Goya.

Goya vive 82 años, del final del reinado de Felipe V al de Fernando VII, y trabaja para cuatro reyes: Carlos III, Carlos IV, José I (durante la guerra) y Fernando VII. Empieza como pintor de encargo al gusto de la corte y acaba pintando solo para sí mismo. Por eso las Orientaciones de Andalucía dicen que su vida y su obra «condensan los sentimientos artísticos y los aportes plásticos de la generación que vivió el tránsito entre los siglos XVIII y XIX».

• Formación: en Zaragoza, en el taller de José Luzán, y después con Francisco Bayeu, que sería su cuñado. Viaja a Italia por su cuenta (1769–1771) y en 1771 obtiene una mención en el concurso de la Academia de Parma.
• Carrera en la corte: cartones para la Real Fábrica de Tapices desde 1775, académico de San Fernando (1780), pintor del rey (1786), pintor de cámara (1789) y primer pintor de cámara (1799), el cargo más alto.
• La Ilustración: es amigo de ilustrados como Jovellanos, Moratín y Ceán Bermúdez y comparte su crítica a la superstición, la ignorancia y los privilegios, que se ve en los Caprichos.
• La sordera (1792–1793) marca un giro: pinta más por su cuenta, sin encargo. En enero de 1794 envía a la Academia de San Fernando unos cuadros de gabinete pequeños y escribe a Bernardo de Iriarte que en ellos ha podido hacer «observaciones a que regularmente no dan lugar las obras encargadas, y en que el capricho y la invención no tienen ensanches».
• La guerra (1808–1814) y la vuelta del absolutismo con Fernando VII lo vuelven pesimista: Desastres de la guerra, El 3 de mayo, Pinturas negras. En 1824 se marcha a Burdeos, donde vive con Leocadia Zorrilla y sus hijos, entre ellos la futura pintora Rosario Weiss.

Un cartón es el modelo a tamaño real que copiaban los tejedores. Goya pinta decenas para la Real Fábrica de Tapices de Madrid, fundada por Felipe V en 1721 junto a la puerta de Santa Bárbara; los tapices decoraban las estancias de los palacios reales de El Pardo y El Escorial. La mayoría de los cartones están hoy en el Prado.

• Técnica: óleo sobre lienzo, no papel. Colores claros, contornos nítidos y pocas figuras, para que los tejedores pudieran traducirlos al tapiz.
• Temas: los primeros (1775) son de caza, sobre ideas de Bayeu; desde 1776, escenas de su propia invención con la vida popular de Madrid: meriendas, bailes, juegos y ferias. Protagonistas: majos y majas y petimetres vestidos a la francesa.
• Estilo: gusto rococó (escenas amables de ocio, color claro) con composiciones ordenadas a la manera neoclásica de Mengs (pirámides, equilibrio) y tipos observados del natural, cercanos a los sainetes de Ramón de la Cruz.
• Evolución: de la alegría de El quitasol (1777) y La gallina ciega (1788) a la ironía de El pelele (1791–1792), donde el juego ya tiene una lectura moral. La Rioja comentó El quitasol en 2024 (extraordinaria) y Galicia lo ha puesto dos veces.

Goya es uno de los grandes retratistas de la historia. Su modelo es Velázquez, cuyos cuadros de la colección real copió al aguafuerte en 1778. Busca la verdad del retratado: no lo idealiza ni lo adula, y capta su carácter.

• Rasgos: fondos neutros u oscuros, figura recortada por la luz, pincelada suelta que sugiere sedas, gasas, joyas y condecoraciones con pocos toques, y gran penetración psicológica.
• Clientes: la familia real, Godoy, la alta nobleza (duques de Osuna y de Alba) y los ilustrados (Jovellanos, 1798). Con los años, también la burguesía y sus amigos, en retratos más sobrios.
• Autorretratos a lo largo de toda su vida: en La familia de Carlos IV, el de 1815 (Prado) o el Autorretrato con el doctor Arrieta (1820).
• Las Majas: La maja desnuda (1795–1800) y La maja vestida (1800–1807) eran de Godoy; la desnuda colgaba en su gabinete reservado junto a la Venus del espejo de Velázquez, el otro gran desnudo femenino de la pintura española.

En el grabado Goya es más libre que en la pintura, porque nadie se lo encarga. Usa el aguafuerte, que permite dibujar con soltura, y lo combina con el aguatinta para crear manchas de gris y negro. La Calcografía Nacional (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando) conserva 228 láminas de cobre suyas.

• Antes de las series: aguafuertes según cuadros de Velázquez de la colección real (1778) y estampas de invención propia como El agarrotado.
• Caprichos (1799): 80 estampas de sátira contra los vicios de su tiempo: matrimonios de interés, prostitución, mala educación, clero y nobleza ociosos, superstición y brujería. El anuncio de venta decía que «la censura de los errores y vicios humanos […] puede también ser objeto de la pintura». Los retiró a los pocos días, según la Calcografía Nacional por «un cambio en la situación política, adverso para las libertades», y en 1803 entregó al rey las láminas a cambio de una pensión para su hijo.
• Desastres de la guerra (1810–1815): 82 estampas sobre la violencia de los dos bandos, el hambre de Madrid y, al final, los Caprichos enfáticos contra el absolutismo. No se publicaron hasta 1863.
• Tauromaquia (1814–1816): 33 estampas sobre la historia de las corridas, los toreros famosos y las cogidas mortales. La puso a la venta el propio Goya en 1816.
• Disparates (1815–1824): 22 estampas, inacabadas, de figuras deformes y escenas absurdas, de sentido enigmático. La Academia publicó dieciocho en 1864 con el título de Proverbios.
• Litografía: en Burdeos prueba la técnica nueva en Los toros de Burdeos (1825).

El 2 de mayo de 1808 el pueblo de Madrid se levantó contra las tropas de Napoleón; esa noche y la madrugada siguiente, los franceses fusilaron a los detenidos. Empezaba la Guerra de la Independencia. En febrero de 1814, antes de que volviera Fernando VII, Goya se ofreció a la Regencia para «perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa».

• Pinta dos lienzos del mismo tamaño, pareja o díptico: la lucha del día 2 y la represión del día 3. Encargo de la Regencia continuado por Fernando VII: las facturas de los marcos (julio y noviembre de 1814), cargadas al «Quarto del rey», muestran que los pagó el rey para las salas del Palacio Real. Entraron en el Prado antes de 1834 (Gautier los vio en sus salas en 1840), pero no figuraron en su catálogo hasta 1872.
• Novedad: no hay un héroe ni una batalla ordenada, como en la pintura de historia neoclásica; el protagonista es el pueblo anónimo y lo que se ve es la violencia y el miedo de los dos bandos.
• Antecedente: los Desastres de la guerra, que estaba grabando entonces y con los que comparten figuras y gestos.
• Consecuentes: la pintura romántica de compromiso (Géricault, Delacroix: Tema 19), La ejecución de Maximiliano de Manet (1867–1869) y Masacre en Corea de Picasso (1951).
• En 1938, en plena Guerra Civil, el camión que llevaba los dos cuadros sufrió un accidente en Benicarló; el Prado los restauró en 2007–2008.

En febrero de 1819 Goya compra una casa de campo junto al Manzanares, a las afueras de Madrid: la Quinta del Sordo. Ese invierno enferma gravemente. Entre 1820 y 1823, sin encargo y para sí mismo, cubre las paredes de dos salas, en la planta baja y en la alta, con catorce pinturas: las Pinturas negras.

• Técnica: no son frescos. Pinta con óleo sobre la pared seca (el Prado dice «técnica mixta sobre revestimiento mural»), con una paleta reducida de negros, pardos, ocres y blancos, y pinceladas largas y violentas.
• Temas: mitología (Saturno, Átropos o Las Parcas), Biblia (Judith y Holofernes), brujería (El aquelarre), multitudes de caras deformes (La romería de San Isidro), violencia (Duelo a garrotazos), vejez (Dos viejos comiendo sopa) y la soledad de Perro semihundido. Junto a la entrada, Una manola: doña Leocadia Zorrilla.
• Rasgos: figuras deformadas hasta la caricatura, rostros como máscaras, espacios vacíos sin perspectiva, pesimismo: la vejez, la muerte, la locura, la sinrazón. Se discute si siguen un programa; se leen como reflejo de la España de Fernando VII y del ánimo de Goya.
• Historia: Goya regaló la casa a su nieto en 1823. En 1873 la compró el barón Émile d'Erlanger, que encargó al restaurador del Prado Salvador Martínez Cubells pasarlas a lienzo. Se expusieron en París en 1878 y Erlanger las donó al Estado en 1881. Hoy están en el Prado.
• Herencia: su deformación expresiva anticipa el Expresionismo (Tema 22) y a pintores como Solana o Francis Bacon.

En 1824, con el absolutismo restaurado y muchos amigos liberales en el exilio, Goya pide permiso al rey para tomar las aguas en Francia y se instala en Burdeos, donde también vive Moratín. Allí trabaja hasta su muerte, el 16 de abril de 1828, a los 82 años.

• Pinta retratos de amigos (Moratín, Juan Bautista de Muguiro), miniaturas sobre marfil y llena álbumes de dibujos con escenas de la calle, locos y figuras deformadas.
• Se apasiona por una técnica nueva, la litografía, y hace Los toros de Burdeos (1825), estampados por Cyprien Gaulon.
• Su paleta vuelve a aclararse: en La lechera de Burdeos la pincelada corta y el color luminoso anuncian el Impresionismo.