles, escaparates, coches, objetos de consumo, interiores y figuras), representada con una precisión casi fotográfica y sin idealizar. En España, los paisajes urbanos de Madrid y los interiores de Antonio López.
6Op Art, arte cinético y Minimalismo
Otra línea continúa la abstracción geométrica de Mondrian y la Bauhaus: unos exploran la percepción y el movimiento (Op Art y arte cinético) y otros reducen la obra a formas simples y materiales industriales (Minimalismo).
- Op Art (arte óptico): Victor Vasarely crea con retículas de cuadrados y círculos y colores contrastados ilusiones ópticas de volumen y vibración: el cuadro es plano, pero parece hincharse o moverse.
- Arte cinético: la obra se mueve de verdad (móviles de Calder, motores, luces). En España, Eusebio Sempere hizo relieves luminosos y gouaches de líneas que vibran.
- Abstracción postpictórica: Frank Stella pinta bandas de color planas sobre lienzos recortados (shaped canvas): «lo que ves es lo que ves».
- Minimalismo (años sesenta): Donald Judd, Dan Flavin, Sol LeWitt y Carl Andre usan módulos repetidos, materiales industriales y formas geométricas simples, sin expresión personal.
- La escultura minimalista pierde el pedestal: se apoya en el suelo y el espectador la recorre. Andalucía resume así las aportaciones de la escultura de la segunda mitad del siglo XX: «la pérdida del pedestal y la instalación artística».
Vega 200
Victor Vasarely · 1968
- Estilo
- Op Art (arte óptico)
- Técnica
- Acrílico sobre lienzo
- Dónde está
- Sin verificar (el Decreto de Madrid no lo indica)
- De la serie Vega, de finales de los sesenta: una retícula de cuadrados y círculos de colores contrastados se deforma en el centro y crea la ilusión de una superficie que se hincha hacia el espectador. Es el Op Art: el cuadro es plano, pero el ojo ve volumen y movimiento. Lo pide Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
Fény
Victor Vasarely · 1973
- Estilo
- Op Art (arte óptico)
- Técnica
- Acrílico sobre lienzo, 180 × 180 cm
- Dónde está
- Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Colección Carmen Thyssen), Madrid
- Fény significa «luz» en húngaro, la lengua natal de Vasarely. Es de su serie de «estructuras universales»: repite un círculo inscrito en un cuadrado y deforma la retícula para crear un paisaje abstracto de elevaciones y depresiones, con efecto de convexidad y concavidad que evoca las galaxias (Museo Thyssen). Castilla y León la cita sin más datos; la del Thyssen es la obra con ese título en un museo español.
En la lista oficial de obras de Castilla y León.
Relieve luminoso móvil
Eusebio Sempere · 1959
- Estilo
- Arte cinético
- Técnica
- Ensamblaje de madera pintada, plástico, bombillas y motor eléctrico, 59,5 × 60 × 14 cm
- Dónde está
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
- Sempere conoció en París el arte óptico de Vasarely y fue pionero del arte cinético en España. Este relieve combina luz y tiempo: bombillas que se encienden y apagan movidas por un mecanismo de relojería y un motor. Según el Reina Sofía, no es ni pintura ni escultura.
Ctesiphon III
Frank Stella · 1968
- Estilo
- Abstracción postpictórica (serie Protractor)
- Técnica
- Pintura sobre lienzo recortado (shaped canvas)
- Dónde está
- Sin verificar (el Decreto de Madrid no lo indica)
- De la serie Protractor (transportador de ángulos), con nombres de antiguas ciudades de Oriente (Ctesifonte estaba en Mesopotamia): grandes arcos y semicírculos entrelazados de colores planos sobre lienzos recortados con esa forma. Sin gesto ni profundidad: «lo que ves es lo que ves», decía Stella.
La nombra el currículo de Madrid.
Equivalente VIII (Equivalent VIII)
Carl Andre · 1966
- Estilo
- Minimalismo
- Técnica
- 120 ladrillos refractarios, 12,7 × 68,6 × 229,2 cm
- Dónde está
- Tate, Londres
- Análisis formal: 120 ladrillos refractarios iguales, en dos capas, forman un rectángulo bajo colocado directamente en el suelo, sin pedestal ni unión entre ellos. No hay talla ni modelado: el artista no fabrica la obra, la ordena.
- Título: en 1966 Andre expuso ocho montones de 120 ladrillos con distintas disposiciones (Equivalentes I–VIII): tienen la misma altura, masa y volumen; por eso son «equivalentes» (Tate).
- Significado: obra clave del Minimalismo: materiales industriales y comunes, unidades repetidas y ningún mensaje oculto; la escultura se vuelve parte del espacio que recorre el espectador.
- Contexto: la Tate la compró en 1972 y en 1976 una campaña de prensa contra «los ladrillos de la Tate» la convirtió en símbolo del debate sobre qué es arte. La piden Madrid y Galicia.
En la lista oficial de obras de Galicia y en el currículo de Madrid.
Sus fichas, en los temas de su época
Madrid: Vega 200, Ctesiphon III y Equivalente VIII; Galicia: Equivalent VIII; Castilla y León: Fény y el «arte cinético y óptico»; Andalucía: la abstracción geométrica (Vasarely) y «el Minimalismo en la escultura del siglo XX».
7Arte conceptual, arte povera, land art y performance
Desde mediados de los sesenta muchos artistas desmaterializan la obra: importa la idea, el proceso o la acción, no un objeto bello para vender. La obra puede ser un texto, un montón de materiales, una intervención en el paisaje o el propio cuerpo del artista.
- Arte conceptual: la obra es una idea, a menudo una reflexión sobre qué es el arte, y usa palabras, fotos y documentos (Kosuth). Hereda el ready-made de Duchamp.
- Arte povera (Italia, finales de los sesenta): materiales pobres y naturales (ramas, tierra, vidrio, neón) frente a la sociedad de consumo. Mario Merz construye iglús, el arquetipo de la casa.
- Joseph Beuys (Alemania) hace acciones e instalaciones con materiales como el fieltro y la grasa y defiende la «escultura social»: todo ser humano es un artista.
- Land art: obras en la naturaleza, a menudo enormes y efímeras, que conocemos por fotos y películas (Robert Smithson, Christo, Richard Long).
- Happening: acción con parte de improvisación en la que participa el público (Allan Kaprow, finales de los cincuenta; grupo Fluxus; en España, ZAJ).
- Performance: acción preparada que el artista realiza ante el público, con el cuerpo como material; el body art lo lleva al límite (Marina Abramović, Ana Mendieta). En España destaca Esther Ferrer, de ZAJ desde 1967 y Premio Nacional de Artes Plásticas en 2008.
Una y tres sillas (One and Three Chairs)
Joseph Kosuth · 1965
- Estilo
- Arte conceptual
- Técnica
- Silla plegable de madera, fotografía de la silla y ampliación fotográfica de la definición de «silla»
- Dónde está
- Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York; otro ejemplar en el Museo Reina Sofía, Madrid
- Qué es: una fotografía de una silla a tamaño real, la silla de madera y la definición de «silla» copiada de un diccionario y ampliada, colocadas una junto a otra en la pared y el suelo.
- Significado: una de las primeras obras del arte conceptual. La misma reflexión desde tres códigos: el objeto, su representación y el lenguaje. ¿Cuál es la verdadera silla? La obra es la idea: «el arte que yo denomino conceptual lo es porque se basa en una investigación en torno a la naturaleza del arte», escribió Kosuth (Reina Sofía).
- Contexto: Kosuth no fabricó ninguno de los elementos; los eligió y combinó, como Duchamp con el ready-made. Hay varias versiones: la del MoMA, que citan Galicia y Madrid, y otra en el Reina Sofía.
- Para reconocerla: foto, silla y texto en fila.
En la lista oficial de obras de Galicia y en el currículo de Madrid.
Iglú con árbol
Mario Merz · 1968–1969
- Estilo
- Arte povera
- Técnica
- Tubos de hierro, vidrio, yeso y rama; iglú de unos 110 cm de alto y 230 cm de diámetro
- Dónde está
- Castello di Rivoli, Museo d'Arte Contemporanea, Rivoli (Turín), en depósito de la Fondazione CRT
- Una semiesfera de tubos de hierro y vidrio atravesada por una rama. Desde finales de los sesenta Merz construye iglús, el arquetipo de la casa primitiva, con estructuras metálicas y materiales pobres y naturales (ramas, piedra, vidrio, arena). Es el arte povera: materiales humildes frente al consumo y reflexión sobre naturaleza y cultura. En España, el Reina Sofía tiene su Igloo del Palacio de las Alhajas (1982).
La nombra el currículo de Madrid.
Auschwitz (Demostración)
Joseph Beuys · 1956–1964
- Estilo
- Instalación (arte de acción y objeto)
- Técnica
- Vitrina con objetos y materiales diversos
- Dónde está
- Block Beuys, Hessisches Landesmuseum, Darmstadt (Alemania)
- Vitrina con objetos gastados y materiales reunidos por Beuys entre 1956 y 1964 como reflexión sobre el Holocausto: no representa el campo de exterminio, sino que lo evoca, como un relicario de la memoria. Beuys entendía el arte como escultura social capaz de transformar la sociedad. Lo pide Madrid entre las instalaciones.
La nombra el currículo de Madrid.
Spiral Jetty (Muelle en espiral)
Robert Smithson · 1970
- Estilo
- Land art
- Técnica
- Rocas de basalto negro y tierra del lugar; espiral de unos 457 m de largo y 4,6 m de ancho
- Dónde está
- Rozel Point, Gran Lago Salado (Utah, EE. UU.); propiedad de la Dia Art Foundation
- Análisis formal: una espiral de más de 6.000 toneladas de rocas de basalto negro y tierra del lugar que entra en el lago girando en sentido contrario a las agujas del reloj. Se construyó con camiones y una pala excavadora.
- Lugar e iconografía: el Gran Lago Salado, de aguas rojizas por los microorganismos. La espiral alude a la estructura de los cristales de sal, y el basalto, a los volcanes extinguidos de la zona (Dia Art Foundation).
- Significado: obra emblemática del land art: el arte sale del museo, se funde con la naturaleza y queda sometido a la entropía y al cambio. El nivel del lago la ha cubierto durante largos periodos y hoy reaparece cuando el agua baja; la conocemos sobre todo por fotografías y por la película de Smithson.
- Para la PAU: la tiene Murcia en su lista, y en sus cuestiones pide el término land art.
En la lista oficial de obras de Murcia. Ha salido en el examen de Murcia (2025).
Siluetas (serie)
Ana Mendieta · 1973–1980
- Estilo
- Body art y land art
- Técnica
- Acciones documentadas en fotografía y película
- Dónde está
- Registros en varios museos (p. ej., Tate, Londres)
- Mendieta, cubana exiliada en EE. UU., dejó la huella de su cuerpo en la tierra, la arena, la hierba o el barro, con flores, fuego o sangre, en Iowa y en México, y la registró en fotografía y película. Une body art y land art: el cuerpo femenino vuelve a la tierra, entre la vida, la muerte y el exilio.
La nombra el currículo de Madrid.
La artista está presente (The Artist Is Present)
Marina Abramović · 2010
- Estilo
- Performance
- Técnica
- Performance de larga duración (14 de marzo-31 de mayo de 2010)
- Dónde está
- Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (atrio)
- Qué fue: durante su retrospectiva en el MoMA, Abramović permaneció sentada en silencio, inmóvil, ante una mesa en el atrio del museo durante todo el horario de apertura; los visitantes se sentaban por turnos frente a ella el tiempo que quisieran y le sostenían la mirada.
- Análisis: performance de larga duración, más de 700 horas en total, en la que el material es el cuerpo y la presencia de la artista. La obra la completa el público: cada encuentro es único e irrepetible.
- Significado: pone a prueba la resistencia física y mental y convierte la mirada en un intercambio emocional. Fue la pieza individual más larga de su carrera (MoMA).
- Contexto: Abramović lleva desde los años setenta llevando el cuerpo al límite (Ritmo 0, 1974). La retrospectiva incluyó, por primera vez en un museo, recreaciones en vivo de sus acciones antiguas por otros intérpretes (MoMA). La piden Cataluña, Madrid y Murcia.
En la lista oficial de obras de Cataluña y Murcia y en el currículo de Madrid.
Art must be beautiful, artist must be beautiful (El arte debe ser bello, la artista debe ser bella)
Marina Abramović · 1975
- Estilo
- Performance (body art)
- Técnica
- Performance registrada en vídeo y fotografía
- Dónde está
- Acción efímera (se conserva su registro)
- Abramović se cepilla el pelo con violencia, con un cepillo y un peine metálicos, mientras repite sin parar «el arte debe ser bello, la artista debe ser bella», hasta hacerse daño. Critica el ideal de belleza que se exige al arte y a las mujeres. La pide Galicia, cuya imagen orientativa es la hoja de contactos de las fotos.
En la lista oficial de obras de Galicia.
Autorretrato en el tiempo
Esther Ferrer · 1981–2014
- Estilo
- Arte conceptual y fotografía de proceso (vinculada a la performance)
- Técnica
- Conjunto de 49 fotografías, gelatinobromuro de plata sobre papel baritado, 40 × 50 cm cada una
- Dónde está
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
- Qué es: serie de fotografías en blanco y negro del rostro de Esther Ferrer, de frente, tomadas a lo largo de más de treinta años: una serie de autorretratos que la artista desarrolla desde 1981 (Reina Sofía).
- Análisis formal: la artista corta y ensambla mitades simétricas de su cara de distintas etapas de su vida: una mitad joven junto a otra mayor. Imagen sobria y frontal, sin pose ni maquillaje, como un documento.
- Significado: convierte el paso del tiempo y el envejecimiento del cuerpo en materia de la obra; frente al ideal de belleza, muestra la cara real. Es arte de proceso, ligado a la performance y a los feminismos.
- Contexto: Ferrer (San Sebastián, 1937) formó parte del grupo ZAJ (1967–1996). Navarra la comparó en 2026 con el Autorretrato como alegoría de la Pintura de Artemisia Gentileschi.
En la lista oficial de obras de Navarra. Ha salido en el examen de Navarra (2026).
Sus fichas, en los temas de su época
- Acción abierta, con improvisación y azar
- El público participa
- Mezcla de artes: música, teatro, objetos
- Años cincuenta y sesenta
- Acción planificada por el artista
- El público observa (o participa según reglas)
- El cuerpo es el material principal
- Desde los años setenta; se registra en foto y vídeo
Navarra (2026, extraordinaria) usó como fuente una noticia de 2015: una limpiadora tiró a la basura una instalación en un museo de Bolzano (Italia). Es el gran problema del arte efímero y conceptual: dónde está la obra, cómo se reconoce y cómo se conserva. Lo amplías en el Tema 28.
8Instalación, videoarte y arte actual
Desde los años setenta la instalación ocupa salas enteras y el vídeo se convierte en un medio artístico. Las mujeres artistas, casi ausentes de los museos, reclaman su lugar con el arte feminista. Y el arte sale a la calle con el grafiti y el arte urbano.
- Instalación: obra que ocupa un espacio que el espectador recorre; mezcla objetos, esculturas, luz, sonido o vídeo. Louise Bourgeois crea arañas y Celdas autobiográficas; Yayoi Kusama multiplica puntos y reflejos hasta el infinito.
- Arte feminista: Judy Chicago recupera a las mujeres olvidadas por la historia (The Dinner Party); las Guerrilla Girls (Nueva York, 1985) denuncian con carteles y máscaras de gorila la escasa presencia de mujeres en los museos. Lo amplías en el Tema 26.
- Videoarte: el coreano Nam June Paik trabaja con televisores y vídeo desde los años sesenta (Global Groove, 1973); Bill Viola graba a cámara muy lenta escenas de nacimiento, muerte y renacimiento, con agua y fuego, inspiradas en la pintura religiosa.
- Arte urbano: del grafiti neoyorquino de los setenta y ochenta (Basquiat, Keith Haring) a la plantilla de Banksy, artista anónimo británico cuyos murales critican la guerra, el poder y el consumo.
- Arte digital: imágenes, animaciones e instalaciones creadas con ordenador, internet o inteligencia artificial. Andalucía lo incluye, con el cómic, el arte urbano y el videoarte, en «el arte actual».
Mamá (Maman)
Louise Bourgeois · 1999 (ejemplar fundido en 2001)
- Estilo
- Escultura contemporánea (estilo personal; posminimalismo)
- Técnica
- Bronce, mármol y acero inoxidable, 927 × 891 × 1023 cm
- Dónde está
- Museo Guggenheim Bilbao (exterior, junto a la pasarela); hay otros ejemplares
- Análisis formal: araña gigantesca de casi 9 m de alto en bronce, acero inoxidable y mármol. Ocho patas largas y finas, como arcos góticos, sostienen un cuerpo con una bolsa de huevos de mármol: es a la vez jaula y guarida, amenaza y refugio.
- Tema e iconografía: homenaje a la madre de la artista, que reparaba tapices: como la araña, tejía y protegía, y era a la vez protectora y depredadora. La araña aparece en sus dibujos desde los años cuarenta y es central en sus esculturas de los noventa (Guggenheim Bilbao).
- Contexto: se concibió para la inauguración de la Tate Modern (2000). El ejemplar de Bilbao está junto al museo de Gehry, en la ría renovada. Bourgeois (París, 1911-Nueva York, 2010) tuvo en 1982 una gran retrospectiva en el MoMA (los criterios de Cataluña la presentan como la primera de una mujer allí, pero el MoMA ya había dedicado una a Georgia O'Keeffe en 1946).
- Para la PAU: Cataluña la comentó en 2024 (ordinaria) y la mostró con el Guggenheim en 2026; Galicia la usó en su modelo de 2025 (ejemplar de Ottawa).
En la lista oficial de obras de Cataluña y Galicia. Ha salido en el examen de Cataluña (2026) y Galicia (2025).
Celdas (serie)
Louise Bourgeois · Desde finales de los años ochenta
- Estilo
- Instalación
- Técnica
- Espacios cerrados con puertas, rejas, cristal, espejos, objetos y esculturas
- Dónde está
- Varios museos (p. ej., Celda [Ojos y espejos], 1989–1993, Tate)
- Habitaciones cerradas con puertas, rejas o cristales en las que Bourgeois coloca objetos personales, esculturas y espejos. El espectador mira dentro sin poder entrar: cada celda es un espacio de la memoria, el miedo o el dolor, ligado a su infancia. Celda (Ojos y espejos), de la Tate, es de acero, piedra caliza y vidrio.
La nombra el currículo de Madrid.
Habitaciones de espejos infinitos (serie)
Yayoi Kusama · Desde 1965
- Estilo
- Instalación
- Técnica
- Salas forradas de espejos con luces, puntos u objetos
- Dónde está
- Varios museos
- Salas cubiertas de espejos con luces, puntos o pequeñas esculturas que se reflejan hasta el infinito: quien entra se siente disuelto en un espacio sin límites. Kusama (Matsumoto, Japón, 1929), obsesionada con los puntos y las redes, creó para su exposición del Reina Sofía de 2011 Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life.
La nombra el currículo de Madrid.
The Dinner Party (La cena)
Judy Chicago · 1974–1979
- Estilo
- Instalación (arte feminista)
- Técnica
- Cerámica, porcelana y textil
- Dónde está
- Brooklyn Museum, Nueva York
- Gran mesa triangular con 39 cubiertos, cada uno dedicado a una mujer de la historia o la mitología, con un plato de cerámica pintada y un mantel bordado; el suelo lleva los nombres de otras 999 mujeres. Usa técnicas consideradas «femeninas» (bordado, porcelana): obra emblema del arte feminista. La pide Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el Met. Museum?
Guerrilla Girls · 1989
- Estilo
- Arte feminista (cartel de denuncia)
- Técnica
- Serigrafía sobre papel, 28 × 71 cm (ejemplar de la Tate)
- Dónde está
- Tate, Londres (uno de los ejemplares)
- Análisis formal: cartel horizontal de lenguaje publicitario: a la izquierda, un desnudo femenino tumbado de espaldas, la Gran odalisca de Ingres, con la cabeza cubierta por una máscara de gorila; a la derecha, la pregunta en grandes letras y un dato: menos del 5 % de los artistas de las secciones de arte moderno del Met son mujeres, pero el 85 % de los desnudos son femeninos.
- Autoría: colectivo anónimo de artistas feministas fundado en Nueva York en 1985 (el examen catalán dice 1984); actúan con máscaras de gorila y seudónimos de artistas fallecidas, como Frida Kahlo.
- Función: se diseñó como valla publicitaria; al ser rechazado, lo pusieron en los autobuses de Nueva York. Usa la publicidad para denunciar la desigualdad de género en museos y galerías (Tate).
- Para la PAU: salió en Cataluña (2026, extraordinaria), traducido como «¿Las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Museo Met?», para relacionarlo con los desnudos de Venus de Praxíteles, Tiziano y Manet.
Ha salido en el examen de Cataluña (2026).
El estanque reflejante (The Reflecting Pool)
Bill Viola · 1977–1979
- Estilo
- Videoarte
- Técnica
- Vídeo en color, sonido monoaural, 7 min
- Dónde está
- Obra en vídeo (se mostró, por ejemplo, en el Guggenheim Bilbao en 2017)
- Un hombre, el propio Viola, sale del bosque y salta hacia un estanque, pero su cuerpo queda congelado en el aire mientras el agua sigue moviéndose; luego desaparece y acaba saliendo del agua. Viola manipula el tiempo del vídeo para hablar del nacimiento, la transformación y el renacimiento. La pide Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
The Crossing (El cruce)
Bill Viola · 1996
- Estilo
- Videoarte
- Técnica
- Videoinstalación de dos canales con sonido
- Dónde está
- Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (se expuso en el Guggenheim Bilbao en 2004–2005)
- Dos vídeos proyectados en las dos caras de una gran pantalla: un hombre avanza lentamente hacia nosotros y, en una cara, lo consume el fuego; en la otra, lo arrasa una cascada de agua. A cámara lenta y con un sonido atronador, los elementos destruyen y purifican: muerte y transformación, temas centrales de Viola. La pide Murcia.
En la lista oficial de obras de Murcia.
Mártires (Tierra, Aire, Fuego, Agua) y María
Bill Viola · 2014 (*Mártires*) y 2016 (*María*)
- Estilo
- Videoarte
- Técnica
- Videoinstalaciones en color y sin sonido: Mártires, 4 pantallas verticales, 7 min; María, 3 pantallas verticales
- Dónde está
- Catedral de San Pablo, Londres (préstamo de larga duración de la Tate)
- Qué es: dos videoinstalaciones colocadas como retablos a los lados del altar mayor de la catedral de San Pablo de Londres, frente a frente, en los extremos de los pasillos sur y norte del coro.
- Iconografía: en Mártires, cuatro personas sufren el martirio de los cuatro elementos (tierra, aire, fuego y agua): al principio todo está en calma, la violencia crece y ellas resisten serenas. En María, una madre que amamanta ante una ciudad, una mujer en el desierto y una Visitación, que acaban en una Piedad inspirada en la de Miguel Ángel.
- Función: Viola quería, según recoge la catedral, que fueran a la vez «objetos estéticos de arte contemporáneo y objetos prácticos de contemplación y devoción tradicional».
- Para la PAU: está en la lista de Cataluña; en 2026 (ordinaria) pidieron el estilo de una obra de Viola: videoarte, con cámara muy lenta y referencias a la iconografía religiosa.
En la lista oficial de obras de Cataluña. Ha salido en el examen de Cataluña (2026).
Niña con globo
Banksy · 2002
- Estilo
- Arte urbano
- Técnica
- Plantilla (esténcil) y pintura en aerosol sobre muro
- Dónde está
- Londres (mural original, desaparecido)
- Mural de plantilla y spray: una niña en negro deja escapar (o intenta alcanzar) un globo rojo en forma de corazón, el único color. Imagen sencilla y ambigua sobre la pérdida y la esperanza. En 2018 una versión en lienzo se autodestruyó a medias tras subastarse en Sotheby's (El amor está en la papelera). La pide Castilla y León.
En la lista oficial de obras de Castilla y León.
Sus fichas, en los temas de su época
9Qué te piden según tu comunidad
| Comunidad | Qué entra del arte desde 1945 | Cómo ha salido (2024–2026) |
|---|---|---|
| Andalucía | Epígrafes 5.3.2–5.3.5: Minimalismo; expresionismo abstracto (Pollock), informalismo (Tàpies), abstracción geométrica (Vasarely); Pop (Warhol), nueva figuración (Bacon), hiperrealismo (Antonio López); arte actual (cómic, arte urbano, videoarte, arte digital) | Temas de desarrollo de las directrices |
| Aragón | Sin lista de obras | Uno: número 31 de Pollock en lámina (2024 y 2025, extraordinarias) |
| Asturias | Todo el arte hasta la era digital | Nada posterior a 1945 |
| Baleares | Solo vocabulario (action painting, happening) | Definición de action painting (2024 ord. y extr., 2025 ord. y extr., 2026 ord.) y de happening (2024 ord. y extr.) |
| Canarias | Solo el Guggenheim Bilbao (Tema 24) | — |
| Cantabria | Pop Art e hiperrealismo | «¿Qué es el Pop-Art?» (2025 ord.); «Temática predominante en el Hiperrealismo» (2025 extr.) |
| Castilla-La Mancha | Pop Art en el test; el currículo cita arte urbano y era digital | Test: «Estilo artístico de los años 60, que utiliza técnicas del cómic y la fotografía» = Pop-Art (modelo 2025, 2026 ord.) |
| Castilla y León | Bloque D.4: Blue Poles, Marilyn, Fény, Gran Vía, Niña con globo; abstracción, minimal, conceptual, cinético y óptico, pop, hiperrealismo, arte efímero, performance, grafiti, arte digital | Marilyn también en «la figura femenina como tema» |
| Cataluña | Lista: Maman, Número 1 de Pollock, The Artist Is Present, Martyrs and Mary; además Tàpies, Warhol y Guerrilla Girls | Maman (2024 ord.), serigrafía de Warhol (2025 ord.), Mao (2025 reserva), Viola (2026 ord.), Pollock y dripping (2026 reserva), Guerrilla Girls (2026 extr.) |
| C. Valenciana | En el currículo (segundas vanguardias) | No ha salido |
| Extremadura | «Hasta la actualidad» según la armonización | No ha salido |
| Galicia | Lista: Número 1, Pintura de Tàpies, Equivalent VIII, Una y tres sillas, Marilyn, Abramović (1975), Cindy Sherman, Maman | Maman (modelo 2025) |
| La Rioja | Arte contemporáneo en la parte 1b | No ha salido |
| Madrid | Decreto: Tàpies, Saura, Pollock, Stella, Andre, Vasarely, Warhol, Antonio López, Mueck, Kosuth, Merz, Beuys, Judy Chicago, Bourgeois, Kusama, Viola, Mendieta, Abramović y Moore | Warhol entre los artistas (2024 reserva, 2026 ord.); «Hiperrealismo» y «Pop Art» como términos (2024 extr.) |
| Murcia | Lista: La artista está presente, Spiral Jetty, The Crossing, Pollock y Warhol; vocabulario: dripping, happening, instalación, land art, performance, videoarte | Pollock en imagen (2025 extr., ejemplo 2026); «performance», «dripping» y «land art» en las cuestiones |
| Navarra | Comparaciones: Pollock, Warhol, Bacon, Baquedano, Antonio López, Esther Ferrer, Oteiza | Oteiza (2025 ord., probable); Artemisia frente a Esther Ferrer (2026 extr.) |
| País Vasco | Currículo: expresionismo abstracto, informalismo, pop, neodadaísmo y arte vasco (Oteiza, Chillida) | Marilyn de fondo turquesa en la pregunta 1 (2025 ord.) |
10Comentarios y temas resueltos
Sus fichas, en los temas de su época
Comentario resuelto: *Uno: número 31, 1950* (Pollock)
Aragón (2024, extraordinaria): «Comente la pintura de la lámina nº 4: One: number 31, (1950), de Jackson Pollock, MoMA, Nueva York. (2 puntos).»
Respuesta modelo
Uno: número 31, 1950 (One: Number 31, 1950) es un óleo y esmalte sobre lienzo de Jackson Pollock pintado en 1950 y conservado en el MoMA de Nueva York. Pertenece al expresionismo abstracto norteamericano, en concreto a la pintura de acción o action painting.
Contexto. Tras la Segunda Guerra Mundial, Nueva York sustituye a París como capital del arte; allí se habían refugiado muchos artistas europeos, entre ellos los surrealistas, cuyo automatismo influye en Pollock. La llamada Escuela de Nueva York (Pollock, De Kooning, Kline, Rothko) pinta grandes lienzos abstractos para expresar emociones y afirmar la libertad del individuo en plena Guerra Fría. Dentro de ella, la pintura de acción valora sobre todo el gesto y el proceso físico de pintar; frente a ella, Rothko y Newman desarrollan la pintura de campos de color. Este cuadro es uno de los tres grandes murales que Pollock pintó en 1950, su momento de plenitud.
Análisis formal. Es un lienzo enorme, de más de cinco metros de ancho, cubierto por una maraña de líneas entrelazadas, charcos y salpicaduras. No hay figura ni fondo, ni centro ni jerarquía: es una composición all-over, que se extiende por toda la superficie y parece continuar fuera del cuadro. Pollock trabajó con la tela en el suelo, sin caballete, moviéndose a su alrededor y dejando caer la pintura desde palos o pinceles: es el dripping o goteo. El resultado depende en parte del azar y de la gravedad, pero el ritmo de las líneas, rápido y enérgico, es el registro del movimiento del cuerpo del pintor. El cuadro no representa nada: es la huella de una acción.
Por qué puntúa. Sigue el reparto de los criterios de Aragón para este cuadro (2024 y 2025): el 50 % para situarlo a mediados del siglo XX en el expresionismo abstracto, «en concreto en la Action Painting», con una explicación general, y el otro 50 % para la descripción formal, «en especial, del goteo aleatorio de pintura producido por el dripping sobre la tela en el suelo, sin caballete».
Comentario resuelto: *Mamá* (Louise Bourgeois)
Cataluña (2024, ordinaria), opción B: «Desarrolle el esquema o el resumen de la pregunta anterior en el comentario de la obra Maman, de Louise Bourgeois. [4 puntos]» (imagen: Maman, Bilbao, Museo Guggenheim).
Respuesta modelo
Ficha y datación. Mamá (Maman) es una escultura de Louise Bourgeois de 1999; el ejemplar de Bilbao, de bronce, acero inoxidable y mármol, se fundió en 2001 y está junto al Museo Guggenheim.
Contexto histórico y cultural. Es una obra del fin de siglo: tras la caída del muro de Berlín y el final de la Guerra Fría, en plena globalización y posmodernidad. Desde la posguerra Nueva York es la capital del arte occidental, y en el arte de estos años se valoran el proceso creativo y la reflexión teórica. Los movimientos feministas reivindican a las mujeres artistas: Bourgeois, nacida en París en 1911 y afincada en Nueva York, tuvo en 1982 una gran retrospectiva en el MoMA.
Análisis formal y estilístico. Su estilo es muy personal, cercano al posminimalismo y con raíces en el surrealismo y el expresionismo abstracto. Es una escultura exenta monumental de casi 9 m: una araña gigantesca de ocho patas largas e irregulares, de bronce de pátina oscura, que sostienen un cuerpo con una bolsa de huevos de mármol. Busca el contraste de materiales y de sensaciones: ligereza y brutalidad, fragilidad y amenaza. Las patas, como arcos góticos, forman una jaula y a la vez un refugio. Forma parte de una serie de arañas de los años noventa; la primera gran Maman se presentó en la Tate Modern de Londres.
Interpretación. La araña aparece en sus dibujos desde los años cuarenta y Bourgeois trabaja por series. Es una metáfora de la madre, como dice el título: la suya restauraba tapices y era, como la araña que teje, protectora y a la vez depredadora; detrás está una infancia marcada por un padre infiel y una madre cómplice, y la influencia del psicoanálisis. La tela de araña protege los huevos y es una trampa. Es una obra emocional con una lectura feminista, que cuestiona el papel asignado a la mujer. Además, tiene una función pública y urbana: forma parte de la transformación de la ría de Bilbao con el Guggenheim, inaugurado en 1997.
Por qué puntúa. Reproduce el reparto de los criterios catalanes de 2024: datación (0,2; se admite «último cuarto o tercio del s. XX o primeros años del XXI»), cuatro rasgos de contexto (4 × 0,2), análisis formal y estilístico (2 puntos: el estilo vale 0,25 y siete características correctas, 1,75) e interpretación conceptual (tema, significado y función, 0,5 + 0,5).
Comparación resuelta: Artemisia Gentileschi y Esther Ferrer
Navarra (2026, extraordinaria), pregunta 3B.2: «Autorretrato como alegoría de la pintura, s.XVII, Artemisia Gentileschi. / Autorretrato en el tiempo s.XX, Esther Ferrer.» (comparación, 1,5 puntos).
Respuesta modelo
Las dos obras son autorretratos de mujeres artistas, pero separados por más de tres siglos y por concepciones opuestas del arte. El Autorretrato como alegoría de la Pintura de Artemisia Gentileschi es un óleo barroco del s. XVII: la pintora se representa trabajando ante el lienzo, en un escorzo dinámico, con un fuerte claroscuro de raíz caravaggista y los atributos de la alegoría de la Pintura (la cadena con la máscara de oro). Afirma con orgullo su oficio y su talento en un mundo dominado por los hombres. Autorretrato en el tiempo, de Esther Ferrer (1981–2014), es una serie fotográfica en blanco y negro dentro del arte conceptual y de proceso: Ferrer une mitades de su rostro de distintas edades, de frente y sin pose. Frente al cuadro único, idealizado y pintado a mano, la fotografía seriada y documental; frente a la imagen de la pintura como arte noble, la reflexión sobre el tiempo y el envejecimiento del cuerpo. Hay continuidad en la autoafirmación de la mujer artista, y ruptura en la técnica, en el estilo y en la idea de belleza.
Por qué puntúa. Los criterios de Navarra piden un razonamiento con las características del estilo de cada obra, con vocabulario específico, y las similitudes y diferencias (continuidad, ruptura o influencia), en unas diez líneas; se penaliza limitarse a describir lo que se ve.
Tema resuelto en esquema: la abstracción pictórica desde 1945
Andalucía (directrices 2026-27, epígrafe 5.3.3): «La abstracción pictórica: Expresionismo abstracto norteamericano, Informalismo y Abstracción geométrica.»
Respuesta modelo
1. Contexto. Posguerra y Guerra Fría; Nueva York, nueva capital del arte; exilio de artistas europeos; la abstracción como expresión de la libertad individual.
2. Expresionismo abstracto norteamericano. Action painting: Pollock, tela en el suelo, dripping, composición all-over (Uno: número 31, 1950; Número 1, 1950; Blue Poles); De Kooning (Mujeres). Pintura de campos de color: Rothko, grandes rectángulos de color para expresar emociones (Sin título, Guggenheim Bilbao); Newman.
3. Informalismo europeo. Rechazo de la forma; materia y gesto. Matérico: Tàpies (cuadros-muro, materiales pobres, signos: Pintura, 1955). Gestual: grupo El Paso (1957): Saura (Crucifixión), Millares (arpilleras), Feito, Canogar.
4. Abstracción geométrica. Op Art de Vasarely (ilusiones ópticas, serie Vega); arte cinético (Sempere en España); Stella y la abstracción postpictórica.
5. Valoración. La pintura se libera de la representación; el proceso, la materia y la percepción pasan a ser el tema; preparan el Minimalismo y el arte conceptual.
Por qué puntúa. Las directrices andaluzas piden definir «el papel del artista, los materiales y las técnicas» de cada corriente con sus creadores más representativos: Pollock, Tàpies y Vasarely. Nombra siempre una obra concreta por corriente.
Artistas clave
Conceptos clave
- Action painting
- Pintura de acción: forma de pintar del expresionismo abstracto en la que importa el gesto y el proceso físico de pintar. Baleares la define como la técnica que consiste en salpicar la superficie de un lienzo de forma espontánea y enérgica, sin esquema previo, de modo que se convierta en un «espacio de acción» (Jackson Pollock).
- Dripping
- Goteo: técnica de Pollock que consiste en dejar caer, gotear o lanzar la pintura (a menudo esmalte industrial) sobre la tela extendida en el suelo, con palos, pinceles o desde el bote. Ejemplo: Uno: número 31, 1950.
- All-over
- Composición que cubre de forma homogénea toda la superficie del cuadro, sin centro ni jerarquía, y parece continuar fuera de sus bordes. Ejemplo: las pinturas de goteo de Pollock.
- Expresionismo abstracto
- Movimiento de la Escuela de Nueva York (años cuarenta y cincuenta) que pinta grandes lienzos abstractos para expresar emociones; incluye la pintura de acción (Pollock, De Kooning) y la de campos de color (Rothko, Newman).
- Pintura de campos de color
- Color field: tendencia del expresionismo abstracto basada en grandes superficies de color, sin gesto visible, que envuelven al espectador. Ejemplo: Rothko, Sin título (1952–1953).
- Informalismo
- Abstracción europea de posguerra que rechaza la forma y la geometría y da protagonismo a la materia (informalismo matérico: Tàpies) o al gesto (El Paso: Saura, Millares).
- Pintura matérica
- Pintura en la que la materia (arena, polvo, tierra, telas, objetos) da relieve y textura a la superficie y es protagonista. Ejemplo: los cuadros-muro de Tàpies.
- Pop Art
- Estilo británico y estadounidense de finales de los cincuenta y los sesenta que toma imágenes de la sociedad de consumo y los medios de masas (publicidad, cómic, cine) y las reproduce con técnicas industriales como la serigrafía. Warhol, Lichtenstein; en España, el Equipo Crónica.
- Serigrafía
- Procedimiento de estampación en el que la tinta pasa al soporte a través de una pantalla de seda o malla con zonas obturadas; produce colores planos y compactos (Tesauros del Patrimonio Cultural de España). Es la técnica de Warhol.
- Nueva figuración
- Vuelta a la figura humana en los años cincuenta y sesenta, frente a la abstracción, con deformaciones expresivas que muestran la angustia del ser humano. Ejemplo: Francis Bacon.
- Hiperrealismo
- Tendencia que representa la realidad, sobre todo la vida cotidiana y urbana, con una precisión casi fotográfica; en EE. UU. se pinta a partir de fotografías (fotorrealismo). En España, Antonio López.
- Op Art
- Arte óptico: abstracción geométrica que crea ilusiones de movimiento, vibración o volumen mediante líneas, retículas y contrastes de color. Ejemplo: Vasarely.
- Arte cinético
- Arte que incorpora el movimiento real (motores, aire, luz) o aparente. Ejemplos: los móviles de Calder y los relieves luminosos de Sempere.
- Minimalismo
- Tendencia de los años sesenta que reduce la obra a formas geométricas simples, módulos repetidos y materiales industriales, sin expresión personal ni pedestal. Ejemplo: Equivalente VIII de Carl Andre.
- Arte conceptual
- Arte en el que la idea es más importante que el objeto o su realización; usa textos, fotos y documentos para reflexionar sobre la naturaleza del arte. Ejemplo: Una y tres sillas de Kosuth.
- Arte povera
- «Arte pobre»: movimiento italiano de finales de los sesenta que usa materiales humildes y naturales (ramas, tierra, vidrio, tela) frente a la sociedad de consumo. Ejemplo: los iglús de Mario Merz.
- Land art
- Arte de la tierra: obras realizadas en la naturaleza y con sus materiales, a menudo enormes y efímeras, que se conocen por fotografías y películas. Ejemplo: Spiral Jetty de Robert Smithson (1970).
- Happening
- Manifestación artística multidisciplinar nacida en los años cincuenta que parte de la provocación y la improvisación, con la participación espontánea del público (definición de Baleares). Ejemplos: Allan Kaprow, Fluxus y, en España, el grupo ZAJ.
- Performance
- Acción planificada que el artista realiza ante el público, con su cuerpo como material principal; queda registrada en foto o vídeo. Ejemplos: Marina Abramović, Esther Ferrer.
- Body art
- Arte del cuerpo: el cuerpo del artista es el soporte de la obra, a veces llevado al límite del dolor. Ejemplos: Abramović, las Siluetas de Ana Mendieta.
- Instalación
- Obra que ocupa un espacio y que el espectador recorre, entre el arte objetual y el conceptual, entre la escultura y la performance, y que puede incorporar palabra o imágenes en movimiento (Tesauros del Patrimonio Cultural de España). Ejemplos: las Celdas de Bourgeois.
- Videoarte
- Arte que usa el vídeo como medio principal, en monitores, proyecciones o videoinstalaciones, y explora temas como el tiempo y la percepción. Ejemplos: Nam June Paik, Bill Viola.
- Arte urbano
- Arte hecho en la calle y en espacios públicos, heredero del grafiti (inscripción, dibujo o pintura en muros, hoy sobre todo con spray, según los Tesauros). Ejemplo: Banksy.
Modo PAU
Ocho claves para reconocerlo en una lámina
- Aragón (2024, extraordinaria): «Comente la pintura de la lámina nº 4: One: number 31, (1950), de Jackson Pollock, MoMA, Nueva York. (2 puntos).» Se repitió en 2025 (extraordinaria).
- Cataluña (2024, ordinaria): «Desarrolle el esquema o el resumen de la pregunta anterior en el comentario de la obra Maman, de Louise Bourgeois. [4 puntos]»
- Cataluña (2026, reserva): «Relacione las siguientes técnicas y procedimientos artísticos del siglo XX con las obras que se reproducen a continuación. […] 1. Ready made 2. Collage 3. Dripping (degoteo) 4. Fotomontaje» (con Número 1 de Pollock).
- Cataluña (2026, extraordinaria): «Guerrilla Girls es el nombre de un colectivo de artistas feministas surgido en Nueva York en el año 1984. […] ¿Qué relaciones puede establecer entre las imágenes de la primera cuestión —y la consideración de la mujer que se desprende de ellas— y esta acción de protesta de las Guerrilla Girls? Argumente la respuesta. [1 punto]»
- Cataluña (2025, reserva): retratos de Augusto, Stalin y Mao: «b) ¿Cuál de estas imágenes no es propagandística? ¿Por qué? [0,75 puntos]» (el Mao de Warhol).
- Madrid (2026, ordinaria): «De los 5 artistas que se proponen, elija 3, explicando su época, características y obras más significativas […]: Luisa Roldán, Andy Warhol, Fra Angelico, Francesco Borromini, Frank Lloyd Wright»
- Cantabria (2025): «¿Qué es el Pop-Art? Indique el nombre de uno de sus principales representantes.» (ordinaria) y «Temática predominante en el Hiperrealismo.» (extraordinaria).
- Navarra (2026, extraordinaria): comparación de «Autorretrato como alegoría de la pintura, s.XVII, Artemisia Gentileschi» con «Autorretrato en el tiempo s.XX, Esther Ferrer».
- Action painting y dripping: la pintura de acción es una forma de entender la pintura (el gesto, el proceso); el dripping es la técnica concreta de Pollock (goteo con la tela en el suelo). Baleares define action painting como «salpicar» la tela: si te lo preguntan allí, usa esa definición.
- Los Pollock de 1950–1952: Uno: número 31, 1950 (MoMA, enorme y horizontal, 269,5 × 530,8 cm), Número 1, 1950 (Niebla de lavanda) (Washington, más pequeño, con huellas de manos) y Blue Poles (1952, Canberra, con ocho postes azules).
- Happening y performance: en el happening participa el público y hay improvisación; la performance es una acción preparada del artista, con su cuerpo como material.
- Pop americano y Equipo Crónica: el mismo lenguaje (tintas planas, imágenes de los medios), pero el Equipo Crónica añade crítica política a la dictadura; Warhol es ambiguo e irónico.
- Fecha de la Gran Vía: 1974–1981. El Decreto de Madrid dice «en 1964» por error y Castilla y León la llama La Gran Vía madrileña en 1974. Antonio López pinta del natural, no a partir de fotografías como los fotorrealistas de EE. UU.
- Mamá y Araña: Mamá (1999; Bilbao, fundida en 2001) es la gran araña de bronce, acero y mármol; Spider (Araña) (1994) es una araña anterior de hierro del Reina Sofía.
- Una y tres sillas: hay versiones en el MoMA y en el Reina Sofía (las dos de 1965). La obra es la idea, no una silla concreta.
- Instalación y videoinstalación: toda videoinstalación es una instalación, pero no al revés; en la de Bill Viola el vídeo es el elemento principal.
Ponte a prueba
Identifica la obra: espiral de rocas de basalto negro de unos 457 m de largo que entra en un lago de aguas rojizas en Utah. Di título, autor, fecha y movimiento.
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Spiral Jetty, de Robert Smithson, 1970. Land art: una obra hecha en la naturaleza y con sus materiales, sometida al cambio y a la erosión, que conocemos sobre todo por fotografías y por la película del artista. Está en Rozel Point, en el Gran Lago Salado, y pertenece a la Dia Art Foundation.
Completa (estilo Murcia): a) Una performance es… b) El … es una corriente artística donde la naturaleza es protagonista. c) La técnica de Pollock que consiste en dejar gotear la pintura sobre la tela en el suelo se llama…
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a) Una acción artística en vivo que el artista realiza ante el público, con su cuerpo como material principal. b) Land art. c) Dripping (goteo).
Cataluña (2025, reserva), adaptado: ordena cronológicamente de más antiguo a más moderno y nombra un artista de cada uno: Informalismo, Realismo, Surrealismo, Impresionismo, Romanticismo.
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1. Romanticismo (Delacroix, Géricault, Friedrich). 2. Realismo (Courbet, Martí Alsina). 3. Impresionismo (Monet). 4. Surrealismo (Dalí, Miró). 5. Informalismo (Tàpies, Dubuffet). Son los ejemplos que dan los criterios catalanes: cada acierto vale 0,10.
Cataluña (2026, reserva): relaciona cada técnica con su obra: 1. Ready made, 2. Collage, 3. Dripping, 4. Fotomontaje. Obras: A. John Heartfield, Adolf, el superhombre, traga oro y suelta tonterías (1932); B. Marcel Duchamp, Rueda de bicicleta; C. obra sin rótulo; D. Jackson Pollock, Número 1 (1950).
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A-4 (fotomontaje), B-1 (ready-made), C-2 (collage) y D-3 (dripping: la tela en el suelo y la pintura goteada sin pincel sobre la superficie).
Cataluña (2025, reserva): tres retratos de Augusto, Stalin y Mao. ¿Cuál no es propagandístico? ¿Por qué?
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El de Mao, porque es una serigrafía de Andy Warhol, artista del Pop Art americano. Warhol reproduce personajes del siglo XX como iconos, igual que objetos de consumo o marcas, y no enaltece al personaje: lo trata como una imagen más de la cultura de masas, con ironía. Las otras dos son estatuas que buscan transmitir autoridad.
Cantabria (2025): ¿Qué es el Pop-Art? Indica uno de sus principales representantes y la temática predominante del hiperrealismo.
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El Pop Art es un estilo de finales de los cincuenta y los sesenta, nacido en Gran Bretaña y desarrollado en EE. UU., que toma imágenes de la sociedad de consumo y los medios de masas (publicidad, cómic, cine, productos) y las reproduce con técnicas industriales, colores planos y repetición. Representante: Andy Warhol (o Lichtenstein). El hiperrealismo representa sobre todo la realidad cotidiana y urbana (calles, escaparates, coches, objetos, interiores y figuras) con precisión casi fotográfica.
Compara Uno: número 31, 1950 de Pollock y Sin título (1952–1953) de Rothko.
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Las dos son obras del expresionismo abstracto de la Escuela de Nueva York, de gran formato, sin figura, que buscan expresar emociones y envolver al espectador. Pollock representa la pintura de acción: tela en el suelo, dripping, líneas entrelazadas all-over, energía y movimiento; la obra es el registro de un gesto. Rothko representa la pintura de campos de color: grandes rectángulos de color de bordes difusos, sin gesto visible, que invitan a la contemplación y a una experiencia casi religiosa.
Fuentes
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ficha de Autorretrato en el tiempo (Esther Ferrer)
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ficha de One and Three Chairs (Una y tres sillas) (Kosuth)
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ficha de Peine del viento I (Chillida)
- Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, ficha de Fény (Vasarely)
- Museo Guggenheim Bilbao, ficha de Mamá (Louise Bourgeois)
- Museo Guggenheim Bilbao, ficha de Crucifixión (Antonio Saura)
- Museo Guggenheim Bilbao, ficha de Ciento cincuenta Marilyns multicolores (Warhol)
- Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, exposición Antonio López (2011), con Gran Vía
- Museo Oteiza, investigación sobre su obra pública en Pamplona (incluye Coreano, plaza de la Libertad)
- Ayuntamiento de San Sebastián, catálogo de patrimonio: Peine del Viento
- Real Academia de la Historia, DB~e: Antoni Tàpies i Puig
- Real Academia de la Historia, DB~e: Jorge de Oteiza Embil
- Real Academia de la Historia, DB~e: Eduardo Chillida Juantegui
- Tesauros del Patrimonio Cultural de España: «Instalación»
- Generalitat de Catalunya, PAU 2024, Historia del Arte: criterios de corrección, convocatoria ordinaria (Maman)
- Universidad de Zaragoza, PAU 2024, Historia del Arte, convocatoria extraordinaria: examen y criterios (Pollock)
- Museum of Modern Art, ficha de Campbell's Soup Cans (Warhol)
Imágenes: El Peine del Viento: Alvaro Galve (CC BY-SA 2.0, Wikimedia Commons)
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