Cronología
- 1602Sánchez Cotán firma en Toledo el Bodegón de caza, hortalizas y frutas: nace el bodegón español
- 1616Ribera se instala en Nápoles, virreinato español, donde trabajará hasta su muerte
- 1618Velázquez pinta en Sevilla la Vieja friendo huevos
- 1623Velázquez, pintor del rey Felipe IV: se instala en la corte de Madrid
- 1629–1631Primer viaje de Velázquez a Italia: La fragua de Vulcano (1630)
- 1634–1635Decoración del Salón de Reinos del Buen Retiro: Zurbarán (Trabajos de Hércules, Defensa de Cádiz) y Velázquez (Las lanzas, retratos ecuestres)
- 1639Ribera pinta el Martirio de san Felipe
- 1656Velázquez pinta Las meninas
- 1660Murillo y Herrera el Joven fundan una academia de pintura en Sevilla; muere Velázquez
1El Siglo de Oro de la pintura española: contexto, rasgos y escuelas
En el s. XVII la Monarquía Hispánica de Felipe III, Felipe IV y Carlos II vive una profunda crisis política y económica, pero la pintura alcanza su mejor momento: es el Siglo de Oro. Los grandes clientes son la Iglesia, que aplica las normas de la Contrarreforma, y la corte, que colecciona pintura italiana y flamenca. La alta nobleza colecciona, pero casi no hay burguesía que compre cuadros, al contrario que en Holanda (lo ves en el Tema 14).
- Temas religiosos casi siempre: santos, mártires, Inmaculadas y vidas de frailes para conventos y retablos. La pintura debe conmover y enseñar la doctrina.
- Retrato para la corte; muy poca mitología y casi ningún desnudo (la Venus del espejo es una excepción). El bodegón se independiza como género.
- Naturalismo: lo sagrado se pinta con modelos de la calle, sin idealizar, rodeado de objetos reales (cestos, cacharros, telas).
- Tenebrismo en la primera mitad del siglo, por el influjo de Caravaggio (Tema 14) y de Ribera: fondos oscuros y luz dirigida.
- Hacia 1640–1650 la paleta se aclara con el ejemplo de Tiziano y Rubens (que estuvo en Madrid en 1628–1629): pincelada suelta y color. En la segunda mitad triunfa el pleno Barroco: movimiento, luz y escenografía (Murillo, Valdés Leal; en Madrid, Carreño de Miranda y Claudio Coello).
- Técnica: óleo sobre lienzo, a menudo de gran formato, para retablos, conventos y palacios.
Bodegón de caza, hortalizas y frutas
Juan Sánchez Cotán · 1602
- Estilo
- Naturalismo de principios del s. XVII (escuela toledana)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 68 × 88,2 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: un hueco de piedra, como una despensa, se abre sobre un fondo negro. Frutas, hortalizas, perdices, pajarillos y un cardo, unos apoyados en el borde y otros colgados de cuerdas, reciben una luz lateral intensa que proyecta sombras fuertes. Cada objeto, aislado y pintado con precisión, produce un efecto de trampantojo.
- Tema: naturaleza muerta sin figuras: caza y vegetales de una despensa. Está firmado y fechado en la parte inferior: «Juo sanchez cotan.f. / 1602».
- Contexto: es de la etapa toledana del pintor, que fechó casi todos sus bodegones entre 1600 y 1603, año en que dejó Toledo para hacerse cartujo (profesó en Granada en 1604). Su orden geométrico y su silencio abren el camino al bodegón español (Zurbarán, el joven Velázquez). El Prado lo compró en 1991.
- Para la PAU: no está en las listas, pero es el ejemplo de manual del origen del bodegón en España (ficha añadida).
Sus fichas, en los temas de su época
Las Orientaciones de Andalucía lo resumen así: la escuela pictórica española del Siglo de Oro tiene «dos tendencias claramente diferenciadas: el naturalismo tenebrista, ejemplificado en Francisco Zurbarán, y el realismo barroquista, representado por Diego Velázquez y Bartolomé Esteban Murillo». Si te piden tres características (Cantabria), da: temas religiosos y retrato; naturalismo y tenebrismo; evolución hacia la luz, el color y la pincelada suelta.
2José de Ribera, un español en Nápoles
José de Ribera (Játiva, 1591–Nápoles, 1652), que firmaba sus cuadros como Jusepe de Ribera y al que los italianos llamaban lo Spagnoletto, se fue muy joven a Italia y nunca volvió. En Nápoles, que pertenecía a la Monarquía Hispánica, trabajó para los virreyes, que enviaban sus cuadros a Madrid: por eso el Prado tiene la mejor colección de su obra.
- Es el gran seguidor español de Caravaggio: naturalismo crudo y tenebrismo. Pinta santos, apóstoles y filósofos con modelos populares: viejos de piel arrugada y manos nudosas.
- Su materia es espesa (pincelada pastosa): la pintura casi se puede tocar en pieles, barbas y telas.
- Temas de martirio y penitencia, como pide la Contrarreforma, y mitologías de castigo (Ticio, Ixión) para el rey.
- Desde 1632 su paleta se aclara: cielos azules y plateados y un colorido de influencia veneciana (Martirio de san Felipe, El sueño de Jacob).
- Firma con orgullo como «español», «valenciano» o «setabense» (de Játiva). Crea escuela en Nápoles, con discípulos como Salvator Rosa y Luca Giordano.
Martirio de san Felipe
José de Ribera · 1639
- Estilo
- Barroco (naturalismo tenebrista, etapa luminosa)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 234 × 234 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: formato cuadrado construido con diagonales. En el centro, el santo, de cuerpo musculoso y brazos abiertos, es izado hacia la cruz por dos verdugos que tiran de cuerdas; un tercero le sujeta la pierna. A los lados, curiosos compadecidos o indiferentes. El punto de vista bajo abre un gran cielo azul; la carne, con pasta espesa, destaca sobre las sombras.
- Tema: el martirio del apóstol Felipe, crucificado en Hierápolis. No hay gloria ni ángeles: el santo, un hombre del pueblo de mediana edad, mira al cielo con angustia, y el martirio es un espectáculo terrenal. Firmado «Jusepe de Ribera español».
- Contexto: probablemente lo encargó el duque de Medina de las Torres, virrey de Nápoles, como regalo para Felipe IV, cuyo santo patrón era Felipe. En 1666 colgaba en el Alcázar de Madrid, en la sala donde el rey daba audiencia.
- Para la PAU: listas de Castilla y León y Madrid; imagen del tema de pintura barroca española en La Rioja (2026 extraordinaria).
En la lista oficial de obras de Castilla y León y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Castilla y León (2024) y La Rioja (2026).
Ficha oficial de la obra
Ticio
José de Ribera · 1632
- Estilo
- Barroco (naturalismo tenebrista)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 227 × 301 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: un desnudo gigantesco, mayor que el natural, se retuerce encadenado con el rostro desencajado por el dolor; su cuerpo, en diagonal y en escorzo, se proyecta hacia el espectador. Un águila le desgarra el costado. Fondo oscuro, foco de luz sobre la carne y pincelada pastosa: tenebrismo en estado puro.
- Tema: el gigante Ticio, hijo de Júpiter y Elara, condenado en el Tártaro a que un águila le devore el hígado por intentar forzar a una amante de Júpiter. Firmado «Jusepe de Ribera. f. 1632».
- Función: forma serie con Ixión (Prado): son las Furias, condenados por desafiar a los dioses, tema de los palacios europeos que simbolizaba el poder de la dinastía frente a quien se le opone. Ribera conoció, probablemente por estampas, las Furias de Tiziano del Alcázar. En 1634 se compraron, por medio de Jerónimo de Villanueva, para el palacio del Buen Retiro.
- Para la PAU: Madrid (2026 ordinaria, examen coincidente) pidió definir claroscuro con una pintura de Ribera, probablemente esta.
Ha salido en el examen de Madrid (2026).
Ficha oficial de la obra
El sueño de Jacob
José de Ribera · 1639
- Estilo
- Barroco (etapa luminosa)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 179 × 233 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Jacob, pastor de ropas humildes, duerme tendido en el campo y sueña con una escala de luz por la que suben y bajan ángeles casi transparentes, mientras Dios le promete la tierra y una gran descendencia (Génesis). Detrás de Jacob, un árbol; al otro lado, la escala de luz: Ribera contrapone en diagonal los volúmenes. Paleta clara y paisaje amplio: un Ribera atípico, que llegó a atribuirse a Murillo. Lista de Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
Ficha oficial de la obra
El patizambo
José de Ribera · 1642
- Estilo
- Barroco (naturalismo)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 164 × 94 cm
- Dónde está
- Museo del Louvre, París
- Un niño mendigo con un pie deforme (el Louvre lo titula Le Pied-bot, «el pie zambo») posa de cuerpo entero y sonriente, con la muleta al hombro, ante un paisaje bajo y un cielo claro. Lleva un papel que pide limosna: «Da mihi elimosinam propter amorem Dei». Retrato digno de un marginado, con la paleta clara de su madurez. Firmado y fechado en 1642. Lista de Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
Ficha oficial de la obraEl Martirio de san Felipe se catalogó durante siglos como un martirio de san Bartolomé; en 1953 se identificó a san Felipe. Truco: a san Bartolomé lo desollaron (suele aparecer con el cuchillo); a san Felipe lo crucificaron.
3Francisco de Zurbarán, el pintor de los monjes
Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, 1598–Madrid, 1664) se formó en Sevilla y fue el pintor preferido de las órdenes religiosas (dominicos, mercedarios, cartujos, jerónimos), que le encargaban series para sus conventos. Es el gran representante del naturalismo tenebrista sevillano.
- Figuras monumentales y quietas, de volumen casi escultórico, sobre fondos oscuros; composiciones sencillas y simétricas, a veces con fallos de perspectiva.
- Maestro de las telas: hábitos blancos de frailes con pliegues quebrados que atrapan la luz.
- Detalles de naturaleza muerta de gran calidad táctil, también dentro de los cuadros religiosos, y bodegones independientes.
- Grandes series: San Pablo el Real (1626), la Merced (1628–1630), la cartuja de Jerez y la sacristía del monasterio de Guadalupe (1638–1639), con Fray Gonzalo de Illescas, y la cartuja de las Cuevas de Sevilla (hacia 1655).
- En 1634 trabaja en Madrid para el Salón de Reinos (Trabajos de Hércules y Defensa de Cádiz contra los ingleses, Prado). Su taller exporta series de santos a América, y pinta santas vestidas a la moda como Santa Casilda (Prado).
- Desde 1658 vive en Madrid; su estilo se suaviza, pero el éxito de Murillo lo deja atrás.
Bodegón con cacharros
Francisco de Zurbarán · h. 1650
- Estilo
- Barroco (naturalismo, escuela sevillana)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 46 × 84 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: cuatro recipientes alineados en friso sobre una mesa, de perfil y sin tocarse, ante un fondo oscuro: un bernegal de plata sobredorada, dos alcarrazas blancas (una llena de agua) y una botella de barro rojo (un búcaro de Indias); dos piezas descansan sobre platos de peltre. La luz lateral modela los volúmenes y hace sentir las texturas del metal, el barro y la loza.
- Tema: naturaleza muerta de objetos de uso diario, sin figuras ni alimentos. Para el Prado no encierra ningún significado simbólico evidente: Zurbarán elige los cacharros por su belleza y su neutralidad. Solo como hipótesis se ha propuesto una alusión a las santas alfareras sevillanas Justa y Rufina o un elogio del agua.
- Contexto: hay una versión casi idéntica en el MNAC de Barcelona; ambas fueron de Francesc Cambó, que donó esta al Prado en 1940.
- Para la PAU: es el «Bodegón (Museo del Prado)» de las listas de Madrid y Castilla y León; salió en Galicia (modelo 2025) para preguntar conceptos.
En la lista oficial de obras de Castilla y León y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Galicia (2025).
Ficha oficial de la obra
San Hugo en el refectorio
Francisco de Zurbarán · h. 1655
- Estilo
- Barroco (naturalismo, escuela sevillana)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 262 × 307 cm
- Dónde está
- Museo de Bellas Artes de Sevilla
- Análisis formal: composición horizontal y estática: los monjes cartujos, con sus hábitos blancos, están sentados a una mesa cubierta con un mantel blanco, y ante ellos aparecen el obispo y un paje. Figuras de volumen escultórico, rostros individualizados, luz clara y objetos de bodegón (panes, jarras y platos de loza) pintados con precisión.
- Tema: san Hugo, obispo de Grenoble, visita a san Bruno y sus seis compañeros, fundadores de la Cartuja, y ve que la carne que les habían servido se ha convertido en ceniza: el milagro justifica la abstinencia de carne de la orden.
- Contexto: es uno de los tres lienzos que pintó para la sacristía de la cartuja de Santa María de las Cuevas de Sevilla, cada uno sobre un principio de la orden (aquí, la mortificación por el ayuno); el museo lo fecha hacia 1655, aunque la fecha se discute; la composición sigue una estampa florentina. Resume la clientela monástica de Zurbarán y su religiosidad serena (ficha añadida).
Si ves un fraile de blanco, inmóvil, sobre fondo negro, con pliegues que brillan como si fueran de escayola, piensa en Zurbarán. Si son cacharros en fila sobre una mesa oscura, también. Galicia (tema 10) y Castilla y León lo piden junto a Ribera, Velázquez y Murillo.
4Diego Velázquez: claves y etapas
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 1599–Madrid, 1660) es el pintor que más sale en la PAU. Formado en Sevilla con Francisco Pacheco, desde 1623 fue pintor del rey Felipe IV y vivió el resto de su vida en la corte, con dos viajes a Italia. Libre de la clientela religiosa, pudo dedicarse al retrato, la historia y la mitología.
- Evolución técnica: del tenebrismo sevillano (colores terrosos, dibujo preciso, luz dirigida) a una pintura luminosa, de pincelada suelta y colores claros, aprendida de Tiziano, de Rubens y de Italia.
- Perspectiva aérea: pinta el aire entre las figuras: los contornos se difuminan con la distancia y el espacio parece real (Las meninas, Las hilanderas).
- Naturalismo y verdad psicológica en los retratos, también de bufones y enanos, a los que pinta con dignidad.
- Mitología humanizada: dioses con aspecto de gente corriente y fábulas tratadas como escenas cotidianas (Los borrachos, La fragua de Vulcano, Las hilanderas).
- Composiciones complejas: cuadros dentro del cuadro, espejos, lo principal al fondo y lo secundario delante.
- Ascenso social: ujier de cámara (1627), ayuda de cámara (1643), aposentador mayor de palacio (1652) y caballero de Santiago (1659). Defendía la nobleza de la pintura como arte liberal.
| Etapa | Rasgos | Obras (fecha y lugar) |
|---|---|---|
| Sevilla (1617–1623) | Naturalismo tenebrista, colores terrosos; bodegones con figuras y obras religiosas | Vieja friendo huevos (1618, Scottish National Gallery, Edimburgo); Adoración de los Reyes Magos (1619, Prado); El aguador de Sevilla (h. 1617–1623, Apsley House, Londres) |
| Primera etapa en Madrid (1623–1629) | Pintor del rey: retratos sobrios de fondo neutro; descubre la colección real (Tiziano) y trata a Rubens (1628–1629) | Felipe IV (1623, Prado); Los borrachos, o El triunfo de Baco (1628–1629, Prado), su primera mitología |
| Primer viaje a Italia (1629–1631) | Estudia a los venecianos y el clasicismo romano: desnudo, espacio claro, color más luminoso | La fragua de Vulcano (1630, Prado); La túnica de José (1630, monasterio de El Escorial) |
| Madurez en la corte (1631–1649) | Pincelada suelta, grises y platas, perspectiva aérea, paisajes luminosos. Encargos para el Buen Retiro (Salón de Reinos) y la Torre de la Parada | Cristo crucificado (h. 1632, Prado); Las lanzas o La rendición de Breda (h. 1635, Prado); Gaspar de Guzmán, conde-duque de Olivares, a caballo (h. 1636, Prado); El niño de Vallecas (1635–1645, Prado) |
| Segundo viaje a Italia (1649–1651) | Compra cuadros y vaciados de esculturas para el rey; triunfa en Roma como retratista | Retrato del papa Inocencio X (1650, Galería Doria Pamphilj, Roma); La Venus del espejo (1647–1651, National Gallery, Londres) |
| Últimos años (1651–1660) | Técnica abreviada, casi impresionista; obras complejas sobre la pintura y la monarquía | Las hilanderas o la fábula de Aracne (1655–1660, Prado); Las meninas (1656, Prado) |
Castilla-La Mancha quiere «la evolución o los rasgos principales de las diferentes etapas del artista, mencionando las obras más representativas de los diferentes periodos». Aprende al menos dos obras con fecha por etapa y une cada etapa a un rasgo técnico: tenebrismo en Sevilla, desnudo y color en Italia, pincelada suelta y perspectiva aérea en la madurez.
5Velázquez en Sevilla y en sus primeros años en Madrid
En Sevilla, el joven Velázquez pinta bodegones con figuras (escenas de cocina o de taberna en las que los objetos importan tanto como las personas) y cuadros religiosos de un naturalismo intenso. En 1623 retrata al rey y se instala en Madrid como pintor de Felipe IV; allí descubre a Tiziano en la colección real y trata a Rubens.
- Aprendizaje: unos meses con Herrera el Viejo (1609) y seis años con Pacheco (desde 1611); en 1617 obtiene licencia de pintor y en 1618 se casa con Juana Pacheco.
- Bodegones a lo divino: una escena de cocina en primer plano y un episodio religioso al fondo (Cristo en casa de Marta y María).
- En la corte pinta retratos sobrios, de cuerpo entero y fondo neutro. En 1627 gana un concurso con La expulsión de los moriscos, que se perdió en el incendio del Alcázar de 1734.
Vieja friendo huevos
Diego Velázquez · 1618
- Estilo
- Barroco (naturalismo tenebrista, etapa sevillana)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 100,5 × 119,5 cm
- Dónde está
- Scottish National Gallery, Edimburgo
- Análisis formal: en una cocina en penumbra, una anciana fríe huevos en una cazuela de barro sobre un hornillo, y un muchacho se acerca con un melón y una frasca. Luz fuerte desde la izquierda y fondo oscuro: tenebrismo. Velázquez se luce con las texturas: metal, barro vidriado, vidrio y la clara del huevo que cuaja.
- Tema: pintura de género o bodegón con figuras: los personajes, tomados del natural, no se miran ni muestran emociones, y los objetos son los verdaderos protagonistas.
- Contexto: la pintó con unos 18 o 19 años, recién terminado su aprendizaje con Pacheco, como demostración de oficio. Es el mejor ejemplo de su etapa sevillana, junto a El aguador de Sevilla.
- Para la PAU: no está en las listas, pero es la obra que mejor explica el naturalismo tenebrista del Velázquez joven (ficha añadida).
El aguador de Sevilla
Diego Velázquez · h. 1617–1623
- Estilo
- Barroco (naturalismo tenebrista, etapa sevillana)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo
- Dónde está
- Apsley House (Wellington Collection, English Heritage), Londres
- Un aguador viejo, de perfil y con capa raída, entrega a un muchacho una copa de vidrio con agua; entre ambos, un hombre bebe en la penumbra. Tenebrismo, cántaros de barro con gotas de agua que parecen reales y un gesto solemne, casi ritual. Fue de la colección real española y lo capturaron las tropas de Wellington en la batalla de Vitoria (1813) y después Fernando VII se lo regaló. Lista de Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
Ficha oficial de la obra
Los borrachos, o El triunfo de Baco
Diego Velázquez · 1628–1629
- Estilo
- Barroco (primera etapa en Madrid)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 165 × 225 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: dos mitades. A la izquierda, Baco, desnudo, de piel clara y luminosa, y un sátiro que alza una copa de cristal; a la derecha, hombres del pueblo de piel curtida y capas pardas, y un mendigo. Colores terrosos y contrastes de luz de la etapa sevillana, pero en un espacio abierto, al aire libre.
- Tema: primera mitología de Velázquez: Baco corona con hiedra, la corona de los poetas, a un joven arrodillado. Se ha leído como burla del mito clásico o como alegoría del vino, que inspira la poesía pero también trastorna.
- Contexto: el rey se la pagó en julio de 1629, justo después de la estancia de Rubens en Madrid y antes del primer viaje a Italia. Abre su costumbre de mezclar la fábula clásica con lo cotidiano.
- Para la PAU: lista de Madrid; La Rioja la puso entre las imágenes del tema de Velázquez (2026 ordinaria). El Prado la titula Los borrachos, o El triunfo de Baco.
La nombra el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de La Rioja (2026).
Ficha oficial de la obra6Velázquez: el primer viaje a Italia y la madurez en la corte
En 1629 Velázquez viaja a Italia (Génova, Venecia, Roma, Nápoles) y vuelve en 1631 con un estilo nuevo: desnudos bien construidos, espacio claro y una paleta más luminosa. En los años treinta trabaja para el nuevo palacio del Buen Retiro, que impulsa el conde-duque de Olivares.
- Para el Salón de Reinos pinta los retratos ecuestres de los reyes y del príncipe Baltasar Carlos y Las lanzas, dentro de una serie de cuadros de batallas que celebraba las victorias del reinado de Felipe IV.
- Para la Torre de la Parada, un pabellón de caza, retrata a la familia real vestida de cazadores y a bufones y enanos de palacio, con humanidad y sin burla (El niño de Vallecas).
- Su pincelada se hace ligera y suelta: de cerca, manchas; de lejos, encajes, armaduras y caballos llenos de vida.
La fragua de Vulcano
Diego Velázquez · 1630
- Estilo
- Barroco (primer viaje a Italia)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 223 × 290 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: figuras en friso dentro de una herrería. A la izquierda, Apolo, con túnica anaranjada, corona de laurel y un halo de luz; a la derecha, Vulcano y sus ayudantes, semidesnudos y de anatomía estudiada, que dejan el trabajo sorprendidos. Espacio claro y profundo y colores más luminosos que en Sevilla: es lo aprendido en Italia.
- Tema: según las Metamorfosis de Ovidio, Apolo cuenta a Vulcano que su esposa Venus le es infiel con Marte, cuya armadura se forja allí mismo. Velázquez pinta la reacción ante una noticia: gestos y miradas.
- Contexto: la pintó en Roma y en 1634 la vendió al rey para el Buen Retiro. Hace pareja con La túnica de José (El Escorial). También se ha leído como alegoría cristiana o del arte (la luz de Apolo en el taller).
- Para la PAU: comentario en la C. Valenciana (2025, julio) y en Castilla y León (2024); lista de Madrid.
La nombra el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Castilla y León (2024) y Comunidad Valenciana (2025).
Ficha oficial de la obra
Cristo crucificado
Diego Velázquez · h. 1632
- Estilo
- Barroco (madurez, influencia clasicista)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 248 × 169 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: Cristo muerto en la cruz, solo, sobre un fondo neutro oscuro, sin paisaje ni otras figuras. Cuerpo de anatomía idealizada y piel pálida, en reposo, modelado por la luz como una escultura. La cabeza cae a un lado y el pelo le tapa media cara; los pies descansan sobre un supedáneo.
- Iconografía: cuatro clavos, la fórmula que defendía su suegro Pacheco; cartela con la inscripción según el Evangelio de san Juan y llaga del costado, señal de que ya ha muerto, aunque el gesto es sereno. Su belleza responde al salmo que llama al Mesías «el más hermoso de los hijos de los hombres».
- Contexto: pintado al volver de Italia, recuerda a Guido Reni. Estaba en el convento de San Plácido de Madrid, quizá encargado por su fundador, Jerónimo de Villanueva; después fue de Godoy.
- Para la PAU: Castilla-La Mancha (2025 ordinaria) lo comparó con La Trinidad de Masaccio: devoción íntima barroca frente a la perspectiva y la arquitectura renacentistas.
Ha salido en el examen de Castilla-La Mancha (2025).
Ficha oficial de la obra
Las lanzas o La rendición de Breda
Diego Velázquez · h. 1635
- Estilo
- Barroco (madurez)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 307,3 × 371,5 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: dos grupos de soldados: a la izquierda, los holandeses, con pocas picas; a la derecha, los españoles, con un bosque de lanzas verticales que da nombre al cuadro y cierra la escena. En el centro, el gesto: dos generales y una llave. Al fondo, un amplio paisaje luminoso con humo de incendios, pintado con perspectiva aérea y pincelada suelta.
- Tema: la rendición de Breda (1625): el gobernador holandés Justino de Nassau entrega la llave de la ciudad al general genovés Ambrosio Spínola, que lo recibe con la mano en el hombro, sin humillarlo. Una victoria pintada como acto de clemencia, no como triunfo.
- Función: se pintó para el Salón de Reinos del Buen Retiro, en una serie que celebraba las victorias de Felipe IV: es propaganda de la monarquía. En la esquina inferior derecha, donde iría la firma, Velázquez pintó una hoja de papel en blanco: una forma orgullosa de afirmar su autoría.
- Para la PAU: listas de Madrid y Castilla y León; identificación en La Rioja (2025) y comparación con La ronda de noche en Castilla-La Mancha (2026 extraordinaria).
En la lista oficial de obras de Castilla y León y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Castilla-La Mancha (2026) y La Rioja (2025, 2026).
Ficha oficial de la obra
Gaspar de Guzmán, conde-duque de Olivares, a caballo
Diego Velázquez · h. 1636
- Estilo
- Barroco (madurez)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 313 × 242,5 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Retrato ecuestre del valido de Felipe IV: el caballo se alza en corveta en diagonal y el conde-duque, con armadura, banda y sombrero, se vuelve hacia el espectador con la bengala de general en la mano. Al fondo, una batalla envuelta en humo. Exalta su poder como jefe militar; lo pintó para el propio conde-duque, no para el Salón de Reinos. Goya lo grabó al aguafuerte en 1778. Lista de Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
Ficha oficial de la obraSus fichas, en los temas de su época
- Hecho histórico (1625) con dos generales reconocibles
- Encargo real para el Salón de Reinos: propaganda de la monarquía
- Composición equilibrada: dos grupos y un centro, con paisaje profundo
- Luz natural, colores claros y perspectiva aérea
- Retrato colectivo de una compañía de la milicia de Ámsterdam
- Encargo de burgueses que pagaban por aparecer
- Composición dinámica: la compañía se pone en marcha
- Claroscuro dorado con focos sobre los protagonistas
7Velázquez: el segundo viaje a Italia y los últimos años
Entre 1649 y 1651 Velázquez vuelve a Italia para comprar cuadros y vaciados de esculturas antiguas para el Alcázar. En Roma retrata al papa y entra en la Academia de San Lucas. De regreso, como aposentador mayor de palacio (1652), pinta poco, pero sus últimas obras son las más complejas: reflexiones sobre la pintura, la mirada y la monarquía.
- Técnica abreviada: pinceladas sueltas y transparentes que solo cobran forma a distancia; colores claros (rosas, grises, platas).
- Los temas parecen escenas de palacio o de taller, pero esconden fábulas mitológicas o defensas de la nobleza de la pintura.
- En 1659 consigue el hábito de caballero de Santiago; muere en Madrid en 1660, poco después de preparar la entrega de la infanta María Teresa a Luis XIV en la isla de los Faisanes.
Retrato del papa Inocencio X
Diego Velázquez · 1650
- Estilo
- Barroco (segundo viaje a Italia)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 141 × 119 cm
- Dónde está
- Galería Doria Pamphilj, Roma
- Análisis formal: el papa, sentado en un sillón, de tres cuartos y casi de tamaño natural, mira al espectador con dureza. Sinfonía de rojos: muceta, solideo, cortinaje y sillón, frente al blanco del roquete, pintado con pinceladas rápidas y transparentes. En la mano, un papel.
- Tema: Giovanni Battista Pamphilj, papa de 1644 a 1655. Velázquez no suaviza sus rasgos: rostro enrojecido, gesto desconfiado. Sigue el modelo de retrato papal sentado de Rafael y Tiziano.
- Contexto: lo pintó en Roma entre finales de 1649 y enero de 1650, cuando el papado se acercaba a la España de los Austrias. Tuvo éxito inmediato y le abrió las puertas de la Academia de San Lucas; una antigua guía inglesa atribuye a Reynolds el juicio de que era «el mejor cuadro de Roma».
- Para la PAU: Asturias (modelo 2025) lo comparó con La raya verde de Matisse para explicar la evolución del retrato. Francis Bacon pintó una serie a partir de él (Tema 25).
Ha salido en el examen de Asturias (2025).
Ficha oficial de la obra
La Venus del espejo
Diego Velázquez · 1647–1651
- Estilo
- Barroco (madurez)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 122,5 × 177 cm
- Dónde está
- National Gallery, Londres
- Desnudo femenino tendido de espaldas sobre telas de raso; Cupido sostiene un espejo en el que se refleja, borroso, el rostro de Venus. Curva suave del cuerpo, carne nacarada y pincelada suelta. Es el único desnudo femenino de Velázquez que se conserva, rarísimo en la España de la Contrarreforma. Compárala con la Venus de Urbino de Tiziano (Tema 12). Lista de Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
Ficha oficial de la obra
Las meninas
Diego Velázquez · 1656
- Estilo
- Barroco (última etapa)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 320,3 × 279,1 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: una sala del Alcázar de Madrid, el Cuarto del Príncipe, muy alta y profunda, iluminada por ventanas laterales. Delante, la infanta Margarita entre dos meninas, dos enanos y un mastín; a la izquierda, Velázquez pintando ante un gran lienzo; al fondo, un espejo y una puerta abierta a contraluz. Perspectiva aérea y pincelada suelta.
- Iconografía: las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco, los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, la dama Marcela de Ulloa y un guardadamas, y en la puerta el aposentador José Nieto. El espejo refleja a Felipe IV y Mariana de Austria, que estarían en el lugar del espectador.
- Significado: retrato de grupo que se acerca a la pintura de historia. Exalta a la infanta y a la monarquía, y la nobleza de la pintura: el pintor comparte espacio con la familia real. Y juega con las miradas del espectador.
- Para la PAU: la obra más preguntada: listas de siete comunidades; comentario en Navarra o Castilla y León; pareja con La familia de Carlos IV en Canarias y Murcia; autorretrato frente a Sofonisba en Cataluña.
En la lista oficial de obras de Canarias, Cantabria, Castilla y León, Cataluña, Navarra y País Vasco y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Baleares (2025), Canarias (2025, 2026), Cantabria (2025), Castilla-La Mancha (2025), Castilla y León (2025), Cataluña (2025, 2026), Galicia (2025), La Rioja (2026), Murcia (2026), Navarra (2026) y País Vasco (2025).
Ficha oficial de la obra
Las hilanderas o la fábula de Aracne
Diego Velázquez · 1655–1660
- Estilo
- Barroco (última etapa)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 220 × 289 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: dos espacios, como un cuadro dentro de otro. Delante, un taller de tapices en penumbra: a la izquierda, una anciana junto a una rueca que gira tan deprisa que sus radios no se ven; a la derecha, una joven de espaldas devana lana. Al fondo, en una estancia elevada y muy iluminada, unas damas ante un tapiz. Pincelada suelta y perspectiva aérea.
- Tema: la fábula de Aracne (Metamorfosis de Ovidio): la joven tejedora desafía a Palas Atenea, disfrazada de anciana. Al fondo, el desenlace: la diosa, con casco, va a castigarla convirtiéndola en araña. El tapiz copia El rapto de Europa de Tiziano, que Rubens había copiado en Madrid.
- Contexto: en 1664 el inventario de Pedro de Arce, montero de Felipe IV, lo llama «Fábula de Aracne». Habla de la nobleza de las artes y rinde homenaje a Tiziano.
- Para la PAU: listas de Cantabria, Madrid y Murcia; imagen en Andalucía (2025) y comentario en Asturias (2025 extraordinaria).
En la lista oficial de obras de Cantabria y Murcia y en el currículo de Madrid. Ha salido en el examen de Andalucía (2025, 2027) y Asturias (2025).
Ficha oficial de la obraSus fichas, en los temas de su época
Velázquez lleva en el pecho la cruz de Santiago, que no obtuvo hasta 1659. El Prado fecha el cuadro en 1656, según Palomino; algunos especialistas, como Alfonso E. Pérez Sánchez en la Real Academia de la Historia, creen que la cruz no es un añadido y retrasan la fecha. En el examen, pon 1656.
8Murillo, Valdés Leal y el pleno Barroco sevillano
En la segunda mitad del siglo, Sevilla, golpeada por la peste de 1649 y la crisis, sigue siendo la ciudad con más encargos religiosos. Allí conviven dos estilos opuestos: la dulzura de Murillo y el dramatismo de Valdés Leal, que en 1660 participan en la fundación de una academia de pintura.
- Murillo (Sevilla, 1617–1682) desdramatiza la religión: Vírgenes y santos amables, niños, escenas domésticas y una caridad cercana para un público castigado por la miseria.
- Pasa de un estilo tenebrista y sólido, cercano a Zurbarán (hacia 1640–1650), a uno vaporoso desde 1655: dibujo fluido, pincelada suelta, colores cálidos y transparentes y fondos dorados.
- Temas: Inmaculadas (Sevilla defendía con pasión esta creencia), Sagradas Familias, santos franciscanos y niños de la calle, que acabaron en colecciones del norte de Europa.
- Grandes series: el claustro chico de San Francisco (1646) y, entre 1665 y 1670, los Capuchinos y el Hospital de la Caridad de Sevilla.
- Valdés Leal (Sevilla, 1622–1690) prefiere el movimiento, los gestos crispados y una pincelada nerviosa. Su fama de pintor macabro viene de las Postrimerías, pero sus ideas eran de Miguel de Mañara (Real Academia de la Historia).
- Alonso Cano (Granada, 1601–1667), compañero de Velázquez con Pacheco, pinta con un clasicismo elegante en Sevilla, Madrid y Granada; como escultor lo ves en el Tema 15.
La Inmaculada de El Escorial
Bartolomé Esteban Murillo · h. 1665
- Estilo
- Barroco (pleno Barroco sevillano)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 206 × 144 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Análisis formal: la Virgen, muy joven, de pie sobre la luna, adelanta una rodilla y mira al cielo; el manto azul se agita. La rodea un fondo dorado con angelitos y nubes. Contornos suaves, pincelada vaporosa y colores cálidos: el estilo maduro de Murillo.
- Iconografía: la Inmaculada Concepción, la Virgen concebida sin pecado original. Murillo sigue a Pacheco en el color de las ropas y la luna a los pies, pero reduce los demás símbolos y le cubre los pies por decoro. La composición recuerda a la Inmaculada de Guido Reni.
- Contexto: Sevilla era la gran defensora de esta creencia, y Murillo pintó muchas versiones, variando un mismo modelo para no repetirse. Se llama «de El Escorial» porque hacia 1787 colgaba en la Casita del Príncipe de El Escorial, tras comprarla, probablemente en Sevilla, el futuro Carlos IV.
- Para la PAU: lista de Castilla y León. La Rioja (2026 extraordinaria) usó una Inmaculada de Murillo, sin precisar cuál, en el tema de pintura barroca española.
En la lista oficial de obras de Castilla y León. Ha salido en el examen de La Rioja (2026).
Ficha oficial de la obra
Sagrada Familia del pajarito
Bartolomé Esteban Murillo · h. 1650
- Estilo
- Barroco (primera etapa de Murillo)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 144 × 188 cm
- Dónde está
- Museo Nacional del Prado, Madrid
- Escena doméstica en un hogar humilde: el Niño, junto a san José, levanta un pajarito ante un perrito que lo mira; la Virgen, en segundo término, devana lana. San José, padre cariñoso y protagonista, refleja el auge de su culto. Modelado firme, luz selectiva y gama de colores contenida: obra temprana. Lista de Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
Ficha oficial de la obra
Niños jugando a los dados
Bartolomé Esteban Murillo · h. 1675–1680
- Estilo
- Barroco (pintura de género, última etapa de Murillo)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 146 × 108,5 cm
- Dónde está
- Alte Pinakothek, Múnich
- Dos niños pobres juegan a los dados al aire libre (quizá uno esconde un segundo dado) mientras un tercero, de pie, come pan absorto. Al usar niños, Murillo quita la carga moral que el tema del juego tenía en los caravaggistas. Luz clara y pincelada suelta. Lo compró el elector de Baviera en 1698; hoy no está expuesto. Lista de Madrid.
La nombra el currículo de Madrid.
Ficha oficial de la obra
Niños comiendo uvas y melón
Bartolomé Esteban Murillo · 1645
- Estilo
- Barroco (pintura de género, primera etapa de Murillo)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo, 145,9 × 103,6 cm
- Dónde está
- Alte Pinakothek, Múnich
- Dos niños descalzos y harapientos, sentados en un rincón, comen uvas y un melón con avidez. Fuerte contraste de luz y sombra, heredado de los bodegones del joven Velázquez. Es una de las primeras escenas profanas de niños de Murillo, el género que le dio fama en toda Europa (ficha añadida).
In ictu oculi
Juan de Valdés Leal · h. 1670–1672
- Estilo
- Barroco (pleno Barroco sevillano)
- Técnica
- Óleo sobre lienzo
- Dónde está
- Iglesia del Hospital de la Santa Caridad, Sevilla
- Análisis formal: un esqueleto apaga de un manotazo la vela de la vida mientras pisa un globo terráqueo. A sus pies se amontonan los símbolos del poder, la gloria y la riqueza: corona, tiara, cetro, libros. Composición en diagonal, fondo oscuro y pincelada nerviosa.
- Tema: una vanitas o jeroglífico de las postrimerías: la muerte llega «en un abrir y cerrar de ojos» (in ictu oculi) y vuelve inútiles los bienes del mundo. Su pareja, Finis gloriae mundi, muestra una cripta con cadáveres y una balanza sostenida por la mano de Cristo.
- Contexto: las ideas no son del pintor sino de Miguel de Mañara, hermano mayor de la Santa Caridad: solo se salva quien renuncia a los bienes terrenales y practica la caridad, tema de los lienzos de Murillo en la misma iglesia (ficha añadida).
Sus fichas, en los temas de su época
- Religiosidad amable y tierna
- Dibujo suave, pincelada vaporosa, colores cálidos
- Composiciones serenas y equilibradas
- Inmaculadas, Sagradas Familias, niños
- Religiosidad dramática y moralizante
- Pincelada nerviosa, gestos crispados
- Composiciones dinámicas, en diagonal
- Vanitas y postrimerías, asunciones aparatosas
9Qué te piden según tu comunidad
| Comunidad | Qué entra de la pintura barroca española | Cómo ha salido (2024–2026) |
|---|---|---|
| Andalucía | Tema 4.2.6: «La pintura barroca en España: Zurbarán, Velázquez y Murillo» (Ribera no se cita) | Imagen de Las hilanderas (2025 ordinaria y modelo 2027) |
| Aragón | Sin lista de obras | Láminas de Murillo (Sagrada Familia del pajarito) y Velázquez (Las hilanderas) en 2024; nada en 2025–2026 |
| Asturias | Todo el temario, sin lista | Inocencio X frente a La raya verde de Matisse (modelo 2025); Las hilanderas (2025 extraordinaria) |
| Baleares | Temas 11 (pintura barroca en España) y 12 (Velázquez) del anexo oficial; desde 2025 no hay tema de desarrollo: delimitan las preguntas cortas sobre imágenes de la P2 | Las meninas sin título (2025 extraordinaria) |
| Canarias | Pareja 5: Las meninas / La familia de Carlos IV; conceptos tenebrismo y naturaleza muerta | La pareja salió en 5 de 6 pruebas de 2025–2026; tenebrismo en el test (2026 ordinaria y extraordinaria) |
| Cantabria | Las meninas, Las hilanderas; preguntas cortas sobre características y escuelas de la pintura española del s. XVII | Las meninas (2025 ordinaria); «tres características» (2025 y 2026 extraordinaria) |
| Castilla-La Mancha | Velázquez (tema, comentario y comparación) | Tema «La pintura barroca española: Velázquez» (2025 extraordinaria); Las meninas (modelo 2025); La Trinidad / Cristo crucificado (2025 ordinaria); Las lanzas / La ronda de noche (2026 extraordinaria) |
| Castilla y León | Lista: Martirio de san Felipe, bodegón de Zurbarán del Prado, La rendición de Breda, Las meninas, La Inmaculada de El Escorial | Las meninas (modelo 2025-2026 y 2025 extraordinaria); La fragua y Martirio (2024 extraordinaria) |
| Cataluña | Solo Las meninas (lista oficial) | Autorretratos de Sofonisba y Velázquez (modelo 2025 y 2026 reserva); imagen de apoyo en 2026 extraordinaria |
| C. Valenciana | Comentario y pregunta de función (apartado 3) | La fragua de Vulcano (2025, julio); función y simbolismo de la pintura del barroco español (2026, julio, examen de solapamiento) |
| Extremadura | Sin lista; no ha salido | Nada en 2024–2026 |
| Galicia | Tema 10 de artículo: Ribera, Velázquez, Zurbarán y Murillo | Las meninas y un bodegón de Zurbarán como imágenes para conceptos (modelo 2025) |
| La Rioja | Tema de Edad Moderna (parte 4) e identificación | Identificar Las lanzas (2025); temas de Velázquez (2026 ordinaria) y de pintura barroca española (2026 extraordinaria) |
| Madrid | Lista de 14 obras: 3 de Ribera, 1 bodegón de Zurbarán, 8 de Velázquez y 2 de Murillo | Tema «Diego Velázquez» (2025 ordinaria); Velázquez entre los artistas de la P3 (modelo 2026-2027); Murillo (2024 ordinaria) |
| Murcia | Lámina Las hilanderas; comparativa 4: Las meninas / La familia de Carlos IV | Comparativa (2026 extraordinaria); bodegón, autorretrato y tenebrismo en el bloque de conceptos |
| Navarra | Las meninas (lista de 11 obras para comentar) | Las meninas sin nombre (2026 extraordinaria) |
| País Vasco | Las meninas | Imagen de la pregunta 3 (2025 ordinaria) |
10Comentarios y temas resueltos
Comentario resuelto: *Las meninas* (Navarra)
Navarra (2026 extraordinaria), 2.ª pregunta (2 puntos): «Realizar el comentario de una obra de arte. Elegir una, A o B.» Guion orientativo: «Identificar la obra e indicar título, siglo y autor/a cuando lo tenga. Contexto histórico. Análisis formal […] Escultura/pintura; tipología, tema (aspectos iconográficos), tratamiento de formas, composición, espacio, aspectos técnicos (color, luz, material de dibujo, tratamiento superficies etc.) Función, significado. Valoración personal.» La opción B era Las meninas, sin título.
Respuesta modelo
Identificación. Es Las meninas, de Diego Velázquez, pintada en 1656 (s. XVII). Óleo sobre lienzo de gran formato (320,3 × 279,1 cm), en el Museo Nacional del Prado. Barroco español, última etapa del pintor.
Contexto histórico. Reina Felipe IV. La Monarquía Hispánica está en crisis (guerra con Francia, rebeliones de 1640), pero la corte es un gran centro artístico. Velázquez es pintor del rey desde 1623 y aposentador mayor de palacio desde 1652; ha viajado dos veces a Italia y aspira a ser caballero de Santiago, lo que logrará en 1659.
Análisis formal. Es un retrato de grupo en una sala del Alcázar de Madrid. En primer plano, la infanta Margarita, vestida de blanco, ocupa el centro entre dos meninas que la atienden; a la derecha, los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, que azuza con el pie a un mastín. A la izquierda, Velázquez se autorretrata con la paleta ante un gran lienzo del que solo vemos el reverso. Detrás, una dama y un guardadamas en penumbra; al fondo, el aposentador José Nieto en una puerta abierta a contraluz y un espejo que refleja a Felipe IV y Mariana de Austria. El espacio es profundo y muy alto: la mitad superior es pared y techo en sombra. La luz entra por las ventanas de la derecha y alterna zonas iluminadas y oscuras que crean planos sucesivos. Con la perspectiva aérea, Velázquez pinta el aire entre las figuras: los contornos se difuminan con la distancia. La pincelada suelta, manchas que de cerca no dibujan nada, construye vestidos, cabellos y reflejos; dominan los grises, negros y blancos, con toques de rojo.
Función y significado. No es un retrato oficial al uso: se acerca a la pintura de historia y es un juego de miradas. Los reyes, reflejados en el espejo, estarían donde está el espectador, y varias figuras nos miran. Exalta a la familia real y, a la vez, la nobleza de la pintura: el pintor se presenta junto a la infanta como un cortesano más, y la cruz de Santiago de su pecho proclama su ennoblecimiento.
Valoración personal. Me parece una obra maestra porque convierte una escena aparentemente casual en una reflexión sobre la pintura y sobre quién mira a quién. Su influencia es enorme: Goya la tuvo presente en La familia de Carlos IV y Picasso le dedicó una serie de variaciones en 1957. Es una pieza clave del patrimonio español y del Prado.
Por qué puntúa. Sigue el reparto de los criterios de Navarra para el curso 2025-2026: contexto histórico hasta 0,5; análisis formal hasta 1; valoración (función, significado y juicio personal razonado) hasta 0,5. La identificación (título, siglo y autor) va al principio porque en 2026 la imagen salía sin nombre.
Comentario resuelto: *Las hilanderas* (Asturias)
Asturias (2025 extraordinaria), pregunta 5 (2 puntos), con la imagen de Las hilanderas: «a) Clasificación de la obra: Título. Autor. Movimiento Artístico. Cronología. b) Analiza la obra desde el punto de vista formal y explica la temática que representa. c) Cita alguna obra más de este autor con temática de este tipo.»
Respuesta modelo
a) Las hilanderas o la fábula de Aracne, de Diego Velázquez. Barroco español. Entre 1655 y 1660, última etapa del pintor (Museo Nacional del Prado).
b) Óleo sobre lienzo de gran formato. La composición se organiza en dos planos, como un cuadro dentro de otro. En primer plano, un taller de tapices en penumbra: a la izquierda, una anciana hila junto a una rueca cuyos radios giran tan deprisa que se vuelven transparentes; a la derecha, una joven de espaldas devana una madeja. Son figuras de gran realismo que dirigen la vista hacia el fondo. Entre los dos planos, una zona de penumbra con una trabajadora a contraluz. Al fondo, en una estancia elevada e inundada de luz, unas damas vestidas a la moda contemplan un tapiz, ante el que una figura con casco alza el brazo. Velázquez combina pinceladas densas, sueltas y muy ligeras que deshacen las formas y crean una atmósfera velada: es la perspectiva aérea. Dominan ocres, rojos, pardos, azules y grises.
El tema parece una escena de género, pero es una fábula mitológica de las Metamorfosis de Ovidio: la joven Aracne, orgullosa de su arte, desafía a Palas Atenea, que se presenta disfrazada de anciana. Al fondo vemos el desenlace: Aracne ha tejido El rapto de Europa, copia del cuadro de Tiziano, y la diosa, ya con casco, va a castigarla convirtiéndola en araña. Lo confirma el inventario de Pedro de Arce (1664), que lo llama «Fábula de Aracne». Velázquez esconde lo esencial al fondo, como gusta al Barroco, y reflexiona sobre la nobleza de las artes a la vez que rinde homenaje a Tiziano.
c) Otras obras mitológicas de Velázquez: Los borrachos, o El triunfo de Baco (1628–1629), La fragua de Vulcano (1630), Marte y Mercurio y Argos (Prado) y La Venus del espejo (National Gallery, Londres).
Por qué puntúa. Sigue el reparto de los criterios de Asturias: a) 0,5; b) 1; c) 0,5. La respuesta oficial valora exactamente estos puntos: el «cuadro dentro de otro», la escena de género delante y lo esencial al fondo, la variedad de pinceladas y la atmósfera velada, Aracne de espaldas y Atenea disfrazada de anciana, y en c) La fragua, Los borrachos, Marte, Mercurio y Argos o La Venus del espejo.
Comparación resuelta: *Las meninas* y *La familia de Carlos IV* (Canarias)
Canarias (2026 ordinaria), parte práctica, pareja Las meninas / La familia de Carlos IV (3 puntos). Criterios: «Nombre, autor, cronología y estilo (0.1 puntos por cada ítem en cada una de las imágenes a comparar). Total del apartado: 0.80 puntos.» y «Desarrollo comparativo de las obras a nivel formal, técnico, temático, estético, compositivo, material, … Total del apartado: 2.2 puntos.»
Respuesta modelo
Identificación. Imagen 1: Las meninas, Diego Velázquez, 1656, Barroco. Imagen 2: La familia de Carlos IV, Francisco de Goya, 1800, entre el Neoclasicismo y el Romanticismo. Las dos están en el Museo Nacional del Prado.
Semejanzas. Son retratos colectivos de la familia real española pintados por el pintor del rey, óleos sobre lienzo de gran formato. En los dos el pintor se autorretrata a la izquierda, ante un gran lienzo del que vemos el reverso: Goya cita a Velázquez de forma consciente. Ambos usan una pincelada suelta (de cerca, manchas; de lejos, telas, joyas y cabellos) y un naturalismo que no idealiza los rostros.
Diferencias. 1) Composición y espacio: Velázquez crea un espacio profundo y alto, con figuras en varios planos, puerta y espejo al fondo y perspectiva aérea; Goya coloca a las figuras en friso, en un espacio poco profundo cerrado por dos cuadros. 2) Los reyes: en Las meninas están fuera del cuadro, solo reflejados en el espejo, y el centro es la infanta; en Goya, Carlos IV y María Luisa están dentro y en el centro, con la reina como eje. 3) Luz y color: Velázquez usa la luz natural de unas ventanas y una gama sobria de grises, negros y blancos; Goya, una luz lateral que hace brillar sedas, joyas y bandas. 4) Relación entre las figuras: en Las meninas actúan y se relacionan (una menina ofrece agua a la infanta); en Goya posan aisladas, sin acción. 5) Significado: Velázquez exalta a la infanta y la nobleza de la pintura y juega con la mirada del espectador; Goya hace un retrato dinástico tras la Revolución Francesa, con una verdad tan directa que se ha discutido si es crítico con la familia real.
Conclusión. Goya admira y reinterpreta a Velázquez: del espacio barroco envolvente pasa a un friso cerrado, casi plano, que anuncia la pintura contemporánea.
Por qué puntúa. Reparto de Canarias: 0,8 por identificar (título, autor, fecha y estilo de cada obra, 0,1 cada dato) y 2,2 por el desarrollo comparativo. Por eso la identificación va aparte y la comparación se ordena por aspectos. La misma pareja es la comparativa 4 de Murcia (2026 extraordinaria), donde se da 0,5 por identificar y 1,5 por relacionar. La ficha de Goya está en el Tema 18.
Tema resuelto en esquema: la pintura barroca española, Velázquez
Castilla-La Mancha (2025 extraordinaria), segunda parte (3,5 puntos): «La pintura barroca española: Velázquez.» El corrector valora «una alusión a unas breves características generales de la pintura barroca y de la producción del autor (temática, técnica, estilo, …)» y que se explique «la evolución o los rasgos principales de las diferentes etapas del artista, mencionando las obras más representativas de los diferentes periodos».
Respuesta modelo
1. La pintura barroca española. S. XVII, Siglo de Oro en plena crisis de la Monarquía. Clientes: la Iglesia de la Contrarreforma y la corte. Temas religiosos y retrato; poca mitología y casi ningún desnudo. Naturalismo y tenebrismo de origen caravaggesco que evolucionan hacia la luz, el color y la pincelada suelta. Escuelas sevillana (Zurbarán, Murillo) y madrileña; Ribera en Nápoles.
2. Velázquez (Sevilla, 1599–Madrid, 1660). Discípulo de Pacheco; pintor del rey desde 1623; dos viajes a Italia; aposentador mayor (1652) y caballero de Santiago (1659). Temática: retrato (familia real, corte, bufones), historia, mitología humanizada y pocos temas religiosos. Técnica y estilo: del tenebrismo a la pincelada suelta, la perspectiva aérea y el color veneciano; naturalismo y verdad psicológica; composiciones complejas.
3. Etapas y obras. Sevilla (1617–1623): bodegones con figuras y naturalismo tenebrista: Vieja friendo huevos (1618), Adoración de los Reyes Magos (1619), El aguador de Sevilla. Primeros años en Madrid (1623–1629): retratos de fondo neutro; Los borrachos (1628–1629), su primera mitología. Primer viaje a Italia (1629–1631): desnudo, espacio y color claro: La fragua de Vulcano (1630), La túnica de José. Madurez (1631–1649): Buen Retiro y Torre de la Parada: Cristo crucificado (h. 1632), Las lanzas (h. 1635), El conde-duque de Olivares a caballo (h. 1636), retratos de bufones. Segundo viaje a Italia (1649–1651): Inocencio X (1650); La Venus del espejo. Últimos años (1651–1660): Las hilanderas (1655–1660) y Las meninas (1656), cumbre de la perspectiva aérea y de la reflexión sobre la pintura.
4. Conclusión. Velázquez lleva el naturalismo barroco a su máxima libertad técnica; Goya, Manet y Picasso lo tomaron como modelo.
Por qué puntúa. Castilla-La Mancha da 3,5 puntos al tema y mira tres cosas: un marco breve de la pintura barroca española, la producción del autor (temática, técnica, estilo) y las etapas con sus obras. El mismo esquema sirve para La Rioja (2026 ordinaria: «Describe las características y evolución de la pintura de Velázquez a través de algunas de sus obras más significativas»), Madrid (2025 ordinaria: 1 punto por características y 1 por artistas y obras) y, para preguntas cortas sobre una imagen, el tema 12 de Baleares.
Artistas clave
Conceptos clave
- Naturalismo
- Tendencia que representa la realidad tal como se ve, sin idealizarla. En la pintura española del s. XVII: santos y apóstoles con rostros de gente corriente y objetos pintados con exactitud (Ribera, Zurbarán, el joven Velázquez).
- Tenebrismo
- Recurso pictórico que intensifica el dramatismo mediante contrastes extremos de luz y sombra: fondo casi negro y un foco de luz dirigida que recorta las figuras. Llega de Caravaggio; en España, Ribera, Zurbarán y el Velázquez sevillano.
- Claroscuro
- Técnica pictórica que contrasta luces y sombras para modelar el volumen y destacar las partes iluminadas sobre un fondo oscuro. Madrid (2026, examen coincidente) lo preguntó con una pintura de Ribera, probablemente Ticio.
- Bodegón o naturaleza muerta
- Género pictórico que representa objetos inanimados: frutas, hortalizas, animales muertos, cacharros u objetos cotidianos. En España se independiza con Sánchez Cotán y Zurbarán (Bodegón con cacharros). Canarias y Galicia lo llaman también «naturaleza muerta».
- Pintura de género
- Género pictórico que representa escenas de la vida cotidiana con personajes anónimos, sin asunto histórico ni religioso. Ejemplos: Vieja friendo huevos de Velázquez, los niños de Murillo. Galicia lo llama «cuadro de género».
- Vanitas
- Bodegón o alegoría que recuerda la fugacidad de la vida y la vanidad de los bienes terrenales mediante símbolos como calaveras, esqueletos, velas apagadas, coronas o libros. En España, In ictu oculi de Valdés Leal.
- Postrimerías
- Las cuatro últimas realidades que esperan al ser humano según la doctrina católica: muerte, juicio, infierno y gloria. Dan nombre a los dos jeroglíficos de Valdés Leal para el Hospital de la Caridad de Sevilla.
- Retrato
- Género artístico que reproduce los rasgos físicos y psicológicos de una o varias personas. En el s. XVII español es el gran género de la corte: Velázquez retrata a reyes, nobles, papas y bufones.
- Retrato ecuestre
- Retrato de un personaje a caballo, símbolo de poder y de capacidad de mando. Velázquez pintó los de la familia real para el Salón de Reinos y el del conde-duque de Olivares.
- Corveta
- Movimiento del caballo que se alza sobre las patas traseras con las delanteras en el aire. En el retrato ecuestre expresa el dominio del jinete: El conde-duque de Olivares a caballo.
- Autorretrato
- Retrato que un artista hace de sí mismo. Ejemplo: Velázquez se pinta con la paleta y la cruz de Santiago en Las meninas.
- Perspectiva aérea
- Representación de la atmósfera que envuelve los objetos: los lejanos se pintan con contornos difuminados, menos contraste y colores más pálidos o azulados. Velázquez la lleva al límite en Las meninas y Las hilanderas.
- Pincelada suelta
- Pincelada rápida y visible que no dibuja los contornos: de cerca parecen manchas y a cierta distancia forman telas, cabellos o reflejos. Es la técnica madura de Velázquez, aprendida de Tiziano y los venecianos.
- Inmaculada Concepción
- Creencia católica, proclamada dogma en 1854, de que la Virgen fue concebida sin pecado original. En el s. XVII Sevilla la defendía con fervor; Pacheco fijó su iconografía (túnica blanca, manto azul, luna a los pies) y Murillo es su gran pintor.
- Contrarreforma
- Reacción de la Iglesia católica frente al protestantismo, fijada en el Concilio de Trento (1545–1563). Pide imágenes claras y emotivas que enseñen la doctrina y muevan a la devoción: santos, mártires, Inmaculadas.
- Pintor del rey
- Pintor al servicio de la Corona, con sueldo y encargos de retratos y decoraciones de palacio. Velázquez lo fue desde 1623 y llegó a aposentador mayor de palacio (1652).
- Escuela pictórica
- Conjunto de pintores de una ciudad o región con rasgos comunes. En la España del s. XVII destacan la sevillana (Zurbarán, Murillo, Valdés Leal), la madrileña o de la corte (Velázquez, Carreño, Claudio Coello) y la valenciana (Ribalta; Ribera, nacido en Játiva, trabajó en Nápoles).
Modo PAU
Ocho claves para reconocerlo en una lámina
- Castilla-La Mancha (2025 extraordinaria): «La pintura barroca española: Velázquez.»
- Madrid (2025 ordinaria): «Selecciona uno de estos dos temas y explica sus principales características y obras más representativas: La Escultura de la Grecia Antigua o Diego Velázquez»
- La Rioja (2026 ordinaria): «Describe las características y evolución de la pintura de Velázquez a través de algunas de sus obras más significativas». En 2026 extraordinaria: «Describe las características de la pintura barroca española a través de sus obras y principales representantes»
- Cantabria (2024 ordinaria, 2025 y 2026 extraordinaria): «Exponga tres características de la pintura española del siglo XVII.»
- Comunitat Valenciana (2026, julio, examen de solapamiento): «Explica la función y el simbolismo de la pintura del barroco español, en relación con su contexto social y político.» (con dos textos de J. J. Martín González)
- Asturias (2025 extraordinaria): imagen de Las hilanderas: «a) Clasificación de la obra: Título. Autor. Movimiento Artístico. Cronología. b) Analiza la obra desde el punto de vista formal y explica la temática que representa. c) Cita alguna obra más de este autor con temática de este tipo.»
- Navarra (2026 extraordinaria): imagen sin título de Las meninas para identificar y comentar. Canarias (2025 y 2026) y Murcia (2026 extraordinaria): comparar Las meninas con La familia de Carlos IV de Goya.
- Madrid (modelo 2027): «De los 5 artistas que se proponen, elija 3, explicando su época, características y obras más significativas (se recomienda no más de diez líneas para cada uno): Velázquez, Picasso, Berthe Morisot, Brunelleschi, Salzillo»
- Las lanzas y La rendición de Breda son el mismo cuadro (el Prado lo titula Las lanzas o La rendición de Breda). El hecho es de 1625; el cuadro, de hacia 1635.
- Martirio de san Felipe, no de san Bartolomé: así se catalogó hasta 1953. San Felipe muere crucificado; san Bartolomé, desollado.
- Las hilanderas no es una escena de género: es la fábula de Aracne y Palas Atenea; lo confirma el inventario de Pedro de Arce (1664).
- Tenebrismo (contraste extremo y fondo negro: Ribera, Zurbarán, el Velázquez sevillano) ≠ perspectiva aérea (el aire entre las figuras y la pérdida de nitidez con la distancia: el Velázquez maduro).
- Vieja friendo huevos está en Edimburgo y El aguador de Sevilla en Londres (Apsley House); La Venus del espejo, en la National Gallery de Londres, e Inocencio X, en Roma. No están en el Prado.
- La Inmaculada del facistol es una escultura de Alonso Cano (Tema 15); La Inmaculada de El Escorial es una pintura de Murillo. Murillo pintó muchas Inmaculadas: si no sabes cuál es, basta «Inmaculada de Murillo, segunda mitad del s. XVII».
- Del Bodegón con cacharros hay dos versiones casi idénticas: la del Prado (la de las listas de Madrid y Castilla y León) y la del MNAC de Barcelona.
- Ticio (Ribera, 1632): un águila le devora el hígado por un delito contra Júpiter. No lo confundas con Prometeo, que sufre un castigo parecido por robar el fuego, ni con Ixión, su pareja en el Prado, atado a una rueda.
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Cantabria (2025 y 2026 extraordinaria): «Exponga tres características de la pintura española del siglo XVII.» (1 punto)
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1) Temática religiosa dominante, al servicio de la Contrarreforma (santos, mártires, Inmaculadas), y retrato de corte; casi no hay mitología ni desnudo. 2) Naturalismo: modelos tomados de la realidad, sin idealizar, y objetos cotidianos pintados con precisión; nace el bodegón (Sánchez Cotán, Zurbarán). 3) Tenebrismo de origen caravaggesco en la primera mitad del siglo (Ribera, Zurbarán, el joven Velázquez), que evoluciona hacia una pintura luminosa, de pincelada suelta y color (Velázquez maduro, Murillo). Si te preguntan las escuelas: sevillana, madrileña o de la corte y valenciana (con Ribera en Nápoles).
Identifica la obra: lienzo cuadrado de 1639. Un hombre musculoso, de pueblo, es izado con cuerdas hacia una cruz por dos verdugos mientras un tercero le sujeta la pierna; a los lados, curiosos; arriba, un gran cielo azul.
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Martirio de san Felipe, de José de Ribera (Jusepe de Ribera), 1639, Museo Nacional del Prado. Barroco, naturalismo tenebrista en su etapa luminosa. Probablemente un regalo del virrey de Nápoles, duque de Medina de las Torres, a Felipe IV, cuyo santo patrón era san Felipe. Rasgos: diagonales, punto de vista bajo, modelos populares, pasta espesa, martirio sin gloria celestial.
Define con un ejemplo (vocabulario de Murcia, Canarias, Baleares y Galicia): tenebrismo, bodegón, vanitas, perspectiva aérea y autorretrato.
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Tenebrismo: recurso pictórico que intensifica el dramatismo mediante contrastes extremos de luz y sombra (Ribera, Ticio). Bodegón: género pictórico que representa objetos inanimados (Zurbarán, Bodegón con cacharros). Vanitas: bodegón o alegoría sobre la fugacidad de la vida y la vanidad de los bienes terrenales (Valdés Leal, In ictu oculi). Perspectiva aérea: representación de la atmósfera, con los objetos lejanos más difuminados y pálidos (Velázquez, Las meninas). Autorretrato: retrato del artista por sí mismo (Velázquez en Las meninas).
Ordena cronológicamente: Las meninas, Bodegón de caza, hortalizas y frutas, Martirio de san Felipe, La fragua de Vulcano, Vieja friendo huevos, Las lanzas, Los borrachos y La Inmaculada de El Escorial.
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Bodegón de caza, hortalizas y frutas (1602) → Vieja friendo huevos (1618) → Los borrachos (1628–1629) → La fragua de Vulcano (1630) → Las lanzas (h. 1635) → Martirio de san Felipe (1639) → Las meninas (1656) → La Inmaculada de El Escorial (h. 1665).
Comunitat Valenciana (2026, julio, examen de solapamiento), apartado 3 (2 puntos): «Explica la función y el simbolismo de la pintura del barroco español, en relación con su contexto social y político.» Texto 1 (J. J. Martín González): los pintores «se esforzaron por plasmar una visión trascendente, sobrenatural, aunque se refiriera incluso a los personajes puramente humanos». Texto 2: «Incluso cuando se representa lo mitológico -en Velazquez, por ejemplo- se caracteriza individualmente a los personales y se les hace interpretar acciones meramente de la vida».
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Función religiosa. En una España en crisis y sin apenas burguesía, el gran cliente es la Iglesia de la Contrarreforma: la pintura debe enseñar la doctrina y conmover. De ahí los mártires (Ribera), los frailes ejemplares (Zurbarán), las Inmaculadas (Murillo) o las vanitas de Valdés Leal, que, según la idea de Miguel de Mañara, recuerdan que solo la caridad salva. Como dice el texto 1, lo humano se carga de sentido trascendente: un mendigo o un fraile se vuelven modelos de santidad. Función política. La corte usa la pintura como propaganda: retratos ecuestres y Las lanzas en el Salón de Reinos exaltan las victorias y la clemencia de Felipe IV; Las meninas exalta a la familia real. Simbolismo y naturalismo. Como dice el texto 2, incluso los dioses se pintan como gente corriente (Los borrachos, La fragua): el naturalismo acerca el mensaje al espectador y da a la pintura española su sencillez. Además, Velázquez usa la pintura para reivindicar la nobleza del arte. Ojo: los criterios penalizan contar solo el contexto histórico; hay que explicar para qué servía la pintura.
Madrid (modelo 2027), P3: explica en unas diez líneas la época, las características y las obras más significativas de Velázquez.
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Diego Velázquez (Sevilla, 1599–Madrid, 1660), pintor barroco español del reinado de Felipe IV, del que fue pintor desde 1623. Se formó con Pacheco en Sevilla, donde pintó con naturalismo tenebrista bodegones con figuras (Vieja friendo huevos, 1618; El aguador de Sevilla). En la corte se dedicó al retrato y viajó dos veces a Italia (1629–1631 y 1649–1651), donde aclaró la paleta y estudió el desnudo (La fragua de Vulcano, 1630). En su madurez desarrolla una pincelada suelta y la perspectiva aérea y humaniza la mitología: Los borrachos (1628–1629), Las lanzas (h. 1635), Inocencio X (1650), Las hilanderas (1655–1660) y Las meninas (1656), su obra cumbre. Fue aposentador mayor de palacio y caballero de Santiago.
La Rioja (2026 extraordinaria): «Describe las características de la pintura barroca española a través de sus obras y principales representantes» (2 puntos). Haz el esquema.
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1. Contexto: s. XVII, crisis de la Monarquía y Siglo de Oro artístico; clientes, Iglesia contrarreformista y corte. 2. Características: temas religiosos y retrato; naturalismo; tenebrismo que evoluciona hacia la luz y el color; óleo sobre lienzo de gran formato. 3. Representantes y obras: Sánchez Cotán, origen del bodegón (Bodegón de caza, hortalizas y frutas, 1602). Ribera en Nápoles: Ticio (1632), Martirio de san Felipe (1639). Zurbarán en Sevilla: frailes y bodegones (Bodegón con cacharros, h. 1650). Velázquez en la corte: Los borrachos, Las lanzas, Las meninas (1656). Murillo: Inmaculadas y niños (La Inmaculada de El Escorial, h. 1665). Valdés Leal: vanitas (In ictu oculi). 4. Conclusión: del naturalismo tenebrista de la primera mitad al pleno Barroco luminoso y dinámico de la segunda; Velázquez, cumbre de la pintura española.
Fuentes
- Museo Nacional del Prado, ficha de Las meninas (Velázquez)
- Museo Nacional del Prado, Enciclopedia: «Hilanderas o la fábula de Aracne, Las [Velázquez]»
- Museo Nacional del Prado, Enciclopedia: «Martirio de san Felipe [Ribera]» (G. Finaldi)
- Museo Nacional del Prado, Enciclopedia: «Bodegón con cacharros [Zurbarán]» (P. Cherry)
- Museo Nacional del Prado, Enciclopedia: «Sagrada Familia del pajarito [Murillo]»
- Museo Nacional del Prado, recorrido «Velázquez» (fechas de sus obras en el museo)
- Real Academia de la Historia, Diccionario Biográfico: «Diego Rodríguez de Silva y Velázquez» (A. E. Pérez Sánchez)
- Real Academia de la Historia, Diccionario Biográfico: «José de Ribera» (A. E. Pérez Sánchez)
- Real Academia de la Historia, Diccionario Biográfico: «Francisco de Zurbarán y Salazar» (B. Navarrete Prieto)
- Real Academia de la Historia, Diccionario Biográfico: «Bartolomé Esteban Murillo» (E. Valdivieso)
- Real Academia de la Historia, Diccionario Biográfico: «Juan de Valdés Leal» (E. Valdivieso)
- Universidad de Castilla-La Mancha, criterios de corrección de Historia del Arte, PAU 2025, convocatoria extraordinaria
- Universidad de Oviedo, examen resuelto y criterios de corrección, PAU 2025 extraordinaria (Las hilanderas)
- Universidad Pública de Navarra, examen de Historia del Arte, PAU 2026 extraordinaria
- Gobierno de Canarias, criterios de corrección de Historia del Arte, PAU junio de 2026
- Junta de Andalucía, Directrices y Orientaciones de Historia del Arte, curso 2026-2027
Imágenes: Bodegón de caza, hortalizas y frutas: Juan Sánchez Cotán (dominio público, Wikimedia Commons) · Martirio de san Felipe: Jusepe de Ribera (dominio público, Wikimedia Commons) · Ticio: Jusepe de Ribera (dominio público, Wikimedia Commons) · El sueño de Jacob: Jusepe de Ribera (dominio público, Wikimedia Commons) · El patizambo: Jusepe de Ribera (dominio público, Wikimedia Commons) · Bodegón con cacharros: Francisco de Zurbarán (dominio público, Wikimedia Commons) · San Hugo en el refectorio: Francisco de Zurbarán (dominio público, Wikimedia Commons) · Vieja friendo huevos: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · El aguador de Sevilla: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · Los borrachos, o El triunfo de Baco: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · La fragua de Vulcano: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · Cristo crucificado: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · Las lanzas o La rendición de Breda: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · Gaspar de Guzmán, conde-duque de Olivares, a caballo: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · Retrato del papa Inocencio X: Matthieu.lett.ube (dominio público, Wikimedia Commons) · La Venus del espejo: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · Las meninas: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · Las hilanderas o la fábula de Aracne: Diego Velázquez (dominio público, Wikimedia Commons) · La Inmaculada de El Escorial: Bartolomé Esteban Murillo (dominio público, Wikimedia Commons) · Sagrada Familia del pajarito: Bartolomé Esteban Murillo (dominio público, Wikimedia Commons) · Niños jugando a los dados: Miguel Hermoso Cuesta (CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commons) · Niños comiendo uvas y melón: Bartolomé Esteban Murillo (dominio público, Wikimedia Commons) · In ictu oculi: Juan de Valdés Leal (dominio público, Wikimedia Commons)
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