Renacimiento: el Quattrocento.

El Renacimiento nace en Florencia a comienzos del s. XV. Es una república rica gracias a la banca y al comercio de lana y seda, gobernada de hecho por la familia Médici desde 1434. Los artistas dejan de verse como artesanos y se presentan como intelectuales que estudian geometría, anatomía y las ruinas de Roma.

• Humanismo: los eruditos recuperan los textos griegos y latinos y defienden la dignidad del ser humano (antropocentrismo), sin dejar de ser cristianos.
• Vuelta a la Antigüedad: órdenes clásicos, arco de medio punto, cúpula, desnudo, retrato y temas mitológicos. Brunelleschi y Donatello estudian las ruinas de Roma, según sus primeros biógrafos.
• Racionalidad y proporción: el edificio y el cuadro se construyen con un módulo y con la perspectiva lineal; la belleza es armonía matemática.
• Mecenazgo: encargan arte los gremios (Calimala, Lana, Seda), la Iglesia y las familias ricas (Médici, Rucellai) para ganar prestigio, mostrar piedad y dejar fama. Fuera de Florencia, las cortes (Urbino, Mantua) y los condotieros.
• Neoplatonismo: en tiempos de Lorenzo el Magnífico (1469–1492), Marsilio Ficino une Platón y cristianismo: la belleza del cuerpo refleja la belleza divina. Es la clave de Botticelli.

Filippo Brunelleschi, orfebre de formación, crea la arquitectura renacentista. Toma su lenguaje de Roma y del románico toscano (como el baptisterio, que los florentinos creían un templo romano) y lo ordena con un módulo: una medida que se repite y da la proporción a todo el edificio.

• Elementos: columnas de fuste liso y capitel corintio, arcos de medio punto, pilastras, entablamentos, bóvedas vaídas y cúpulas sobre pechinas.
• Bicromía: la pietra serena gris marca la estructura sobre el enlucido blanco; el espacio se lee como un dibujo geométrico.
• Espacio unitario y medible: proporciones simples, techos planos, todo se ve de un vistazo y a escala humana, frente a la verticalidad gótica.
• Inventa la perspectiva lineal a comienzos del siglo, con dos tablas hoy perdidas (el baptisterio y la plaza de la Signoria).
• Plantas: basilical de cruz latina (San Lorenzo, Santo Spirito) y central con cúpula (Sacristía Vieja; la capilla Pazzi, que se le atribuye).

Leon Battista Alberti es humanista y teórico más que constructor: dibuja el proyecto y otros dirigen la obra. Escribe De pictura (1435) y un tratado de arquitectura, De re aedificatoria (terminado hacia 1452), donde define la belleza como la armonía de las partes, a la que no se puede quitar ni añadir nada sin empeorarla.

• Aplica a fachadas cristianas los modelos romanos del arco de triunfo y del frontón de templo (Sant'Andrea de Mantua, Santa Maria Novella).
• Superpone los órdenes en una fachada civil, como en el Coliseo (Palacio Rucellai).
• Usa grandes volutas para unir la nave central, alta, con las laterales, bajas: las retoma Vignola en Il Gesù (Tema 12) y de ahí pasan al Barroco.
• Todo se proporciona con figuras y relaciones simples: el cuadrado, 1:1, 1:2.

El palacio (palazzo) es la gran novedad civil del siglo: casa, banco y escaparate del poder de una familia. El de los Médici fija un modelo que copiarán los Strozzi, los Pitti y media Europa.

• Exterior: bloque cúbico de tres plantas separadas por impostas, con almohadillado que se suaviza al subir (rústico abajo, liso arriba) y una gran cornisa clásica volada.
• Ventanas geminadas (dos vanos bajo un arco de medio punto) y bancos corridos en la base.
• Interior: un patio cuadrado con arcos de medio punto sobre columnas, como un claustro, que da luz y organiza la casa; detrás, un jardín.
• Función: vivienda, sede de la banca familiar, lugar donde se recibe a embajadores y museo privado: los Médici reúnen antigüedades, gemas, manuscritos y obras de Donatello, Uccello o Botticelli (coleccionismo).
• Mecenazgo como diferenciación social: el arte da prestigio, legitima un poder que no es oficial (los Médici no son príncipes) y muestra piedad: Cosimo paga también el convento de San Marcos y la iglesia de San Lorenzo.

La escultura va por delante de la pintura: en las primeras décadas del siglo ya recupera el bulto redondo, el desnudo, el contrapposto, el retrato y el bronce fundido a la cera perdida.

• 1401: concurso para la puerta norte del baptisterio, con el tema del Sacrificio de Isaac. Gana Ghiberti; los relieves de los dos finalistas (Ghiberti y Brunelleschi) se conservan en el Bargello.
• Ghiberti une la elegancia gótica con la perspectiva y el schiacciato en las Puertas del Paraíso.
• Donatello es el gran innovador: el San Jorge de Orsanmichele (c. 1415–1417), con el primer relieve en schiacciato en su base; el David de bronce; el Gattamelata; y la dramática Magdalena penitente de madera.
• A finales de siglo, Verrocchio (maestro de Leonardo) busca más movimiento y tensión, y el taller de los Della Robbia populariza la terracota vidriada.

Masaccio lleva a la pintura lo que Brunelleschi hizo en arquitectura y Donatello en escultura. Muere en Roma hacia 1428, con unos 26 años, pero en unos cinco años de trabajo cambia la pintura europea.

• Perspectiva lineal con un solo punto de fuga (La Trinidad): el muro parece abrirse a una capilla.
• Volumen y peso: figuras macizas, herederas de Giotto (Tema 10), modeladas por una luz que viene de una dirección, la de la ventana real de la capilla.
• Perspectiva aérea: el paisaje se vuelve más claro y difuso al alejarse (El tributo de la moneda).
• Fra Angelico, fraile dominico, une la luz clara y el oro del gótico internacional con la perspectiva. Pinta para su orden, también en el convento de San Marcos, reformado por Michelozzo con dinero de Cosimo de Médici.
• Técnicas: fresco (buon fresco) en los muros y temple sobre tabla en los retablos. El óleo llega de Flandes en la segunda mitad del siglo (Tema 10).

Tras Masaccio, los pintores investigan por caminos distintos: la geometría y la perspectiva (Uccello, Piero), la Antigüedad arqueológica y el escorzo (Mantegna) y la línea y la belleza ideal (Botticelli).

• Paolo Uccello: obsesionado con la perspectiva; caballos, armaduras y lanzas convertidos en volúmenes geométricos (La batalla de San Romano).
• Piero della Francesca: formas geométricas puras, luz clara y fría, figuras inmóviles y solemnes. Escribe un tratado de perspectiva (De prospectiva pingendi). Pinta la Leyenda de la Vera Cruz en Arezzo y trabaja para Federico de Montefeltro en Urbino.
• Andrea Mantegna: pintor de los Gonzaga en Mantua. Figuras duras como estatuas, arqueología romana, escorzos extremos y el trampantojo de la Cámara de los Esposos (1465–1474).
• Sandro Botticelli: línea ondulante y elegante, colores claros, cuerpos alargados con poco volumen, temas mitológicos de sentido neoplatónico para los Médici. En la década de 1490, con la predicación de Savonarola, su pintura se vuelve religiosa y dramática.
• Otros nombres: Filippo Lippi, Ghirlandaio (retratos de la burguesía florentina en frescos religiosos) y Perugino (maestro de Rafael).

A finales del s. XV las formas italianas empiezan a viajar al norte. Alberto Durero visita Venecia (1494–1495 y 1505–1507) y une la minuciosidad flamenca y el grabado alemán con la proporción y la perspectiva italianas.

• Eleva al artista a la categoría de intelectual: se retrata como caballero (1498, Prado) y de frente, con aire solemne, en el Autorretrato de 1500 (Múnich).
• Es el gran grabador de su tiempo: xilografías del Apocalipsis (1498) y grabados en cobre como Melancolía I (1514).
• El Prado guarda su Autorretrato de 1498 y las tablas de Adán y Eva (1507).